Sam Gilliam's Muziek van Kleur in Bazel

Tegelijk met de start van Art Basel 2018 opende het Kunstmuseum Basel onlangs wat wordt genoemd de eerste Europese solotentoonstelling ooit van het werk van de Amerikaanse abstracte kunstenaar Sam Gilliam. Getiteld De Muziek van Kleur: Sam Gilliam, 1967 – 1973, toont de tentoonstelling in totaal 45 werken, samengesteld uit particuliere en institutionele collecties uit de Verenigde Staten en Europa. Volgens veel kunstenaars die tegenwoordig actief zijn, is Gilliam een van de belangrijkste Amerikaanse schilders, niet alleen omdat zijn werk mooi is, maar vanwege de bijdrage die het heeft geleverd aan de hedendaagse kunsttheorie. Zijn vernieuwingen doorbraken vooroordelen op een cruciaal moment en daagden rechtstreeks enkele van de luidste stemmen van zijn generatie uit. Zijn ideeën waren zo belangrijk dat het bijna moeilijk te geloven is dat Gilliam nog nooit eerder een solotentoonstelling in Europa heeft gehad. Toch, als je zijn loopbaan goed bekijkt, is het misschien toch niet zo’n verrassing. Gilliam heeft altijd zijn eigen weg gevolgd. Hoewel zijn werk heeft bijgedragen aan het ontstaan van de veelzijdige kunstmarkt die we nu kennen, heeft hij nooit voldaan aan de verwachtingen van die markt. In één woord: Gilliam is een rebel. Ondanks dat hij de Verenigde Staten tweemaal vertegenwoordigde op de Biënnale van Venetië—in 1972 en 2017—tekende hij pas recentelijk voor het eerst in zijn carrière bij een galerie. Vroeger, zelfs toen hij in de schijnwerpers stond, verkocht hij zijn werk meestal zelf, vanuit zijn atelier. Toch behoorden tot zijn kopers tientallen van de meest prestigieuze musea ter wereld, waaronder Tate Modern, het Guggenheim Museum in New York, het Metropolitan Museum of Art, MoMA en de National Gallery of Art in Washington, DC, die allemaal zijn werken bezitten. Zijn bereidheid om nooit te doen wat verwacht wordt, kan wel eens de reden zijn dat Gilliam tot nu toe niet het onderwerp was van een monografische Europese tentoonstelling. Maar het is ook wat leidde tot zijn grootste doorbraken. Zijn unieke vertrouwen in zijn eigen visie maakt Gilliam de perfecte vertegenwoordiger van onafhankelijkheid in de kunstwereld, en het is wat hem een levende legende heeft gemaakt in de wereld van hedendaagse abstracte kunst.

Op de Afgeschuinde Rand

Gilliam, geboren in 1933, begon zijn professionele loopbaan in een tijd waarin de trends zich richtten op minimalisme, geometrische abstractie en Post Painterly Abstraction. Net als veel andere schilders van zijn generatie begon hij met het maken van precies dat soort werk. Zijn hard-edge geometrische abstracte werken uit het begin van de jaren zestig doen denken aan de werken van kunstenaars als Frank Stella, Max Bill of Carmen Herrera. Het jaar waarin alles veranderde voor Gilliam was 1967. Toen nam hij een geheel andere methode aan: hij goot acrylverf rechtstreeks op ongeprepareerd doek en vouwde het doek vervolgens op terwijl de verf nog nat was. Daarna liet hij het doek drogen zodat de gekreukte lijnen voor altijd in het materiaal werden opgenomen. Pas daarna spande hij het doek op spieraamlatten.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acryl op doek, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Met toestemming van de kunstenaar, het Metropolitan Museum of Art, New York, en David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De lijnen die door deze methode ontstaan, dienen als sporen van de hand van de kunstenaar en geven structuur en diepte aan het kunstwerk. Deze vernieuwing alleen al was baanbrekend. Maar Gilliam stopte daar niet. Vervolgens schuurde hij de randen van zijn spieraamlatten af, waardoor de zijkanten van het schilderij nieuwe aandacht kregen en even belangrijk werden als het oppervlak. De afgeschuinde randen zorgden ervoor dat de schilderijen leken tevoorschijn te komen uit de muur, in plaats van er alleen aan te hangen. Dit gaf de schilderijen een bijna beeldhouwkundige uitstraling. Hij noemde deze werken “Slice Paintings” (Gesneden Schilderijen). Het woord slice had meerdere betekenissen. De spieraamlatten werden doorgesneden, wat het afgeschuinde effect creëerde. Ook fungeerden de plooien in het doek als sneden in het beeld, waardoor onvoorspelbare kleurcombinaties en onverwachte structurele variaties ontstonden, die deden denken aan rivierbeddingen die in het aardoppervlak zijn uitgesleten.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acryl op doek, eiken balken. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Met toestemming van de kunstenaar, Kunstmuseum Basel en David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Nooit Twee Keer Hetzelfde

De volgende vernieuwing waarvoor Gilliam bekendstaat, vond plaats in 1968, toen hij zijn eerste “Drape Painting” maakte. Dit werk bevindt zich in een theoretische ruimte ergens tussen schilderkunst, beeldhouwkunst en installatie, omdat het spieraamlatten weglaat en zo de definitie van wat een schilderij kan zijn uitbreidt. Gilliam schilderde zijn “Drape Paintings” met dezelfde methode als bij zijn “Slice Paintings”, door acrylverf rechtstreeks op ongeprepareerd doek te gieten. Maar wanneer het schilderij klaar was, vouwde hij het doek niet op en spande het niet, maar hing het gewoon als een gordijn of kledingstuk direct aan de muur. Zijn “Drape Paintings” brachten het idee van een gevormd doek naar een nieuw niveau, doordat het werk elke keer dat het wordt getoond een geheel nieuwe vorm kan aannemen. Gilliam merkte met plezier op dat zijn “Drape Paintings” nooit twee keer op dezelfde manier worden getoond.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acryl op doek, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Met toestemming van de kunstenaar en het Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Sinds zijn grote doorbraken eind jaren zestig is Gilliam blijven experimenteren en zich blijven ontwikkelen als kunstenaar. Hij heeft zijn palet aan ondergronden uitgebreid, schilderde op papier en hout. Ook onderzocht hij de grenzen van collage en vond steeds meer manieren om materialen, middelen en technieken te combineren. Ondanks de schijnbare verschillen in al zijn verschillende werkseries is er één aspect dat alles wat Gilliam heeft gedaan definieert en zijn unieke bijdrage aan de hedendaagse kunst bepaalt: hoe hij ons heeft geholpen te begrijpen dat schilderkunst en beeldhouwkunst eigenlijk hetzelfde zijn. Mensen zeggen vaak dat een kunstenaar de grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst heeft vervaagd, misschien omdat hun schilderijen diepte hebben, of omdat ze aan het plafond hangen of op de vloer staan. Gilliam deed veel meer dan dat. Hij behandelt zijn oppervlakken echt zoals een beeldhouwer met metaal, marmer of klei zou omgaan. Hij bewijst dat het oppervlak van een schilderij de capaciteit bezit om emotie over te brengen, een verhaal te vertellen of formele onderwerpen te communiceren. Hij definieert het oppervlak als meer dan een drager—hij maakt het tot een medium op zich. De Muziek van Kleur: Sam Gilliam, 1967 – 1973 is te zien tot en met 30 september in Het Kunstmuseum Basel.

Afbeelding uitgelicht: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acryl op doek, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collectie, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Door Phillip Barcio