De Monumentale Kunst van Louise Nevelson

Dit jaar markeert de 30ste verjaardag van de dood van Louise Nevelson, een kunstenaar die een diepgaande invloed heeft gehad op de kunst van de 20e eeuw en wiens nalatenschap vandaag de dag nog steeds weerklinkt. Nevelson is het meest bekend om haar monochrome houtassemblages. Hun unieke esthetische stem is deels geworteld in de kunstgeschiedenis en deels in de visuele en materiële taal van New York City—haar aangenomen thuis. Haar compositiestrategieën putten uit het kubisme, dat ze vergeleek met een religie, en uit de formele abstracte theorieën van Hans Hofmann, die vele jaren haar leraar was. De materiële aanwezigheid van haar assemblages verheft de afgedankte aspecten van het stadsleven. Alsof ze een soort omgekeerde ecdysis op gang bracht, verzamelde Nevelson gebroken stukken meubels en bouwafval van de stadsstoepen en transformeerde ze deze in monumentale kunstwerken. De metamorfose van profane rommel in heilige kunst is onmiskenbaar in werken zoals "Sky Cathedral" (1958), het stuk dat Nevelson voor het eerst kritische aandacht bracht. Het is nog diepgaander in de kamergrote installatie "Dawn’s Wedding Feast" (1959); een wandstuk omringd door op de vloer geplaatste en hangende kolommen en twee iconische bruid en bruidegom totems, dit stuk vestigde Nevelson niet alleen als een van de leidende kunstenaars van haar generatie, maar hielp ook het veld van installatiekunst te pionieren. Wat bijzonder ontroerend is aan haar werken, is dat Nevelson ze op de een of andere manier een gevoel van intimiteit heeft gegeven, ondanks hun monumentale schaal. Ze zorgde ervoor dat elk individueel element zijn essentiële kwaliteiten kon uitdrukken binnen de structuur van het geheel. In het proces creëerde ze werken die objectief kunnen worden genoten, of die kijkers uitnodigen naar binnen voor een meer persoonlijke ervaring. Ter viering van het leven en oeuvre van deze genialiteit, hier zijn mijn negen favoriete citaten van Louise Nevelson—elk waardevol voor de manier waarop het haar werk verheldert en de innerlijke werking van haar geest onthult.

1. “Als je een lijst om je heen hebt die niet bij het plaatje past, dan breek je de lijst.”

Geboren in 1899 in Pereiaslav-Khmelnytskyi in het moderne Oekraïne, emigreerde Leah Berliawsky in 1905 naar de Verenigde Staten om religieuze vervolging te ontvluchten. Ze volgde als kind met veel enthousiasme de kunst, ondanks de ontmoediging van haar ouders. Na haar huwelijk met Charles Nevelson in 1920 en de geboorte van een zoon twee jaar later, realiseerde ze zich dat ze nog steeds in dezelfde situatie verkeerde als als kind, behalve dat het nu haar man en zijn familie waren die haar vertelden haar kunst op te geven om een meer aandachtige moeder en vrouw te zijn. Toen ze zich realiseerde dat ze in het verkeerde kader zat, verliet Nevelson in 1931 haar man en zoon en verhuisde ze om te studeren bij Hans Hofmann.

2. “De kubus focust het en geeft het zijn ware structuur.”

Nevelson structureerde al haar assemblages rond de basis geometrische vorm van de kubussen. Hoeveel stukken hout ze ook in de assemblage samenstelde, en hoe onsamenhangend de stukken er anders ook uit konden zien wanneer ze samengevoegd waren, de kubussen hielden altijd de compositie samen, zowel visueel als fysiek.

3. “Zwart omvat alle kleuren. Het is geen ontkenning.”

De meeste werken die Nevelson maakte zijn zwarte monochromen. Veel critici begrepen haar gebruik van deze kleur verkeerd en suggereerden dat ze probeerde de verleden levens van haar materialen uit te roeien. In plaats daarvan volhield ze dat zwart een inclusieve kleur was die elk afzonderlijk element van het werk in staat stelde zijn fundamentele essentie te behouden, terwijl het ook werd opgenomen in de geest van het geheel. Ze zei ook dat de kleur zwart haar werken "aristocratisch" deed lijken.

Louise Nevelson - Ongeveer 1976. Geschilderde zwarte houten constructie. 94 × 36 × 16 3/4 in; 238.8 × 91.4 × 42.5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Erfenis van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. "Het is veel directer om het op de manier te doen zoals ik het doe. Het is onmiddellijk, het is waar, en het is daar."

Na jaren te hebben doorgebracht met het tekenen en schilderen van beelden van gebroken dingen, realiseerde Nevelson zich dat het gebruik van afval zelf een materiële waarheid aan haar werk zou toevoegen, naast het verlenen van de emotionele restanten van eerdere associaties met wat de materialen ooit waren.

5. "Het is het werk en ik, het is niet het publiek en ik. Het publiek is een reflectie."

Nevelson begon in de jaren '70 grote openbare sculpturen te maken met materialen zoals plastic en Cor-Ten staal. Critici stelden vragen bij de betekenis van het werk, dat een heel andere uitstraling en gevoel had dan haar houten assemblages. Ze ontkende hun kritiek en beweerde haar autonome recht als kunstenaar om te maken wat voor soort werk ze maar wilde.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Gepatineerd hout. 12 × 9 × 7 in; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Erfenis van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. “De enige realiteit die ik erken is mijn eigen realiteit.”

Nevelson stond tegenover controlerende ouders, een controlerende echtgenoot, seksistische critici, minachtende curatoren en onwetende kijkers. Ze negeerde sociale organisaties zoals "The Club" en koos in plaats daarvan voor het leven van een buitenstaander in de kunstwereld. Ondanks iedereen die aan haar twijfelde en haar ontmoedigde, had ze succes. Deze quote legt uit waarom.

7. “Het geeft ons een plek om door de drie dimensies te bewegen, naar de vierde en verder. Het is echt een plek waar je door materie in de geest gaat.”

Nevelson beschreef zichzelf niet als een schilder of een beeldhouwer, maar als een architect die bouwt met schaduw en licht. Haar liefde voor Cubisme inspireerde haar om altijd werk te maken dat beweging beloont - een uitdrukking van de vierde dimensie. Ze was geïnteresseerd in het creëren van omgevingen waar zowel lichaam als geest in konden reizen.

Louise Nevelson - Ongecategoriseerd, 1985. Hout zwart geschilderd. 44 × 22 × 17 1/5 in; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Erfenis van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. “Wanneer je aan het creëren bent, is er een extra energie die alles overstijgt.”

Nevelson was een berucht private en gedisciplineerde kunstenaar. Ze geloofde dat de opwinding die andere dingen dan creatief werk boden, verbleekte in vergelijking met de adrenalinekick die ze in haar studio kreeg. Toen haar nu beroemde installatie "Dawn’s Wedding Feast" in première ging tijdens de tentoonstelling "Sixteen Americans" in MoMA, zei ze dat het deels haar huwelijk met haar werk symboliseerde.

9. "Het gaat er niet om hoe ik leef, het gaat erom hoe ik mijn leven beëindig."

Toen Nevelson jong was, ontmoedigde haar familie haar om kunstenaar te worden door te zeggen dat het haar geen comfortabel leven zou bieden. Zelfs toen wist ze dat ze pas in vrede zou kunnen zijn als ze stierf, als ze trouw bleef aan zichzelf.

Uitgelichte afbeelding: Louise Nevelson - Maquette voor Night Wall VI, 1977-1979. Gelast staal, zwart geschilderd. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 in; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Erfenis van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio