Robert Delaunay en zijn benadering van kleur

Wat betekent het om te zeggen dat een schilderij “realistisch” is? Werkelijkheid is een betwist onderwerp. Het is tenslotte puur subjectief. Wat men als echt beschouwt, is gebaseerd op een combinatie van wat men waarneemt, wat men begrijpt en wat men zich kan voorstellen. In 1912 publiceerde de schilder Robert Delaunay een essay in het Duitse tijdschrift Der Sturm getiteld, “Aantekeningen over de Constructie van Werkelijkheid in Pure Schilderkunst.” Het essay was een poging om de voorgaande 60 jaar van artistiek onderzoek, sinds het begin van het impressionisme, samen te vatten over het onderwerp hoe men het beste werkelijkheid in kunst kan weergeven. Delaunay beschreef het werk van zijn voorgangers als wetenschappelijk en analytisch, waarbij schilderkunst werd ontleed in zijn onderdelen om tot de essentie van geschilderde werkelijkheid te komen. Hij schreef dat kunstenaars alleen moesten streven naar het creëren van wat mooi is en dat werkelijkheid het enige werkelijk mooie is. Maar werkelijkheid, volgens Delaunay, betekende niet nabootsing. Hij vermoedde eerder dat het meest basale en mooie element van werkelijkheid kleur was, want de natuur, via licht, bracht de schoonheid van de wereld over aan onze ogen door kleur, en dat “het onze ogen zijn die de in de natuur waargenomen sensaties aan onze ziel doorgeven.”

Kleur is Werkelijkheid

Een van de dingen die Robert Delaunay graag over zichzelf zei, is dat schilders vóór hem kleur alleen gebruikten om in te kleuren. Hij geloofde dat hij de eerste schilder was die kleur als onderwerp op zich gebruikte. Hij gaf de eer aan de impressionisten, omdat zij het belang van licht hadden onderkend. Maar zij gebruikten nog steeds alleen de eigenschappen van licht om beelden van de objectief zichtbare wereld na te bootsen. Maar ze erkenden tenminste dat een beeld uit veel verschillende delen bestaat, en dat het de waarneming van die delen is die een gevoel van werkelijkheid creëert. Waarneming vindt niet op het doek plaats, maar in de hersenen.

Pointillisme was de eerste en meest diepgaande schilderstijl die echt onderzocht dat waarneming in de hersenen plaatsvindt. Ook bekend als divisionisme, maakte het gebruik van kleine kleurvlakken die naast elkaar op het doek werden geplaatst om de indruk van een gemengde kleur te geven in plaats van de kleuren eerst te mengen. De hersenen combineerden vervolgens de kleuren om het beeld compleet te maken. Die ontdekking, dat de ogen en hersenen een anders onvolledig beeld konden aanvullen, werd een grondbeginsel van de avant-garde van het einde van de 19e en het begin van de 20e eeuw. Het inspireerde futuristische schilderkunst, kubisme, orfisme en talloze andere stijlen en stromingen sindsdien.

Kleur als Onderwerp

Robert Delaunay was geboeid door het divisionistische denken. Het inspireerde hem om na te denken over de relatie die kleuren tot elkaar hebben wanneer ze naast elkaar op het doek worden geplaatst, los van het beeld dat ze moesten vormen. Hij vergrootte de kleurvlakken verder dan wat de pointillisten hadden gedaan, waardoor veel uitgesprokener en abstracter visuele effecten ontstonden. Hij gebruikte deze techniek om een reeks portretten te maken van zijn vriend en medeschilder in abstracte kunst Jean Metzinger.

In Delaunays Metzinger-schilderijen zien we kleurvlakken die diepte en een gevoel van beweging creëren, naast het vormen van een beeld. Door zijn divisionistische schilderijen realiseerde Delaunay zich dat kleur vorm, diepte, licht en zelfs emotie kon overbrengen. Los van de figuratieve elementen van een beeld kon kleur op zichzelf elke waarheid of werkelijkheid overbrengen die een schilder hoopte uit te drukken.

Robert Delaunay Rythme n°1, decoratie voor de Salon des Tuileries, 1938, olieverf op doek, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Kleur en Vlak

Terwijl Delaunay zijn eigen ontdekkingen deed over geschilderde werkelijkheid, experimenteerden de kubisten, onder leiding van Pablo Picasso, ook in een vergelijkbaar gebied. Zij probeerden vierdimensionale werkelijkheid en het verstrijken van tijd weer te geven. Hun methode was om de wereld op te delen in ruimtelijke vlakken en die vlakken te gebruiken om een veelheid aan gelijktijdige gezichtspunten op één onderwerp uit te drukken.

Delaunay was niet geïnteresseerd in perspectief. Hij geloofde dat beweging, of welk ander verschijnsel dan ook, alleen door kleur kon worden uitgedrukt. Toch was Delaunay gefascineerd door het kubistische idee van ruimtelijke vlakken. Hij had opgemerkt dat wanneer licht op dingen valt, de verschillende tinten die verschijnen worden bepaald door de geometrie van hun ruimtelijke vlakken. Omdat vlakken en geometrie zo’n directe invloed op kleur hebben, leende hij de beeldtaal van het gebroken vlak van de kubisten en paste die toe in zijn schilderijen, waarmee hij een nieuwe abstracte beeldtaal ontwikkelde die deels divisionistisch en deels kubistisch was. Hij gebruikte deze stijl het meest bekend in een reeks schilderijen die wat hij beschouwde als het ultieme symbool van het moderne tijdperk uitbeeldden: de Eiffeltoren.

Robert Delaunay - Eiffeltoren, 1911 (gedateerd 1910 door de kunstenaar). Olie op doek. 79 1/2 x 54 1/2 inch (202 x 138,4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, als schenking. 37.463

Kleur en Contrast

Een van de volgende ontdekkingen die Delaunay deed had te maken met contrast. Hij realiseerde zich dat kleuren elkaar konden aanvullen op een manier die emotionele reacties in de geest van de kijker kon oproepen. Hij begon onderwerp, diepte, licht en alle andere factoren weg te laten en richtte zich puur op kleurcontrast omwille van zichzelf. Hij ontdekte dat verschillende contrasterende kleuren verschillende emotionele effecten teweegbrachten. Sommige kleuren contrasteerden op een manier die lichtvoetig of vreugdevol aanvoelde. Andere contrasteerden op een manier die zwaar of weemoedig aanvoelde.

Hij ontdekte ook dat sommige kleuren, wanneer ze naast elkaar werden geplaatst, een gevoel van beweging creëerden. Kijkers namen waar dat ze trilden, trilden of zelfs van tint veranderden naarmate ze er langer naar keken. Delaunay noemde deze sensatie gelijktijdigheid. In zijn schilderij uit 1914 Hulde aan Bleriot gebruikte hij de theorie van gelijktijdigheid om uit te drukken wat hij beschouwde als de essentiële staat van moderniteit, beweging, bijna volledig weergegeven door kleur en puur abstracte vorm.

Robert Delaunay - Hulde aan Bleriot, 1914, olieverf op doek, 1,94 x 1,28 m. Kunstmuseum Basel, Basel, Zwitserland

De Nalatenschap van Robert Delaunay

Geschiedenis was belangrijk voor Delaunay, en volgens degenen die hem kenden was hij zich goed bewust van zijn plaats daarin. Hij wees er graag op wie of wat het eerst was. Hij schreef dat, “De eerste schilderijen gewoon een lijn waren die de schaduw van een man omcirkelde, gemaakt door de zon op het aardoppervlak.” Hij prees de schilder Seurat, grondlegger van het pointillisme, omdat hij als eerste het belang van complementaire kleuren toonde. Maar hij bekritiseerde Seurat vervolgens vanwege zijn onvolledige prestatie, stellende dat pointillisme “slechts een techniek” was. Delaunay stelde dat hijzelf de eerste was die de theorie van complementaire kleuren gebruikte om tot een pure uitdrukking van schoonheid te komen.

Inderdaad, na het lezen van Delaunays geschriften over kleur is het duidelijk dat hij verantwoordelijk is voor veel oorspronkelijk denken over de formele kwaliteiten van schilderkunst. Hij en zijn vrouw Sonia worden erkend als de uitvinders van orfisme, een van de meest invloedrijke abstracte stijlen die vóór de Eerste Wereldoorlog ontstonden. Maar zonder iets af te doen aan Delaunay, roept de grote aandacht voor kleur wel een vraag op: Kan kleur werkelijk de puurste uitdrukking van werkelijkheid in de natuur zijn? Kan het de enige manier zijn om schoonheid over te brengen naar onze ziel? Het moet ontmoedigend zijn voor een blinde of een kleurenblinde om zo’n boodschap te horen. Misschien was Delaunays denken over kleur niet het einde van het verhaal. Misschien is het belangrijkste aan zijn werk dat hij de vragen stelde die veel liefhebbers van abstracte kunst nog steeds stellen: Wat is werkelijkheid? Wat is schoonheid? Wat is de beste manier om die te communiceren zodat ze de menselijke ziel raken?

Afbeelding in de kijker: Robert Delaunay - Portret van Jean Metzinger, 1906, olieverf op doek, 55 x 43 cm. Particuliere collectie
Door Phillip Barcio