Robert Delaunay en zijn benadering van kleur

Wat betekent het om te zeggen dat een schilderij "realistisch" is? Realiteit is een betwist onderwerp. Het is tenslotte puur subjectief. Wat iemand als echt beschouwt, is gebaseerd op een combinatie van wat men waarneemt, wat men begrijpt en wat men zich kan voorstellen. In 1912 publiceerde de schilder Robert Delaunay een essay in het Duitse tijdschrift Der Sturm getiteld, "Notities over de constructie van realiteit in pure schilderkunst." Het essay was een poging om de voorgaande 60 jaar van artistiek onderzoek, sinds het begin van het Impressionisme, samen te vatten in het onderwerp hoe men het beste realiteit in kunst kan weergeven. Delaunay beschreef het werk van zijn voorgangers als wetenschappelijk en analytisch, waarbij schilderkunst werd ontleed in zijn componenten om te komen tot de essenties van geschilderde realiteit. Hij schreef dat kunstenaars alleen zouden moeten streven naar het creëren van wat mooi is en dat realiteit de enige werkelijk mooie zaak is. Maar realiteit, volgens Delaunay, betekende niet nabootsing. Integendeel, hij veronderstelde dat het meest basale en mooie element van realiteit kleur was, want de natuur, via licht, bracht de schoonheid van de wereld door kleur naar onze ogen, en dat "het onze ogen zijn die de sensaties die in de natuur worden waargenomen naar onze ziel overbrengen."

Kleur is realiteit

Een van de dingen die Robert Delaunay graag over zichzelf zei, is dat schilders voor hem kleur alleen gebruikten om te kleuren. Hij geloofde dat hij de eerste schilder was die kleur als onderwerp op zich gebruikte. Hij gaf krediet aan de Impressionisten, omdat zij degenen waren die het belang van licht identificeerden. Maar zij gebruikten nog steeds alleen de kwaliteiten van licht om beelden van de objectief zichtbare wereld te kopiëren. Maar in ieder geval erkenden zij dat een afbeelding uit veel verschillende delen bestaat, en dat het de waarneming van die delen is die een gevoel van wat werkelijkheid is creëert. Waarneming gebeurt niet op het doek, maar in de hersenen.

Pointillisme was de eerste en meest diepgaande schilderstijl die echt het feit onderzocht dat waarneming in de hersenen plaatsvindt. Ook bekend als Divisionisme, maakte het gebruik van kleine blokken kleur die naast elkaar op een canvas werden geplaatst om de indruk van een gemengde kleur over te brengen in plaats van de kleuren eerst samen te mengen. De hersenen zouden vervolgens de kleuren combineren om het beeld te voltooien. Die realisatie, dat de ogen en de hersenen een anders onvolledig beeld konden completeren, werd een fundamenteel principe van de late 19e eeuw en het begin van de 20e eeuw avant-garde. Het inspireerde futuristische schilderkunst, kubisme, orphisme en ontelbare andere stijlen en bewegingen sindsdien.

Kleur als onderwerp

Robert Delaunay was gefascineerd door de Divisionistische denkwijze. Het inspireerde hem om na te denken over de relatie die kleuren tot elkaar hebben wanneer ze naast elkaar op het doek worden geplaatst, onafhankelijk van het beeld dat ze werden gebruikt om te creëren. Hij vergrootte de kleurblokken verder dan wat de Pointillisten hadden gedaan, waardoor veel meer uitgesproken en geabstraheerde visuele effecten ontstonden. Hij gebruikte deze techniek om een serie portretten van zijn vriend en mede-abstracte schilder Jean Metzinger te maken.

In Delaunay's Metzinger-schilderijen zien we kleurblokken die diepte en een gevoel van beweging creëren, naast het simpelweg vormen van een afbeelding. Door zijn Divisionistische schilderijen realiseerde Delaunay zich dat kleur vorm, diepte, licht en zelfs emotie kon overbrengen. Onafhankelijk van de figuratieve elementen van een afbeelding, kon kleur op zichzelf elke waarheid of realiteit overbrengen die een schilder hoopte uit te drukken.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Kleur en vlak

Terwijl Delaunay zijn eigen ontdekkingen deed over geschilderde realiteit, experimenteerden de Cubisten, geleid door Pablo Picasso, ook in een vergelijkbaar domein. Ze probeerden vierdimensionale realiteit en de voorbijgang van de tijd over te brengen. Hun methode was om de wereld op te delen in ruimtelijke vlakken en die vlakken vervolgens te gebruiken om een veelheid van gelijktijdige gezichtspunten op een enkel onderwerp uit te drukken.

Delaunay was niet geïnteresseerd in perspectief. Hij geloofde dat beweging, of enig ander fenomeen, alleen door kleur kon worden uitgedrukt. Maar Delaunay was desondanks gefascineerd door het Cubistische idee van ruimtelijke vlakken. Hij had opgemerkt dat wanneer licht op dingen valt, de verschillende tinten die verschijnen worden bepaald door de geometrie van hun ruimtelijke vlakken. Aangezien vlakken en geometrie zo'n directe invloed op kleur hebben, leende hij de esthetische taal van het gebroken vlak van de Cubisten en paste deze toe in zijn schilderijen, waardoor hij een nieuwe abstracte esthetische benadering creëerde die deels Divisionistisch en deels Cubistisch was. Hij gebruikte deze stijl het meest beroemd in een serie schilderijen die weergaven wat hij geloofde dat het ultieme symbool van het moderne tijdperk was: de Eiffeltoren.

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

Kleur en contrast

Een van de volgende ontdekkingen die Delaunay deed, had te maken met contrast. Hij realiseerde zich dat kleuren elkaar op een manier konden aanvullen die emotionele reacties in de geest van de kijker kon creëren. Hij begon het onderwerp, diepte, licht en alle andere factoren te elimineren, en zich puur te concentreren op kleurcontrast omwille van zijn eigen waarde. Hij leerde dat verschillende contrasterende kleuren verschillende emotionele effecten creëerden. Sommige kleuren contrasteerden op een manier die luchtig of vrolijk aanvoelde. Andere contrasteerden op een manier die zwaar of melancholisch aanvoelde.

Hij ontdekte ook dat sommige kleuren, wanneer ze naast elkaar werden geplaatst, daadwerkelijk een gevoel van beweging creëerden. Kijkers ervoeren dat ze trilden, vibreren of zelfs van tint veranderden naarmate ze er langer naar keken. Delaunay noemde deze sensatie Simultaneïteit. In zijn schilderij uit 1914 Homage to Bleriot gebruikte hij de theorie van Simultaneïteit om over te brengen wat hij geloofde dat de essentiële staat van moderniteit was, beweging, bijna volledig vertegenwoordigd door kleur en puur geabstraheerde vorm.

Robert Delaunay - Homage aan Bleriot, 1914, Olieverf op doek, 6 ft 4 1/2 x 4 ft 2 1/2 in. Kunstmuseum Basel, Basel, Zwitserland

Robert Delaunay's Erfenis

Geschiedenis was belangrijk voor Delaunay, en volgens degenen die hem kenden, was hij zich goed bewust van zijn plaats daarin. Hij was bijzonder gesteld op het aanwijzen wie of wat de eerste was. Hij schreef dat, “De eerste schilderijen waren simpelweg een lijn die de schaduw van een man, gemaakt door de zon op het aardoppervlak, omcirkelde.” Hij prees de schilder Seurat, de grondlegger van het Pointillisme, omdat hij als eerste het belang van complementaire kleuren toonde. Maar hij ging Seurat vervolgens bekritiseren voor zijn onvolledige prestatie, en stelde dat Pointillisme “slechts een techniek” was. Delaunay beweerde dat hijzelf als eerste de theorie van complementaire kleuren gebruikte om tot een pure uitdrukking van schoonheid te komen.

Inderdaad, na het lezen van Delaunay's geschriften over kleur is het duidelijk dat hij verantwoordelijk is voor veel origineel denken over de formele kwaliteiten van schilderkunst. Hij en zijn vrouw Sonia worden gecrediteerd met het uitvinden van Orfisme, een van de meest invloedrijke abstracte stijlen die vóór de Eerste Wereldoorlog zijn ontstaan. Maar zonder iets af te doen aan Delaunay, roept het zoveel aandacht voor kleur wel een vraag op: Kan kleur werkelijk de puurste uitdrukking van de werkelijkheid van de natuur zijn? Kan het de enige manier zijn om schoonheid over te brengen naar onze zielen? Het moet ontmoedigend zijn voor een blinde persoon, of een kleurenblinde persoon, om zulke nieuws te horen. Misschien was Delaunay's denken over kleur niet het einde van het verhaal. Misschien is wat het belangrijkst is aan zijn werk dat hij de vragen stelde die veel liefhebbers van abstracte kunst nog steeds vandaag de dag stellen: Wat is werkelijkheid? Wat is schoonheid? Wat is de beste manier om ze te communiceren zodat ze verbinding maken met de menselijke ziel?

Uitgelichte afbeelding: Robert Delaunay - Portret van Jean Metzinger, 1906, Olieverf op doek, 55 x 43 cm. Privécollectie
Door Phillip Barcio