'Het Ontbloten van het Doek - Vaarwel aan Ron Gorchov'

Tijdens een interview in 2017 met de Zwitserse curator Hans Ulrich Obrist, gaf de Amerikaanse schilder Ron Gorchov (1930 - 2020) het volgende advies aan jonge kunstenaars: “Wees wanhopig en geduldig.” De schijnbaar tegenstrijdige uitspraak vatte perfect de houding samen waarmee Gorchov, die eerder deze maand overleed, zijn praktijk benaderde. Geboren in Chicago in 1930, verhuisde zijn familie meer dan een dozijn keer van stad naar stad tijdens de Grote Depressie terwijl zijn ondernemende vader naar werk zocht. De omstandigheden maakten hen misschien wanhopig naar geld, maar zijn vader leerde Gorchov om geld als iets apart van doel te zien. Zijn familie was blut, zegt Gorchov, maar nooit arm. Gorchov werkte als strandwacht toen hij in de jaren vijftig naar New York verhuisde, en later gaf hij kunstles: banen die hem de tijd gaven die hij nodig had om zijn kunst met de geduld te benaderen die het verdiende. Zijn leidende principe was dat kunstenaars altijd werk zouden moeten maken voor de volgende eeuw, niet voor de eeuw waarin ze leven. Zijn idee om de schilderkunst naar de 21e eeuw te brengen was om het, in precies de juiste hoeveelheden, te combineren met beeldhouwkunst en architectuur. “Voor mij,” zei Gorchov, “is de essentie van beeldhouwkunst massa. In architectuur voel je volume. En schilderkunst benadrukt het oppervlak.” De “zadelvormige” schilderijen waarvoor hij beroemd werd, waren zijn oplossing voor het probleem. Al in 1949 had Gorchov het idee dat de schilderkunst te veel gehecht was aan het idee van het rechthoek, een hechting die werd versneld door Piet Mondrian, die Gorchov redeneerde had de vorm uitgeput. Gorchov overwoog verschillende opties om de vlakheid van een typisch rechthoekig doek te veranderen, zoals het plaatsen van een tennisbal erachter om een bult te creëren. Het duurde 19 jaar voordat hij de “zadelrekken” ontwikkelde die hij gebruikte om zijn nu iconische convexe, gebogen schilderoppervlakken te creëren. Zijn eerste zadelvormige schilderij, dat hij in 1968 maakte, heet “Mine”—een dubbelzinnig begrip dat verwijst naar het feit dat hij het werk als uniek van hem zag, en het ook als een potentiële goudmijn vol onontdekte creatieve mogelijkheden.

Abstract of Concreet

De meeste kijkers beschouwen het werk dat Gorchov heeft gedaan als abstract. Zijn dealer John Cheim, Principal en Directeur van Tentoonstellingen bij de Cheim & Read-galerij—die een uitstekende reputatie heeft voor het werken met reuzen van de abstractie zoals Joan Mitchell, Milton Resnick en Louis Fishman—beweert echter dat Gorchov niet als volledig abstract moet worden gezien. "De vormen hebben een sterke relatie met het werk van Giorgio Morandi. Gorchov is geen puur abstracte schilder, net zoals Morandi geen puur figuratieve is," zegt Cheim. Galeriedirecteur Stephen Truax voegt toe: "Ron gebruikte dingen die hij in het echte leven zag en tegenkwam als inspiratie voor de vormen die hij in zijn abstracties gebruikte."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olie op linnen, 85 x 75 x 13 inch, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle afbeeldingen van kunstwerken met dank aan de kunstenaar en Cheim & Read, New York.

Een aanwijzing voor de emotionele inhoud in zijn schilderijen is te vinden in de titels die Gorchov eraan gaf, die vaak verwijzen naar klassieke mythen of verhalen uit theologische teksten zoals de Bijbel. Gorchov begon echter niet met de bedoeling om een bepaalde figuur of scène uit een mythe te schilderen. In plaats daarvan schilderde hij op een intuïtieve, onderbewuste manier, vaak de rechterkant van het doek met zijn rechterhand en de linkerkant met zijn linkerhand. Hij dacht pas achteraf na over de inhoud. "Wanneer ik een schilderij maak en ik kijk ernaar," legde Gorchov eens uit, "moet ik mezelf afvragen, hoe voelde ik me toen ik dat deed? Omdat ik betrokken was bij het maken ervan, weet ik niet hoe ik me voelde. Dus bestudeer ik het schilderij om erachter te komen... en ik probeer een verhaal te vinden dat aanvoelt zoals ik me voelde." Deze wisselwerking tussen dingen die in het leven worden gezien, de onderbewuste handeling van het schilderen en de latere analyses van gevoelens lijkt mij zowel abstract als concreet te zijn. Het doet me denken aan hoe Jean Arp sprak over de ware betekenis van Dada: als de onvoorspelbaarheid, betekenisloosheid en perfecte logica van de natuur die door kunst wordt uitgedrukt.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olie op linnen. 49 x 65 x 10 1/2 inch / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle afbeeldingen van kunstwerken met dank aan de kunstenaar en Cheim & Read, New York.

De Revolutionaire Hervormer

Voor mij is er iets diep Amerikaans aan het oeuvre dat Gorchov heeft gecreëerd. Amerika is zowel een concreet ding als een abstract concept, dat voortdurend verscheurd wordt tussen revolutie en hervorming. Toen hij zijn zadel-stretchers ontwikkelde, was Gorchov een revolutionaire kunstenaar, iemand die vastbesloten was om de eeuwenoude centrale opvatting van schilderkunst te ondermijnen: dat het gedaan moest worden op rechthoekige, vlakke oppervlakken. Zelfs terwijl hij zijn eerste gebogen doek ontwikkelde, werd de notie van vlakheid opnieuw geprezen door toonaangevende kunstcritici zoals Clement Greenberg als het doel van Post Painterly Abstraction, de nieuwste trend in schilderkunst volgens Greenberg. Toch, na het gedurfde ondermijnen van de structurele systemen van rechthoeken en vlakheid, heeft Gorchov zich volledig toegewijd aan zijn nieuwe systeem en dit herhaald voor de rest van zijn carrière, waarbij hij de oude normaal verving door de nieuwe normaal. Wat kan er Amerikaansser zijn dan revolutionaire impulsen op te geven voor de drang naar eindeloze hervorming, werkend binnen nieuw gevestigde systemen om eindeloos intrigerende variaties te creëren?

PORTRET MET OOST JAMB Ron Gorchov in zijn Brooklyn Studio. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov OOST JAMB 1971 Olie op linnen 77 x 77 x 12 1/2 inch 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Eerlijk gezegd, zodra je één Gorchov-schilderij ziet, zijn alle toekomstige Gorchov-schilderijen die je tegenkomt onmiddellijk herkenbaar als het zijne. Maar dit is geen belediging. Het is dezelfde kritiek die men aan de natuur zou kunnen geven, die ook binnen zijn eigen speciale systemen werkt om oneindige en prachtige variaties te creëren. In feite, in de context van zijn relatie met de manieren van de natuur, voel ik dat Gorchov het beste thuishoort in de lijn van Hans Arp—een andere biomorfe kunstenaar, die deels Dadaïst, deels Surrealist en deels abstractist was, maar die altijd naar zijn kunst verwees als concreet. Gorchov creëerde een oeuvre dat zowel cerebraal als speels is—volledig idiosyncratisch en toch onmiddellijk herkenbaar—en dus, net als Arp, geloof ik dat Gorchov in zijn eigen speciale categorie valt.
Ik ben onder de indruk van hoe Gorchov erin slaagde zijn oorspronkelijke leidende principe te bereiken, en ons door zijn voorbeeld herinnert aan hoe belangrijk zowel denken als voelen zijn voor kunstenaars die relevant willen zijn, niet alleen in hun eeuw, maar ook in de volgende.

Uitgelichte afbeelding: PORTRET DOOR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Gedeeltelijk weergegeven met toestemming.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio