Sam Gilliam's Muziek van Kleur in Bazel
In aansluiting op de start van Art Basel 2018, heeft het Kunstmuseum Basel onlangs wat wordt genoemd de eerste Europese solo-expositie ooit van het werk van de Amerikaanse abstracte kunstenaar Sam Gilliam geopend. Getiteld The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, bevat de tentoonstelling in totaal 45 werken die zijn gecureerd uit particuliere en institutionele collecties uit de Verenigde Staten en Europa. Volgens veel kunstenaars die vandaag de dag werken, is Gilliam een van de belangrijkste Amerikaanse schilders, niet alleen omdat zijn werk mooi is, maar ook vanwege de bijdrage die het heeft geleverd aan de hedendaagse kunsttheorie. Zijn innovaties doorbraken vooroordelen op een cruciaal moment en daagden rechtstreeks enkele van de luidste stemmen van zijn generatie uit. Zijn ideeën waren zo belangrijk dat het eigenlijk moeilijk te geloven kan zijn dat Gilliam nog nooit eerder een solo-expositie in Europa heeft gehad. Toch, als je zijn carrière echt onderzoekt, komt het misschien niet als zo'n verrassing. Gilliam heeft altijd dingen op zijn eigen manier gedaan. Hoewel zijn werk heeft bijgedragen aan de veelzijdige kunstmarkt die we vandaag de dag kennen, heeft hij nooit voldaan aan de verwachtingen van die markt. In één woord, Gilliam is een rebel. Ondanks dat hij de Verenigde Staten twee keer heeft vertegenwoordigd op de Biënnale van Venetië— in 1972 en 2017—heeft hij pas recentelijk voor het eerst in zijn carrière bij een galerie getekend. In het verleden, zelfs toen hij in de schijnwerpers stond, verkocht hij zijn werk meestal zelf, vanuit zijn atelier. Niettemin omvatten zijn kopers tientallen van de meest prestigieuze musea ter wereld, waaronder de Tate Modern, het Guggenheim Museum in New York, het Metropolitan Museum of Art, MoMA en de National Gallery of Art in Washington, DC, die allemaal zijn werken bezitten. Zijn bereidheid om nooit te doen wat verwacht wordt, zou wel eens de reden kunnen zijn waarom Gilliam tot nu toe niet het onderwerp is geweest van een monografische Europese tentoonstelling. Maar het is ook wat heeft geleid tot zijn grootste doorbraken. Zijn unieke vertrouwen in zijn eigen visie maakt Gilliam de perfecte vertegenwoordiger van onafhankelijkheid in de kunstwereld, en het is wat hem een levende legende heeft gemaakt in de wereld van de hedendaagse abstracte kunst.
Op de Geleide Rand
Geboren in 1933, begon Gilliam zijn professionele carrière in een tijd waarin de trends neigden naar Minimalisme, Geometrische Abstractie en Post Painterly Abstraction. Net als veel andere schilders van zijn generatie begon hij met het schilderen van precies dat soort werk. Zijn hard-edge geometrische abstracte werken uit de vroege jaren 60 doen denken aan de werken van kunstenaars zoals Frank Stella, Max Bill of Carmen Herrera. Het jaar waarin alles veranderde voor Gilliam was 1967. Dat was het jaar waarin hij een totaal andere methode aannam door acrylverf rechtstreeks op ongeprimed canvas te gieten en het canvas vervolgens op te vouwen terwijl de verf nog nat was. Hij liet het canvas vervolgens drogen zodat de gekreukte lijnen voor altijd in het materiaal zouden worden opgenomen. Pas daarna rekende hij het canvas op de spieraam.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acryl op doek, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, met dank aan de kunstenaar, het Metropolitan Museum of Art, New York, en David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich
De resulterende lijnen van deze methode dienen als resten van de hand van de kunstenaar en voegen structuur en dimensionaliteit toe aan het kunstobject. Deze innovatie alleen al was baanbrekend. Toch stopte Gilliam daar niet. Hij beviel vervolgens de randen van zijn spieraam, wat nieuwe aandacht vestigde op de zijkanten van het schilderij, waardoor ze evenveel belang kregen als het oppervlak. De bevilde randen lieten de schilderijen lijken alsof ze naar buiten kwamen vanuit de muur, in plaats van simpelweg eraan te hangen. Dit gaf de schilderijen een bijna sculpturale aanwezigheid. Hij noemde deze werken "Slice Paintings." Het woord slice had meerdere betekenissen. De spieraam werd doorgesneden, wat het bevilde effect creëerde. Ook fungeerden de plooien in het canvas als sneden in het beeld, wat onvoorspelbare kleurcombinaties en onverwachte structurele variaties in het werk creëerde die deden denken aan rivierbeddingen die in het oppervlak van de aarde zijn uitgesleten.
Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acryl op doek, eiken balken. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, met dank aan de kunstenaar, Kunstmuseum Basel en David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich
Nooit twee keer hetzelfde
De volgende innovatie waarvoor Gilliam bekend staat, vond plaats in 1968, toen hij zijn eerste "Drape Painting" creëerde. Dit werkgebied bevindt zich in een theoretische ruimte ergens tussen schilderkunst, sculptuur en installatie, omdat het de spannerbalken elimineert, waardoor de definitie van wat een schilderij kan zijn, wordt uitgebreid. Gilliam schilderde zijn "Drape Paintings" met dezelfde methode die hij gebruikte voor zijn "Slice Paintings", door acrylverf rechtstreeks op onbewerkte canvas te gieten. Maar toen het schilderij af was, in plaats van het te kreuken en vervolgens te rekken, hing hij het canvas gewoon rechtstreeks aan de muur, als een gordijn of een kledingstuk. Zijn "Drape Paintings" brachten het idee van een gevormd canvas naar een nieuw niveau, waardoor het werk elke keer dat het wordt gepresenteerd een volledig nieuwe configuratie kan aannemen. Gilliam heeft met plezier opgemerkt dat zijn "Drape Paintings" nooit op dezelfde manier twee keer worden getoond.
Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acryl op doek, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, met dank aan de kunstenaar en het Hirshhorn Museum en Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich.
Sinds zijn grote doorbraken eind jaren zestig, heeft Gilliam geëxperimenteerd en zich ontwikkeld als kunstenaar. Hij heeft zijn scala aan oppervlakken uitgebreid, door te schilderen op papier en hout. Hij heeft ook de grenzen van collage onderzocht, en steeds meer manieren gevonden om materialen, media en technieken te mengen. Ondanks de schijnbare verschillen in al zijn verschillende werklichamen, is er echter één aspect van alles wat Gilliam heeft gedaan dat zijn unieke bijdrage aan de hedendaagse kunst definieert, en dat heeft te maken met hoe hij ons heeft geholpen te begrijpen dat schilderkunst en beeldhouwkunst eigenlijk hetzelfde zijn. Mensen zeggen vaak dat een kunstenaar de grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst heeft vervaagd, misschien omdat hun schilderijen dimensie hebben, of omdat ze aan het plafond hangen of op de vloer staan. Gilliam heeft veel meer bereikt dan dat. Hij behandelt zijn oppervlakken echt op dezelfde manier als een beeldhouwer met metaal, marmer of klei zou omgaan. Hij bewijst dat het oppervlak van een schilderij de capaciteit heeft om emotie over te brengen, een verhaal te vertellen of formele onderwerpen te communiceren. Hij definieert het oppervlak als meer dan een ondersteuning—hij maakt het een medium op zich. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 is te zien tot 30 september in The Kunstmuseum Basel.
Uitgelichte afbeelding: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acryl op doek, 304.8 x 2269 cm. Corcoran Collectie, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich
Door Phillip Barcio
