Het Belang van Kleur in de Kunst van Hans Hofmann

Het zou moeilijk zijn om een invloedrijkere schilder uit de 20e eeuw te noemen dan Hans Hofmann. De biografieën van honderden belangrijke kunstenaars, docenten en vernieuwers zouden niet compleet zijn zonder Hofmann te vermelden als een belangrijke inspiratie. Hij was een medewerker van Picasso en Braque in Parijs in de vroege dagen van het Kubisme. Hij kende Mondrian in de vroege dagen van De Stijl. Hij was goede vrienden met de Delaunays en hielp hen de theorieën te ontwikkelen die leidden tot Orfisme. En dat is nog maar het begin. Als instructeur in Europa en Amerika heeft Hofmann de denkwijze van meerdere generaties kunstenaars gevormd. Zonder zijn bijdrage is het onwaarschijnlijk dat Abstract Expressionisme, Color Field schilderkunst of Lyrische Abstractie zouden zijn opgebloeid. Om nog maar te zwijgen van de vele andere modernistische kunststromingen die voortkwamen uit de studio's van zijn legers van studenten, en de studenten van die studenten. Wat was het dat Hoffman aan zijn tijdgenoten meegaf dat hem zo'n inspiratie maakte? Als zowel kunstenaar als docent was het belangrijkste beginsel waaraan hij zich wijdde de invloed van de natuur op kunst. En de manier waarop hij geloofde dat de natuur zijn volste uitdrukking vond in schilderkunst was door middel van kleur.

Hans Hofmann de Wetenschapper

Het is niet ongebruikelijk om een kunstenaar te vinden die ook bedreven is in de wetenschap. Net als wetenschappers geloven echte kunstenaars dat meer kennis beter is dan minder kennis. En zowel wetenschap als kunst zijn nauw verbonden met de natuurlijke wereld. Door de wetten van de natuur beter te begrijpen vanuit een wetenschappelijk perspectief, kunnen kunstenaars hun creatieve kant vollediger uitdrukken. Voordat hij kunstenaar werd, was Hans Hofmann als kind bedreven in wiskunde en wetenschap. Geboren in 1880 in Beieren, was een van zijn eerste banen op 16-jarige leeftijd bij de overheid, waar hij werkte voor het Ministerie van Binnenlandse Zaken. Daar verwierf hij een reputatie als innovator en ontving hij zelfs verschillende patenten, waaronder een voor een rekenapparaat genaamd een elektromagnetische comptometer.

Maar op 19-jarige leeftijd voelde hij zich geïnspireerd om kunst te gaan volgen, en had hij zijn eigen appartement in München en studeerde hij schilderkunst onder de begeleiding van Moritz Heymann, een Duitse impressionistische schilder. Tussen 1899 en 2004 verhuisde hij naar meer dan een dozijn verschillende adressen in München en studeerde hij kunst bij verschillende leraren. Tijdens deze periode had hij ook het geluk om twee mensen te ontmoeten die zijn leven voor altijd ten goede veranderden. De ene was Maria Wolfegg, die hij Miz noemde, en die uiteindelijk zijn vrouw zou worden. De andere was Philipp Freudenberg, een rijke warenhuiseigenaar. Freudenberg was onder de indruk van de vaardigheid die Hofmann als kunstenaar toonde en werd zijn mecenas, waardoor hij en Miz de middelen kregen om tien jaar in Parijs te wonen, van ongeveer 1904 tot 1914.

Hans Hofmann - Landschap, 1942, olie op paneel

De Parijse jaren

In Parijs bloeide Hofmann op tot een modernist. Hij hing rond in het Café du Dôme met belangrijke leden van de Europese avant-garde, waaronder Gertrude Stein, Pablo Picasso en Robert en Sonia Delaunay. Hij was omringd door innovatieve denkers en ondergedompeld in een sfeer van experimentatie en optimisme. Zijn absorptie van inzichten van zijn tijdgenoten bevorderde zijn denken snel. Hij schilderde continu en exposeerde vaak, en was onverzadigbaar in zijn intellectuele nieuwsgierigheid.

Tijdens deze periode groeide Hofmann ook in zijn waardering voor reizen en natuur. Tijdens de zomer op het Mediterraanse eiland Corsica werd hij diep beïnvloed door de verschillende waarden van kleur en licht. Maar in 1914 kwam hier een einde aan toen zijn artistieke ontwikkeling onverwacht werd vertraagd. Tijdens een bezoek aan Duitsland raakten Hofmann en Miz gevangen toen de Duitse regering oorlog verklaarde aan het buurland Rusland. Ze zouden niet in staat zijn om naar Parijs terug te keren, zelfs niet om de vele kunstwerken die Hofmann daar had achtergelaten te recupereren. Maar Hofmann werd in ieder geval gespaard van militaire dienst vanwege een verwonding. Dus in plaats van gedwongen te worden om te dienen in het Duitse leger tijdens de Eerste Wereldoorlog, opende Hans Hofmann in 1915 zijn eerste kunstschool in München.

Hans Hofmann - Rossignol, 1963, olie op doek

Een moderne leraar

Hofmann wierp zich volledig op zijn dubbele carrière als kunstenaar en docent. Na de oorlog bracht hij met enthousiasme zijn studenten de waarde van reizen en het belang van het ervaren van verschillende natuurlijke landschappen bij. Om dit te doen, installeerde hij wat een levenslange traditie voor hem zou worden, het houden van zomercursussen buiten de stad. En de zomercursus was slechts een van zijn innovatieve benaderingen van het lesgeven. Hij verwierp ook etiketten voor kunst en ontmoedigde zijn studenten om zich te verliezen in academische discussies over hun werk. Hij vertelde hen: “Schilderen moet door middel van verf spreken — niet door woorden.”

Hij ontdekte tijdens deze jaren de noodzakelijke verschillen tussen de denkwijzen van kunstenaars en docenten om ervoor te zorgen dat beiden succesvol konden zijn. Als kunstenaar was zijn doel altijd om vanuit intuïtie te schilderen, spiritueel verbonden te blijven met de natuur en te vermijden het resultaat te plannen om de geest van ontdekking in zijn werk levend te houden. Maar als docent leerde hij dat hij precies moest zijn in zijn aanwijzingen. De balans die hij vond tussen het begeleiden van zijn studenten en hen trouw laten blijven aan zichzelf weerspiegelde de balans in zijn schilderijen. Het was een reflectie van wie hij was. Zijn bedachtzaamheid en openheid waren zo ongebruikelijk en zo vooruitstrevend, dat zijn reputatie als Modernistische kunstdocent gedurende de jaren 1920 studenten aantrok die van over de hele wereld naar hem reisden om bij hem te trainen.

Hans Hofmann - Aironautique, 1949, Gemengde techniek op papier

Amerikaan worden

Een internationale student die in de jaren 1920 met Hofmann in Duitsland studeerde, de Amerikaanse kunstenaar Worth Ryder, ging werken op de kunstafdeling van de Universiteit van Californië, Berkeley. Op uitnodiging van Ryder kwam Hofmann naar Berkeley en gaf hij een zomersessie in 1930. Zo begon een reeks excursies naar Amerika voor Hofmann, die een tentoonstelling van zijn schilderijen in San Francisco in 1931 en een zomersessie in Los Angeles in 1932 omvatte. En ook in 1932 gaf hij een cursus van zes weken in New York, bij de Art Students League.

De Amerikaanse ervaring heeft Hofmann zo verheven dat hij besloot te blijven. Hij opende zijn eigen school in Manhattan en evolueerde in de komende decennia tot het seculiere equivalent van een goeroe in de Amerikaanse kunstscene. Zijn studenten omvatten leiders van hun generatie, zoals Lee Krasner. Zijn vrienden omvatten kunstwereldgiganten zoals Frank Stella, die ooit een artikel over Hofmann schreef met de titel De Kunstenaar van de Eeuw. En zijn fans omvatten prominente culturele geesten, zoals Peggy Guggenheim en Clement Greenberg, die lezingen van Hofmann bijwoonden en zijn inspanningen als zowel kunstenaar als leraar steunden.

Hans Hofmann - Fall Euphony, 1959, olie op doek

Wat Hofmann leerde

Wat de lessen die Hofmann deelde krachtig maakte, was dat ze eenvoudig en direct waren. Hun diepgang lag in hun vermogen om te inspireren zonder te controleren. Een kleine greep uit de begeleiding die hij zijn studenten bood, omvat: “…er zijn grotere dingen dan het object. Het grootste is de menselijke geest;” “Omdat het onuitputtelijk is, zijn leven en natuur een constante stimulans voor een creatieve geest;” “De hele wereld, zoals we die visueel ervaren, komt tot ons via het mystieke rijk van kleur;” en, “In de natuur creëert licht de kleur. In het beeld creëert kleur het licht.”

Hofmann geloofde dat magie mogelijk was in kunst, maar dat het eerst afhankelijk was van de aanwezigheid van magie tijdens de creatie. Hij leerde zijn studenten die magie te zoeken in het licht en de kleur van de natuurlijke wereld. Het maakte hem niet uit of zijn studenten representatief of abstract in hun benadering waren, noch respecteerde hij de geldigheid van dergelijke labels. Hij was trots dat zijn generatie verder was gegaan met het respecteren van de puurheid van esthetische elementen zoals kleur, helderheid, compositie en balans, om hun eigen verdiensten. "Het maakt geen verschil of een werk naturalistisch of abstract is," zei hij. "Elke visuele expressie volgt dezelfde fundamentele wetten."

Hans Hofmann - Ongetiteld, 1943, inkt op papier

Een levende invloed

Een veelheid aan kunstenaars citeert vandaag de dag Hofmann als een belangrijke invloed op hun gebruik van kleur. De ooit studio-assistent van Hofmann, de in Duitsland geboren Amerikaanse kunstenaar Wolf Kahn, heeft zijn hele carrière gewijd aan het verkennen van de straling van kleur en licht zoals gezien in de natuur. En hoewel haar schilderijen er heel anders uitzien dan die van Kahn, citeert de hedendaagse abstract expressionistische schilder Francine Tint ook Hofmann als een van de belangrijkste invloeden op haar gebruik van kleur. Zoek simpelweg de zin "beïnvloed door Hans Hofmann" op Google, en je zult meer dan 20.000 andere voorbeelden vinden die wachten om bekeken te worden.

In zijn schrijven sprak Hofmann eloquent op namens kunstenaars, leraren en het algemene menselijke vermogen om kunst te waarderen, door te zeggen, “De grote meerderheid van de mensen heeft de middelen om plastische schoonheid te benaderen als onderdeel van hun natuurlijke uitrusting. De leraar kan deze natuurlijke gave ontwikkelen zoals de Noodzaak, de grootste leraar, de spraak heeft ontwikkeld.” Als leraar communiceerde hij dit principe door kunstenaars te helpen verbindingen met de natuur te creëren. Als schilder demonstreerde hij het door zijn onophoudelijke verkenning van de harmonie van kleur. Het belangrijkste is dat hij, als lid van de menselijke gemeenschap, ons hielp begrijpen waarom het ertoe doet.

Hans Hofmann - Miller Hill, 1941