Het Belang van Adolph Gottliebs Burst-serie

Adolph Gottlieb zei ooit: “De rol van de kunstenaar is natuurlijk altijd die van beeldmaker geweest. Verschillende tijden vereisen verschillende beelden.” Gottlieb heeft meerdere duidelijk verschillende tijden meegemaakt en heeft zijn methode drie keer significant veranderd om te reageren op de evolutie van de cultuur. Zijn oeuvre bereikte zijn hoogtepunt met zijn Burst-schilderijen, een serie die hij in 1957 begon en die hij bleef uitbreiden tot aan zijn dood in 1974. De visuele taal van de Bursts is eenvoudig en direct: het doek is verdeeld in twee zones: boven en onder. De bovenste zone wordt bewoond door een of meer cirkelvormige vormen in een beperkte reeks kleuren; de onderste zone wordt bewoond door een frenetic, gestuele uitbarsting van cacophonische, draaiende energie, normaal gesproken geschilderd in zwart. Voor Gottlieb betekenden de Burst-schilderijen de ultieme uitdrukking van zijn grote idee: dat er tegelijkertijd bestaande polariteiten in het universum zijn, zoals duisternis en licht. Conventionele wijsheid beschrijft dergelijke krachten vaak alsof ze dichotoom zijn—alsof licht fundamenteel het tegenovergestelde is van duisternis. Gottlieb begreep dat licht en duisternis punten op een spectrum zijn, en gemaakt zijn van hetzelfde spul dat in verschillende mate is verspreid. Hij beschouwde polariteiten als zo vergelijkbaar dat de een de ander kan worden met slechts de kleinste duw van de machten die er zijn, en de twee zones in zijn Burst-schilderijen functioneren op een vergelijkbare manier. De cirkelvormige vormen lijken het samen te hebben, zelfverzekerd zwevend boven wat lijkt op een strijd. Maar beide maken deel uit van hetzelfde beeld, en geen van beiden verkeert in een vaste staat van zijn. Wat omhoog is kan omlaag komen, en wat chaotisch lijkt, kan onder de juiste omstandigheden samenkomen en één worden.

De grote uitbarstingen

Voorbeelden van Burst-schilderijen sieren enkele van de meest vereerde kunstcollecties ter wereld. De enorme "Blast I" (1957), met een afmeting van 228,7 x 114,4 cm, hangt in MoMA in New York. Hierboven zweeft een gigantische rode bol stoïcijns boven een even dreigende verzameling van zwarte, gesturalen markeringen. Dit iconische beeld gaf het startschot voor de serie, en een poëtisch geladen herinterpretatie van de iconografie verscheen opnieuw in 1973, slechts een jaar voordat Gottlieb stierf. In "Burst" (1973), een van de laatste schilderijen die de kunstenaar maakte voordat hij stierf, is de rode bol verzacht en begint deze uit elkaar te vallen, waarbij roze zonnestralen de ether in worden gestuurd. Ondertussen is de chaotische verzameling van gesturalen markeringen uiteengevallen in een soort familie van vormen, die onder de horizonlijn zinkt en schijnbaar tentakels en zaden de ruimte in uitzendt.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olie op doek. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fonds. © Adolph en Esther Gottlieb Stichting/Gelicentieerd door VAGA, New York, NY. MoMA Collectie.

Onder andere beroemde Burst-schilderijen is "Blues" (1962), nu in de collectie van het Smithsonian American Art Museum. Het blauwe en zwarte palet is somber en sereen, de duisternis leest als een eclips, of een gesolariseerde naschaduw. "Trinity" (1962), een ander monumentaal Burst, hangt in de permanente collectie van het Crystal Bridges Museum of American Art. Dit 203,2 x 469,9 cm grote doek breidt het visuele veld horizontaal uit. Drie solide bollen—één blauw, één rood en één zwart—zweven in de ruimte boven een elegante verzameling van kalligrafische penseelstreken. De streken lijken een grijze schaduw te werpen terwijl een zachte gele bol in het middengebied tussen de boven- en onderzones zweeft. De variatie die wordt geïllustreerd door "Blues" en "Trinity" toont de enorme variatie die Gottlieb verkende in zijn relatief eenvoudige thema, waardoor elk werk in de Burst-serie een idiosyncratische betekenis krijgt die geheel eigen is.

Adolph Gottlieb-Icon, 1964. Olie op canvas. 144 x 100". ©Adolph en Esther Gottlieb Foundation.

Voorbereiden op barsten

Hoewel hij in de jaren 1920 begon met schilderen, begon de reis die Gottlieb maakte om aan te komen bij de eenvoudige genialiteit van zijn Burst-schilderijen in de jaren 1930. Dat is wanneer hij de surrealistische omarming van het onderbewuste ter harte nam. Hij kwam tot de realisatie dat de meest essentiële esthetische uitdrukkingen tijdloos zijn omdat ze betrekking hebben op fundamentele existentiële realiteiten zoals macht, angst, geboorte en dood: de stof van mythen. Zijn onderzoek naar deze denkrichting leidde hem ertoe zijn eerste grote serie schilderijen te ontwikkelen, die hij Pictogrammen noemde. Gebaseerd op een symbolische, intuïtieve taal van abstracte vormen, waren zijn Pictogrammen gestructureerd binnen rasters—een poging om compartmentaliseerde uitdrukkingen van de realiteit over te brengen. Hoewel vaak als abstract beschouwd, beschreef Gottlieb zijn Pictogrammen als realistisch, aangezien ze de ware, angstige, mysterieuze menselijke conditie verwoordden. Hij schilderde ze tot 1951, toen hij besloot dat de tijden om iets nieuws vroegen. Op zoek naar een vereenvoudigde methode, verliet hij het raster en verdeelde het doek in twee—een boven- en een onderkant met een horizonlijn ertussen. Hij noemde deze nieuwe serie Imaginaire Landschappen, omdat ze het innerlijke landschap van het bestaan overbrachten, inclusief emotionele, intellectuele, intuïtieve en onderbewuste toestanden van zijn.

Adolph Gottlieb - Man die naar Vrouw kijkt, 1949. Olieverf op doek. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Gift van de kunstenaar. © Adolph en Esther Gottlieb Foundation/Gelicentieerd door VAGA, New York, NY. MoMA Collectie.

De Burst-serie is voortgekomen uit de Imaginary Landscapes en vertegenwoordigt de destillatie van hetzelfde idee. Gottlieb vereenvoudigde wat er gebeurde in de bovenste en onderste delen van de Imaginary Landscapes en stopte met het vertrouwen op een echte horizonlijn om het canvas in twee delen te verdelen. Maar de Burst-schilderijen vertegenwoordigen ook een soort toevoeging - de toevoeging van ruimte. In de eenvoudigste termen besefte Gottlieb dat wanneer de horizonlijn werd weggenomen, het enige dat tussen de bovenste en onderste vormen op het canvas stond, ruimte was, en hoe groter het canvas, hoe epischer de vormen verspreid waren, en hoe meer ruimte er leek te zijn. Maar hij dacht niet alleen over ruimte in termen van afstand die gemeten kan worden. Het had meer te maken met de totaliteit van de visuele en emotionele wereld van het schilderij. De vormen bewonen dezelfde ruimte, en toch bezetten ze onderscheidende territoria binnen de ruimte. Hun kleurenspace is onderscheidend; hun formele ruimte is onderscheidend; hun lineaire ruimte is uniek; en hun intellectuele ruimte is uniek. Uiteindelijk is dit het idee van ruimte dat van vitaal belang was voor hoe Gottlieb zijn Burst-schilderijen waarnam, omdat hij het begreep als een verhoogde uitdrukking van de totaliteit van het bestaan, en de mythe van de schijnbaar individuele delen.

Uitgelichte afbeelding: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olieverf op doek. 80 x 185". ©Adolph en Esther Gottlieb Foundation.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio