Het Belang van Adolph Gottliebs Burst-serie
Adolph Gottlieb zei ooit: “De rol van de kunstenaar is natuurlijk altijd die van beeldmaker geweest. Verschillende tijden vragen om verschillende beelden.” Gottlieb maakte meerdere duidelijk verschillende tijden mee en veranderde driemaal zijn werkwijze aanzienlijk om te reageren op de evolutie van de cultuur. Zijn oeuvre bereikte zijn hoogtepunt met zijn Burst-schilderijen, een serie die hij in 1957 begon en bleef uitbreiden tot zijn dood in 1974. De beeldtaal van de Bursts is eenvoudig en direct—het doek is verdeeld in twee zones: boven en onder. De bovenste zone wordt bewoond door een of meer cirkelvormige vormen in een beperkt kleurenpalet; de onderste zone wordt bewoond door een woelige, gebarenrijke uitbarsting van kakofonische, wervelende energie, meestal in zwart geschilderd. Voor Gottlieb betekenden de Burst-schilderijen de ultieme uitdrukking van zijn grote idee: dat er tegelijkertijd bestaande tegenstellingen in het universum zijn, zoals duisternis en licht. De gangbare wijsheid beschrijft zulke krachten vaak alsof ze dichotoom zijn—alsof licht fundamenteel het tegenovergestelde is van duisternis. Gottlieb begreep dat licht en duisternis punten op een spectrum zijn, en uit dezelfde materie bestaan, verspreid in verschillende mate. Hij beschouwde tegenstellingen als zo gelijkend dat de ene de andere kan worden met slechts een lichte duw van de machten die er zijn, en de twee zones in zijn Burst-schilderijen werken op een vergelijkbare manier. De cirkelvormen lijken het onder controle te hebben, zelfverzekerd zwevend boven wat een strijd lijkt. Maar beiden zijn onderdeel van hetzelfde beeld, en geen van beiden is in een vaste toestand van zijn. Wat boven is kan naar beneden komen, en wat chaotisch lijkt, kan onder de juiste omstandigheden samenkomen en één worden.
De Belangrijkste Bursts
Voorbeelden van Burst-schilderijen sieren enkele van de meest gewaardeerde kunstcollecties ter wereld. De enorme “Blast I” (1957), met een afmeting van 228,7 x 114,4 cm, hangt in het MoMA in New York. Hierop zweeft een gigantische rode bol stoïcijns boven een even dreigende wirwar van zwarte, gebarenrijke streken. Dit iconische beeld gaf het startsein voor de serie, en een poëtisch geladen herbezinning op zijn iconografie verscheen opnieuw in 1973, slechts een jaar voor Gottlieb stierf. In “Burst” (1973), een van de laatste schilderijen die de kunstenaar maakte voor zijn dood, is de rode bol verzacht en begonnen uit elkaar te vallen, waarbij roze zonnestralen de ether in worden gestuurd. Ondertussen is de chaotische wirwar van gebarenrijke streken uiteengevallen in een soort familie van vormen, die onder de horizonlijn zinken en schijnbaar ranken en zaden de ruimte in uitstoten.
Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olie op doek. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fonds. © Adolph and Esther Gottlieb Foundation/Gelicentieerd door VAGA, New York, NY. MoMA Collectie.
Een ander beroemd Burst-schilderij is “Blues” (1962), nu in de collectie van het Smithsonian American Art Museum. Het blauwe en zwarte palet is somber en sereen, de duisternis leest als een zonsverduistering, of een gesolariseerd nabeeld. “Trinity” (1962), een andere monumentale Burst, hangt in de vaste collectie van het Crystal Bridges Museum of American Art. Dit doek van 203,2 x 469,9 cm strekt het gezichtsveld horizontaal uit. Drie stevige bollen—één blauw, één rood en één zwart—zweven in de ruimte boven een elegante verzameling kalligrafische penseelstreken. De streken lijken een grijze schaduw te werpen terwijl een zachte gele bol zweeft in het midden tussen de bovenste en onderste zones. De variatie die “Blues” en “Trinity” laten zien, toont de enorme verscheidenheid die Gottlieb onderzocht in zijn relatief eenvoudige thema, waardoor elk werk in de Burst-serie een eigenzinnige betekenis krijgt die uniek is.
Adolph Gottlieb-Icon, 1964. Olie op doek. 144 x 100". ©Adolph and Esther Gottlieb Foundation.
Voorbereiden op de Uitbarsting
Hoewel hij in de jaren 1920 begon met schilderen, begon de reis die Gottlieb maakte om te komen tot het eenvoudige genie van zijn Burst-schilderijen in de jaren 1930. Toen nam hij de surrealistische omarming van het onderbewuste ter harte. Hij kwam tot het besef dat de meest essentiële esthetische uitdrukkingen tijdloos zijn omdat ze betrekking hebben op fundamentele existentiële werkelijkheden zoals macht, angst, geboorte en dood: de stof van mythen. Zijn onderzoek naar deze denklijn leidde hem tot het ontwikkelen van zijn eerste grote serie schilderijen, die hij Pictogrammen noemde. Gebaseerd op een symbolische, intuïtieve taal van abstracte vormen, waren zijn Pictogrammen gestructureerd binnen rasters—een poging om gecompartimenteerde uitdrukkingen van de werkelijkheid over te brengen. Hoewel vaak als abstract beschouwd, beschreef Gottlieb zijn Pictogrammen als realistisch omdat ze de ware, angstige, mysterieuze menselijke toestand uitdrukten. Hij schilderde ze tot 1951, toen hij besloot dat de tijd om iets nieuws vroeg. Op zoek naar een vereenvoudigde methode liet hij het raster los en verdeelde het doek in twee—een boven- en een onderkant met een horizonlijn ertussen. Hij noemde deze nieuwe serie Imaginaire Landschappen, omdat ze het innerlijke landschap van het bestaan uitdrukten, inclusief emotionele, intellectuele, intuïtieve en onderbewuste toestanden van zijn.
Adolph Gottlieb - Man kijkt naar vrouw, 1949. Olie op doek. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Geschenk van de kunstenaar. © Adolph and Esther Gottlieb Foundation/Gelicentieerd door VAGA, New York, NY. MoMA Collectie.
De Burst-serie ontwikkelde zich uit de Imaginaire Landschappen en vertegenwoordigt de destillatie van hetzelfde idee. Gottlieb vereenvoudigde wat er gebeurde in de bovenste en onderste delen van de Imaginaire Landschappen en stopte met het gebruik van een daadwerkelijke horizonlijn om het doek in twee delen te verdelen. Maar de Burst-schilderijen vertegenwoordigen ook een soort toevoeging—de toevoeging van ruimte. In de eenvoudigste bewoordingen realiseerde Gottlieb zich dat wanneer de horizonlijn werd weggenomen, het enige wat tussen de bovenste en onderste vormen op het doek stond ruimte was, en hoe groter het doek, hoe meer uitgespreid en episch de vormen waren, en hoe meer ruimte er leek te zijn. Maar hij dacht niet alleen aan ruimte in termen van afstand die gemeten kan worden. Het had meer te maken met de totaliteit van de visuele en emotionele wereld van het schilderij. De vormen bewonen dezelfde ruimte, maar bezetten toch onderscheidende gebieden binnen die ruimte. Hun kleurruimte is verschillend; hun formele ruimte is verschillend; hun lineaire ruimte is uniek; en hun intellectuele ruimte is uniek. Uiteindelijk is dit het begrip van ruimte dat essentieel was voor hoe Gottlieb zijn Burst-schilderijen zag, omdat hij het begreep als een verhoogde uitdrukking van de totaliteit van het bestaan, en de mythe van zijn schijnbaar individuele delen.
Afbeelding in de spotlight: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olie op doek. 80 x 185". ©Adolph and Esther Gottlieb Foundation.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio
