'Het Ontbloten van het Doek - Vaarwel aan Ron Gorchov'

Tijdens een interview in 2017 met de Zwitserse curator Hans Ulrich Obrist gaf de Amerikaanse schilder Ron Gorchov (1930 - 2020) het volgende advies aan jonge kunstenaars: “Wees wanhopig en geduldig.” De schijnbaar tegenstrijdige uitspraak vat perfect de houding samen waarmee Gorchov, die eerder deze maand overleed, zijn werk benaderde. Geboren in Chicago in 1930, verhuisde zijn familie tijdens de Grote Depressie meer dan een dozijn keer van stad naar stad terwijl zijn ondernemende vader werk zocht. De omstandigheden maakten hen misschien wanhopig om geld, maar zijn vader leerde Gorchov geld te zien als iets los van het doel. Zijn familie was blut, zegt Gorchov, maar nooit arm. Gorchov werkte als badmeester toen hij in de jaren 50 voor het eerst naar New York verhuisde, en gaf later les in kunst: banen die hem de tijd gaven die hij nodig had om zijn kunst met het geduld te benaderen dat het verdiende. Zijn leidende principe was dat kunstenaars altijd werk moesten maken voor de volgende eeuw, niet voor de eeuw waarin ze leefden. Zijn idee om de schilderkunst vooruit te brengen in de 21e eeuw was om die, in precies de juiste hoeveelheden, te combineren met beeldhouwkunst en bouwkunst. “Voor mij,” zei Gorchov, “is de essentie van beeldhouwkunst massa. In de bouwkunst voel je volume. En schilderkunst legt de nadruk op het oppervlak.” De “zadelvormige” schilderijen waarvoor hij beroemd werd, waren zijn oplossing voor het probleem. Al in 1949 had Gorchov het idee dat de schilderwereld te gehecht was geraakt aan het idee van de rechthoek, een gehechtheid die werd versneld door Piet Mondriaan, die volgens Gorchov de vorm had uitgeput. Gorchov overwoog verschillende opties om de vlakheid van een typisch rechthoekig doek te veranderen, zoals het plaatsen van een tennisbal erachter om een bobbel te creëren. Het kostte hem 19 jaar om de “zadelsponningen” te ontwikkelen die hij gebruikte om zijn nu iconische bolle, gebogen schilderoppervlakken te maken. Zijn eerste zadelvormige schilderij, dat hij in 1968 maakte, heet “Mine” — een dubbele betekenis verwijzend naar het feit dat hij het werk als uniek van hem zag, en ook als een potentiële goudmijn vol onontdekte creatieve mogelijkheden.

Abstract of Concreet

De meeste kijkers beschouwen het werk dat Gorchov maakte als abstract. Zijn handelaar John Cheim, hoofd en directeur van tentoonstellingen bij de galerie Cheim & Read — die een vooraanstaande reputatie heeft voor het werken met grootheden van de abstractie zoals Joan Mitchell, Milton Resnick en Louis Fishman — stelt echter dat Gorchov niet als volledig abstract moet worden gezien. “De vormen hebben een sterke relatie met het werk van Giorgio Morandi. Gorchov is niet puur abstracter dan Morandi puur figuratief is,” zegt Cheim. Galerie-directeur Stephen Truax voegt toe: “Ron gebruikte dingen die hij zag en tegenkwam in het echte leven als inspiratie voor de vormen die hij in zijn abstracties gebruikte.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olie op linnen, 85 x 75 x 13 inch, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle afbeeldingen van kunstwerken met dank aan de kunstenaar en Cheim & Read, New York.

Een aanwijzing voor de emotionele inhoud in zijn schilderijen is te vinden in de titels die Gorchov ze gaf, die vaak verwijzen naar klassieke mythen of verhalen uit theologische teksten zoals de Bijbel. Gorchov begon echter niet met het proberen te schilderen van een bepaald figuur of tafereel uit een mythe. Hij schilderde eerder op een intuïtieve, onderbewuste manier, waarbij hij vaak de rechterkant van het doek met zijn rechterhand en de linkerkant met zijn linkerhand schilderde. Hij dacht pas achteraf na over de inhoud. “Als ik een schilderij maak en ernaar kijk,” legde Gorchov ooit uit, “moet ik mezelf afvragen hoe ik me voelde toen ik dat deed? Omdat ik betrokken was bij het maken, weet ik niet hoe ik me voelde. Dus bestudeer ik het schilderij om het uit te zoeken… en probeer ik een verhaal te vinden dat voelt als hoe ik me voelde.” Deze wisselwerking tussen dingen die in het leven worden gezien, de onderbewuste handeling van het schilderen, en de latere analyse van gevoelens lijkt mij zowel abstract als concreet. Het doet me denken aan hoe Jean Arp sprak over de ware betekenis van Dada: als de onvoorspelbaarheid, zinloosheid en perfecte logica van de natuur uitgedrukt door kunst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olie op linnen. 49 x 65 x 10 1/2 inch / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle afbeeldingen van kunstwerken met dank aan de kunstenaar en Cheim & Read, New York.

De Revolutionaire Hervormer

Voor mij is er iets diep Amerikaans aan het oeuvre dat Gorchov schiep. Amerika is zowel een concreet iets als een abstract begrip, dat voortdurend verscheurd wordt tussen revolutie en hervorming. Toen hij zijn zadelsponningen ontwikkelde, was Gorchov een revolutionaire kunstenaar, iemand die vastbesloten was het eeuwenoude centrale uitgangspunt van de schilderkunst te ondermijnen: dat het op rechthoekige, vlakke oppervlakken moest worden gedaan. Zelfs terwijl hij zijn eerste gebogen doek ontwikkelde, werd het idee van vlakheid opnieuw geprezen door vooraanstaande kunstcritici zoals Clement Greenberg als het doel van Post Painterly Abstraction, de nieuwste schildertrends volgens Greenberg. Toch wijdde Gorchov zich, nadat hij de structurele systemen van rechthoeken en vlakheid gedurfd had ondermijnd, volledig aan zijn nieuwe systeem en herhaalde het gedurende de rest van zijn carrière, waarbij hij de oude norm verving door de nieuwe norm. Wat kan er meer Amerikaans zijn dan revolutionaire impulsen op te geven voor de drang naar eindeloze hervorming, werkend binnen nieuw vastgestelde systemen om eindeloos boeiende variaties te creëren?

PORTRET MET OOSTELIJKE STIJL Ron Gorchov in zijn atelier in Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov OOSTELIJKE STIJL 1971 Olie op linnen 77 x 77 x 12 1/2 inch 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Inderdaad, zodra je één Gorchov-schilderij ziet, zijn alle toekomstige Gorchov-schilderijen die je tegenkomt meteen herkenbaar als van hem. Maar dit is geen belediging. Het is dezelfde kritiek die je op de natuur zou kunnen geven, die ook binnen haar eigen speciale systemen werkt om oneindige en prachtige variaties te creëren. In feite, in de context van zijn relatie met de manieren van de natuur, vind ik dat Gorchov het beste thuishoort in de lijn van Hans Arp — een andere biomorfe kunstenaar, die deels dadaïst, deels surrealist en deels abstract was, maar die zijn kunst altijd concreet noemde. Gorchov creëerde een oeuvre dat zowel verstandelijk als speels is — volkomen eigenzinnig en toch meteen herkenbaar — en net als Arp geloof ik dat dit Gorchov in zijn eigen speciale categorie plaatst.
Ik ben onder de indruk van hoe Gorchov erin slaagde zijn oorspronkelijke leidende principe te bereiken, en ons door zijn voorbeeld herinnert aan hoe belangrijk zowel denken als voelen zijn voor kunstenaars die relevant willen zijn, niet alleen in hun eigen eeuw, maar ook in de volgende.

Uitgelichte afbeelding: PORTRET DOOR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Met toestemming gereproduceerd.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio