De Monumentale Kunst van Louise Nevelson

Dit jaar is het 30 jaar geleden dat Louise Nevelson overleed, een kunstenaar die de kunst van de 20e eeuw diepgaand heeft beïnvloed en wiens nalatenschap nog steeds weerklinkt. Nevelson is vooral bekend om haar monochrome houtassemblages. Hun unieke esthetische stem is deels geworteld in de kunstgeschiedenis en deels in de visuele en materiële taal van New York City—haar gekozen thuis. Haar compositiestrategieën putten uit het kubisme, dat ze vergeleek met een religie, en uit de formele abstracte theorieën van Hans Hofmann, die jarenlang haar leraar was. De materiële aanwezigheid van haar assemblages verheft de weggegooide aspecten van het stadsleven. Alsof ze een soort omgekeerde vervelling in gang zette, verzamelde Nevelson gebroken meubelstukken en bouwafval van de stoepen van de stad en transformeerde ze tot monumentale kunstwerken. De metamorfose van profaan afval tot heilige kunst is onmiskenbaar in werken als “Sky Cathedral” (1958), het stuk dat Nevelson voor het eerst kritische aandacht bracht. Het is nog diepgaander in de kamergrote installatie “Dawn’s Wedding Feast” (1959); een wandstuk omringd door op de vloer geplaatste en hangende zuilen en twee iconische bruid- en bruidegomtotems. Dit werk vestigde Nevelson niet alleen als een van de toonaangevende kunstenaars van haar generatie, maar hielp ook het veld van installatiekunst te pionieren. Wat haar werken bijzonder ontroerend maakt, is dat Nevelson ze op de een of andere manier een gevoel van intimiteit gaf ondanks hun monumentale schaal. Ze zorgde ervoor dat elk afzonderlijk element zijn essentiële kwaliteiten kon uitdrukken binnen de structuur van het geheel. Zo creëerde ze werken die objectief genoten kunnen worden, of die kijkers uitnodigen tot een meer persoonlijke ervaring. Ter viering van het leven en oeuvre van dit genie, hier mijn negen favoriete citaten van Louise Nevelson—elk kostbaar vanwege de manier waarop het haar werk verduidelijkt en de innerlijke werking van haar geest onthult.

1. “Als je een lijst om je heen hebt die niet bij het schilderij past, dan breek je de lijst.”

Geboren in 1899 in Pereiaslav-Khmelnytskyi in het huidige Oekraïne, emigreerde Leah Berliawsky in 1905 naar de Verenigde Staten om religieuze vervolging te ontvluchten. Ze beoefende als kind enthousiast kunst ondanks ontmoediging van haar ouders. Na haar huwelijk met Charles Nevelson in 1920 en de geboorte van een zoon twee jaar later, realiseerde ze zich dat ze nog steeds in dezelfde situatie zat als toen ze kind was, behalve dat het nu haar man en zijn familie waren die haar opdroegen haar kunst op te geven om een meer toegewijde moeder en echtgenote te zijn. Toen ze besefte dat ze in de verkeerde lijst zat, verliet Nevelson in 1931 haar man en zoon en vertrok om te studeren bij Hans Hofmann.

2. “De kubus richt het en geeft het zijn ware structuur.”

Nevelson bouwde al haar assemblages rond de basale geometrische vorm van de kubus. Hoeveel stukken hout ze ook samenvoegde in de assemblage, en hoe onsamenhangend de stukken er ook uitzagen wanneer ze werden samengevoegd, de kubussen hielden de compositie altijd bij elkaar, zowel visueel als fysiek.

3. “Zwart omvat alle kleuren. Het is geen ontkenning.”

De meeste werken die Nevelson maakte zijn zwarte monochromen. Veel critici begrepen haar gebruik van deze kleur verkeerd en suggereerden dat ze probeerde de vroegere levens van haar materialen uit te wissen. In plaats daarvan stelde ze dat zwart een inclusieve kleur was die elk afzonderlijk element van het werk toestond zijn fundamentele essentie te behouden terwijl het ook opgenomen werd in de geest van het geheel. Ze zei ook dat de kleur zwart haar werken “aristocratisch” deed lijken.

Louise Nevelson - Zonder titel, ca. 1976. Zwart geschilderde houtconstructie. 94 × 36 × 16 3/4 inch; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Nalatenschap van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. “Het is veel directer om het te doen zoals ik het doe. Het is onmiddellijk, het is waar, en het is er.”

Na jaren te hebben getekend en geschilderd wat kapot was, realiseerde Nevelson zich dat het gebruik van afvalmateriaal zelf een materiële waarheid aan haar werk zou toevoegen, naast het toekennen van de emotionele restanten van vroegere associaties met wat de materialen ooit waren.

5. “Het is het werk en ik, het is niet het publiek en ik. Het publiek is een spiegelbeeld.”

Nevelson begon in de jaren zeventig met het maken van grootschalige openbare beelden met materialen als plastic en Cor-Ten staal. Critici vroegen zich af wat de betekenis van het werk was, dat er heel anders uitzag en aanvoelde dan haar houten assemblages. Ze wees hun kritiek van de hand en stelde haar autonome recht als kunstenaar om welk soort werk ze ook wilde te maken.

Louise Nevelson - Donker Cryptisch, 1975. Gepatineerd hout. 12 × 9 × 7 inch; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Nalatenschap van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. “De enige werkelijkheid die ik erken is mijn eigen werkelijkheid.”

Nevelson trotseerde controlerende ouders, een controlerende echtgenoot, seksistische critici, neerbuigende conservatoren en onwetende kijkers. Ze negeerde sociale organisaties zoals “The Club” en koos in plaats daarvan voor het leven van een buitenstaander in de kunstwereld. Ondanks iedereen die aan haar twijfelde en haar ontmoedigde, slaagde ze. Dit citaat verklaart waarom.

7. “Het geeft ons een plaats om door de drie dimensies te bewegen, naar de vierde en verder. Het is echt een plaats waar je door materie naar geest gaat.”

Nevelson beschreef zichzelf niet als schilder noch als beeldhouwer, maar als een bouwmeester die met schaduw en licht bouwt. Haar liefde voor kubisme inspireerde haar altijd werk te maken dat beweging beloont—een uitdrukking van de vierde dimensie. Ze was geïnteresseerd in het maken van omgevingen waar zowel lichaam als geest doorheen kunnen reizen.

Louise Nevelson - Zonder titel, 1985. Zwart geschilderd hout. 44 × 22 × 17 1/5 inch; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Nalatenschap van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. “Als je schept, is er een toegevoegde energie die alles overstijgt.”

Nevelson was een berucht teruggetrokken en gedisciplineerde kunstenaar. Ze geloofde dat de opwinding die andere dingen boden verbleekte bij de stroom die ze in haar atelier ervoer. Toen haar nu beroemde installatie “Dawn’s Wedding Feast” in de tentoonstelling “Sixteen Americans” in het MoMA in première ging, zei ze dat het deels haar huwelijk met haar werk symboliseerde.

9. “Het is niet hoe ik leef, het is hoe ik mijn leven beëindig.”

Toen Nevelson jong was, ontmoedigde haar familie haar om kunstenaar te worden door te zeggen dat het haar geen comfortabel leven zou bieden. Zelfs toen wist ze dat ze alleen vrede zou kunnen vinden bij haar dood als ze trouw bleef aan zichzelf.

Afbeelding: Louise Nevelson - Maquette voor Night Wall VI, 1977-1979. Gelast staal zwart geschilderd. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 inch; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Nalatenschap van Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio