Norman Lewis, een verwaarloosde parel van het Abstract Expressionisme
Toen de Pennsylvania Academy of Fine Arts in 2015 de tentoonstelling “Procession: The Art of Norman Lewis” organiseerde, was dit voor de meeste bezoekers een openbaring. Het onderwerp van de tentoonstelling, de Amerikaanse schilder Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), wordt beschouwd als de enige zwarte kunstenaar onder de eerste generatie Abstracte Expressionisten. Zijn werk is volledig onderscheidend van dat van zijn tijdgenoten, met esthetische en intellectuele lijnen die het ook vandaag de dag een gevoel van frisheid en vindingrijkheid geven. Toch bereikte Lewis, in tegenstelling tot Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko en de andere schilders met wie hij vaak exposeerde, nooit grote roem of financieel succes tijdens zijn leven. Hij onderhield zichzelf en zijn gezin voornamelijk als leraar. Een van de belangrijkste redenen waarom hij het moeilijk had op de markt, was dat ondanks de manier waarop de witte, naoorlogse Amerikaanse kunstwereld abstracte kunst omarmde, het werk van zwarte kunstenaars, abstract of niet, toch meestal werd genegeerd. Tegelijkertijd verwierpen de meeste naoorlogse zwarte Amerikaanse kunsthandelaren en verzamelaars abstracte kunst ook, omdat zij geloofden dat sociale rechtvaardigheid alleen bereikt kon worden door kunst die direct sociale rechtvaardigheidskwesties aansneed. In feite had Lewis zelf diezelfde overtuiging toen hij in de jaren dertig aan zijn carrière begon. Hij schilderde figuratieve, sociaal-realistische werken als onderdeel van de Works Progress Administration, een baan waarbij hij de mede-Abstract Expressionist Pollock ontmoette. Maar tijdens de Tweede Wereldoorlog kon Lewis niet anders dan de hypocrisie opmerken van het Amerikaanse leger dat een wit supremacistisch vijand bestreed terwijl het tegelijkertijd de raciale segregatie van zijn eigen troepen afdwingde. Na de oorlog liet Lewis zijn geloof los dat realistische kunst ooit een belangrijke rol kon spelen in het hervormen van de cultuur. Hij zei: “Ik schilderde vroeger zwarten die onteigend werden; discriminatie, en langzaam werd ik me ervan bewust dat dit niemand raakte, het maakte de situatie niet beter.” In plaats daarvan wijdde hij zich aan een levenslange verkenning van de meer universele aspecten van esthetiek, waarbij hij de kracht van kleur, lijn, textuur en vorm inzette om mensen samen te brengen in een visuele ruimte van bezinning en overstijging.
Betrokken Lijn en Ruimte
Een van de meest kenmerkende aspecten van de abstracte schilderstijl die Lewis ontwikkelde, is zijn gebruik van lijn. Zijn penseelstreken zijn licht en energiek, zelfs lyrisch, en toch bezitten ze een architectonische structuur die ze een gevoel van kracht en gewicht geeft. Hij gebruikte dit element op zo’n manier dat zijn lijnen relaties met elkaar aangingen, waarbij ze de aanwezigheid van vormen suggereerden in plaats van letterlijke objecten in de ruimte te beschrijven. In schilderijen zoals “Street Musicians” (1948) bezet een verzameling lijnen het midden van het doek, omgeven door een roze, atmosferische nevel. Het schilderij is volledig abstract, en toch lijkt het door de manier waarop de ruimte is verdeeld alsof het een afbeelding is van iets herkenbaars. De lineaire patronen in het midden van het doek suggereren het voorkomen van echte muzikanten, misschien uiteengevallen in een kubistisch multiversum van perspectieven en vlakken. Maar dit is geen afbeelding van muzikanten. Dit is meer een uitdrukking van de energie en emotie van muziek die op straat wordt gespeeld; de opwinding van noten die de ruimte doordringen, en het feest van kleuren en geluiden terwijl ze de lucht vullen.
Norman Lewis - Florence, 1947. Olie op Masoniet. 14 x 18 inch. Particuliere collectie. © Het nalatenschap van Norman W. Lewis, Met dank aan Iandor Fine Arts, New Jersey.
Naast zijn gebruik van lijn ontwikkelde Lewis ook een kenmerkende en zeer doeltreffende manier om met visuele ruimte om te gaan. Zijn schilderijen waren niet “all-over” zoals die van Jackson Pollock, waarbij elk stukje van het doek met penseelstreken bedekt is zodat geen deel meer aandacht verdient dan een ander. Lewis gaf de kijker juist iets om zich op te richten binnen de beeldruimte, ook al was het onderwerp van die focus abstract. In “Green Mist” (1948) bereikte hij dit door technieken te mengen zodat het oog intuïtief naar het midden van het doek werd getrokken. Aan de buitenrand van het doek is de verf met de hand uitgesmeerd en gladgestreken om de indruk van een atmosferische groene wolk te wekken, terwijl in het midden van het beeld scherpe, kalligrafische lijnen suggereren dat er iets concreets aanwezig is, of misschien aan het ontstaan is binnen het mysterie van de visuele ruimte.
Norman Lewis - Crossing, 1948. Olie op doek. 25 x 54 inch. Michael Rosenfeld Gallery. © Het nalatenschap van Norman W. Lewis, Met dank aan Iandor Fine Arts, New Jersey.
De Spiral Group
Hoewel zijn keuze om de universele aspecten van esthetiek te verkennen in plaats van realistische weergaven van de zwarte strijd in Amerika weinig deed om zijn bekendheid onder handelaren of verzamelaars te vergroten, bracht het Lewis wel in het gezelschap van andere zwarte Amerikaanse kunstenaars die zijn overtuiging deelden over het belang van esthetische prestatie. Op 5 juli 1963 werd hij uitgenodigd in het atelier van Romare Bearden om zich aan te sluiten bij Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew en William Pritchard om een collectief te vormen dat bekend werd als The Spiral Group. De groep was toegewijd aan het bevorderen van esthetisch meesterschap en culturele universaliteiten. Ze kwamen regelmatig bijeen om te bespreken op welke manieren realistische weergaven van raciale ongelijkheid de zwarte cultuur wel of niet hielpen, en om te bestuderen hoe uitmuntendheid op het gebied van “gemeenschappelijke esthetische problemen” meer kon doen om de culturele status te verhogen en de invloed van zwarte kunstenaars in Amerika te vergroten.
Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Ingekerfd op zwart gecoat masonietbord. 20 x 23 7/8 inch. Particuliere collectie. © Het nalatenschap van Norman W. Lewis, Met dank aan Iandor Fine Arts, New Jersey
De naam Spiral Group werd voorgesteld door Hale Woodruff. Het verwees naar de Griekse wiskundige Archimedes, wiens “schroef” “omhoog draaide in steeds bredere cirkels, als symbool van vooruitgang.” Hoewel sommige schilders in The Spiral Group figuratief werk maakten, was hun volledige omarming van de mogelijkheden van abstractie baanbrekend, vooral voor zwarte Amerikaanse kunst. Het legde de basis voor kunstenaars zoals beeldhouwer Richard Hunt, wiens solotentoonstelling in 1971 in het Museum of Modern Art in New York slechts de derde solotentoonstelling was door een zwarte kunstenaar in de geschiedenis van MoMA, en de eerste door een abstract kunstenaar. Het bracht ook scherp in beeld de ongelukkige realiteit dat er in Amerika nooit slechts één kunstwereld is geweest, maar meerdere kunstwerelden die strijden om erkenning en invloed in plaats van samen te werken aan gemeenschappelijke culturele doelen. Norman Lewis en de andere leden van The Spiral Group legden de basis voor iets beters: een benadering van kunst die niet alleen universeel is, maar ook verbindend.
Klik hier om meer te lezen over deze kunstenaar die een stem werd in het Abstract Expressionisme.
Uitgelichte afbeelding: Norman Lewis - Ongetiteld, 1949. Olie op doek. 20 x 30 inch. Particuliere collectie. © Het nalatenschap van Norman W. Lewis, Met dank aan Iandor Fine Arts, New Jersey.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio
