De Psychologie Achter Vorm en Structuur

Waarom spreekt abstracte kunst aan? Vaak beschouwd als een visuele taal van vorm, kleur en figuur, is er iets heel bijzonders aan de aantrekkingskracht van een abstract kunstwerk. Er bestaan verschillende theorieën die proberen de psychologie achter het genot van de toeschouwer en de schepping van de kunstenaar bij abstracte kunst te verklaren. De effecten van trauma bij kunstenaars zijn vaak te zien in een opvallende verschuiving naar abstractie: beroemd is dat Willem de Kooning bleef schilderen nadat hij de ziekte van Alzheimer ontwikkelde, waarna zijn stijl steeds abstracter werd. Het voorbeeld van de Kooning, en vele anderen zoals hij, toont aan dat kunst inzicht kan geven in de veranderingen in de menselijke hersenen die expressie en waarneming veranderen. In het volgende verslag behandelen we enkele psychologische theorieën die verbonden zijn aan abstracte kunst.

Neuroaesthetiek: Wetenschappelijke objectiviteit introduceren in de studie van kunst

In de jaren negentig richtte de visieneurowetenschapper Semir Zeki van University College London de discipline op die bekend staat als neuroaesthetiek, die vanuit neurologisch oogpunt het relatieve succes van verschillende artistieke technieken onderzoekt. Verschillende wetenschappelijke studies die de reden achter de aantrekkingskracht van abstract werk onderzochten, concludeerden dat het bestuderen van dit genre kunst zeer actieve neurale activiteit stimuleert, omdat de toeschouwer moeite doet om herkenbare vormen te identificeren, waardoor het werk ‘krachtig’ wordt ervaren. Het werk als een puzzel ziend, is de hersenen tevreden wanneer het erin slaagt deze problematiek ‘op te lossen’ (Pepperell, Ishai).

Een bijzondere studie, geleid door Angelina Hawley-Dolan van Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volume 22, pagina 435), onderzocht of abstracte kunst, gemaakt door professionele kunstenaars, net zo aangenaam zou zijn voor het oog als een groep willekeurige lijnen en kleuren gemaakt door kinderen of dieren. Hawley-Dolan vroeg vrijwilligers om naar één schilderij van een beroemde abstracte kunstenaar te kijken en één van een amateur, kind, chimpansee of olifant, zonder vooraf te weten welke welke was. De vrijwilligers gaven over het algemeen de voorkeur aan het werk van de professionele kunstenaars, zelfs wanneer het label aangaf dat het door een chimpansee was gemaakt. De studie concludeerde daarom dat we bij het bekijken van een werk in staat zijn – hoewel we niet kunnen zeggen waarom – de visie van de kunstenaar aan te voelen. Hawley-Dolans studie volgde op bevindingen dat de wazige beelden van impressionistische kunst de amygdala van de hersenen stimuleren, die een centrale rol speelt in gevoelens en emoties. Abstracte kunst, die vaak probeert elk interpreteerbaar element te verwijderen, valt echter niet in deze categorie.

Geïnspireerd door deze studie onderzoekt Kat Austen in New Scientist (14 juli 2012) de aantrekkingskracht van abstracte kunst, geïnspireerd door het effect van het bekijken van een werk van Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, dat volgens haar de eerste keer was dat een abstract kunstwerk haar emoties raakte. Austen stelt de hypothese dat abstracte kunstwerken die ogenschijnlijk geen herkenbaar object voor de hersenen bevatten – namelijk Rothko, Pollock en Mondrian – effect kunnen hebben door goed uitgebalanceerde composities, omdat ze het visuele systeem van de hersenen aanspreken of ‘kapen’.

In een studie van Oshin Vartanian aan de Universiteit van Canada, waarbij de onderzoeker vrijwilligers vroeg een reeks originele schilderijen te vergelijken met een waarin de compositie was veranderd, ontdekte Vartanian dat we een sterkere reactie hebben op patroon en compositie. Bijna alle vrijwilligers gaven de voorkeur aan het originele werk, zelfs bij zo verschillende stijlen als een stilleven van van Gogh en Bleu I van Miró. De bevindingen suggereerden dat de kijker zich van nature bewust is van de ruimtelijke bedoeling achter de specifieke composities van de schilderijen.

Terugkomend op Austen, bespreekt zij ook de bevindingen van Alex Forsythe, een psycholoog aan de Universiteit van Liverpool, die een verband heeft gelegd tussen de vormen die in abstracte kunst worden gebruikt en het vermogen van de hersenen om complexe scènes te verwerken, met verwijzing naar het werk van Manet en Pollock. Met behulp van een compressie-algoritme om de visuele complexiteit van kunstwerken te meten en complexe beelden op te slaan, concludeerde Forsythe dat sommige kunstenaars gebruik kunnen maken van deze complexiteit om te appelleren aan de behoefte van de hersenen aan detail. Forsythe onderzocht ook de aantrekkingskracht van fractale patronen op de hersenen en de aantrekkingskracht van abstracte kunst. Deze herhalende patronen, afkomstig uit de natuur, kunnen het menselijke visuele systeem aanspreken dat zich buiten ontwikkelde, en Forsythe redeneert dat abstracte kunstenaars kleur kunnen gebruiken om “een negatieve ervaring te verzachten die we normaal zouden hebben bij het tegenkomen van te veel fractale inhoud”. Austen wijst erop dat neuroaesthetiek nog in een pril stadium is en dat het misschien te vroeg is om algemene uitspraken te doen. Toch geven de vele theorieën die via dit studiegebied zijn behandeld ons meer inzicht in de visuele aantrekkingskracht van abstracte kunst. Niet in de laatste plaats hebben sommige wetenschappers geredeneerd dat de hersenen aangetrokken kunnen zijn tot werk van kunstenaars zoals Pollock, omdat we visuele beweging – zoals een handgeschreven brief – verwerken alsof we de creatie herbeleven. Dit zou een verklaring kunnen zijn voor de waargenomen dynamiek van werken van Pollock, wiens energieke productie door de kijker wordt herbeleefd.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Houtskool en water op papier. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Over het Geestelijke in de Kunst

Laten we nu teruggaan naar ongeveer een eeuw geleden, naar een van de leiders van het Duitse expressionisme, bekend om zijn rol als synesthetische kunstenaar: Kandinsky speelde een centrale rol in vroege 20e-eeuwse theorieën over de psychologie achter abstracte kunst. Zijn boek ‘Over het Geestelijke in de Kunst’, gepubliceerd in 1911, werd bekend als het grondleggende werk van de abstracte schilderkunst en onderzocht in detail de emotionele eigenschappen van vorm, lijn en kleur. Kandinsky’s synesthesie manifesteerde zich in zijn abnormale gevoeligheid voor kleur en zijn vermogen niet alleen te zien, maar ook te horen. Daarom redeneerde hij dat een schilderij intellectuele analyse moest vermijden en in plaats daarvan de delen van de hersenen moest bereiken die verbonden zijn met de verwerking van muziek. Kandinsky geloofde dat kleur en vorm de twee basismiddelen waren waarmee een kunstenaar spirituele harmonie in compositie kon bereiken en hij verdeelde zo de schepping en waarneming van kunst in twee categorieën: interne en externe noodzaak. Met verwijzing naar Cézanne stelde Kandinsky dat de kunstenaar de juxtapositie van lineaire en kleurvormige elementen creëerde om harmonie te scheppen, een principe van contrast dat Kandinsky als “het belangrijkste principe in de kunst te allen tijde” beschouwde. We kunnen een van Kandinsky’s principes, zoals besproken in dit academische werk, toepassen op de artistieke praktijk van Jackson Pollock, waarbij hij doeken op de vloer legde en verf van grote hoogte liet druppelen. Voor Kandinsky mocht de kunstenaar zich niet aan de regels van de kunst houden en moest hij vrij zijn zichzelf uit te drukken op welke manier dan ook: een essentieel element voor interne noodzaak. Volgens Edward Lavine wordt schilderen voor Pollock “een ervaring waarin het werk eigen eisen stelt die onafhankelijk bestaan van de persoonlijkheid van de schilder. Deze eisen lijken vaak te vereisen dat persoonlijke keuze wordt opgegeven ten gunste van de innerlijke noodzaak van het werk.” (Mythische ondertonen in het werk van Jackson Pollock) Tot op zekere hoogte staat deze theorie haaks op die van Forsythe en anderen, omdat ze impliceert dat de kunstenaar beperkte keuzevrijheid heeft bij het maken van het werk. Desalniettemin toont het de kracht van het proces van het creëren van abstracte kunst aan.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olie op papier. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Het basisidee achter het principe van peak-shift is dat dieren sterker kunnen reageren op een overdreven prikkel dan op een normale. Het concept, oorspronkelijk geformuleerd door etholoog Nikolaas Tinbergen, werd toegepast door V.S. Ramachandran en William Hirstein in het artikel uit 1999 The Science of Art, die het meeuwenexperiment gebruikten – waarbij kuikens net zo snel pikken naar een rood stipje op de snavel van de moeder als naar een stok met drie rode strepen aan het uiteinde – om aan te tonen dat kuikens reageren op een ‘superprikkel’, hier vertegenwoordigd door de hoeveelheid rode contour. Voor de twee mannen zou deze stok met het rode uiteinde vergelijkbaar zijn met bijvoorbeeld een meesterwerk van Picasso in relatie tot de mate van reactie die de toeschouwer vertoont.

Ramachandran stelde dat abstracte kunstenaars deze theorie manipuleren om de meest positieve resultaten te bereiken, door de essentie van wat ze willen uitbeelden te identificeren, te overdrijven en alles wat overbodig is weg te laten. Volgens Ramachandran is onze reactie op abstracte kunst een peak-shift van een basisreactie op een oorspronkelijke prikkel, ook al kan de toeschouwer zich niet herinneren wat die oorspronkelijke prikkel was.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olie op doek. 60 x 54 in.

Hersenbeschadiging en Abstractie

Terugkomend op de Kooning, studies hebben aangetoond dat de hersenen niet één enkel kunstcentrum hebben, maar beide hersenhelften gebruiken om kunst te maken, iets wat invloed kan hebben op het artistieke vermogen of op de aard van de artistieke productie na hersenbeschadiging of neurodegeneratieve ziekte. Volgens Anjan Chatterjee voor The Scientist kan schade aan de rechterkant van de hersenen leiden tot problemen met ruimtelijke verwerking, wat vaak resulteert in het aannemen van een expressieve stijl die niet dezelfde mate van realisme vereist. Evenzo kan hersenbeschadiging aan de linkerkant kunstenaars inspireren om levendigere kleuren te gebruiken in hun werk en de inhoud van hun beelden te veranderen. De stijl van de Californische kunstenaar Katherine Sherwood werd door critici als ‘ruwer’ en ‘intuïtiever’ beschouwd na een hemorragische beroerte in de linkerhersenhelft. Hersenbeschadiging beperkt zich niet tot de productie van kunst, het kan ook de waardering van kunst veranderen, zegt Chatterjee. Meer specifiek kan schade aan de rechter frontale kwab het oordeel over abstractie, realisme en symboliek aantasten, en schade aan de rechter pariëtale kwab kan het oordeel over levendigheid en symboliek beïnvloeden.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 in

Status boven Productie

Er is veel bewijs dat suggereert dat we positiever reageren op kunst op basis van hoe we het ervaren. Wanneer mensen een abstract kunstwerk te zien krijgen, beoordelen ze het als aantrekkelijker wanneer ze te horen krijgen dat het uit een museum komt dan wanneer ze denken dat het door een computer is gemaakt, zelfs als de afbeeldingen identiek zijn. Dit werkt op verschillende psychologische niveaus, waarbij het deel van de hersenen dat episodisch geheugen verwerkt – het idee van een museumbezoek – wordt gestimuleerd, en de orbitofrontale cortex, die positiever reageert op het element van status of authenticiteit van een werk dan op de werkelijke zintuiglijke inhoud, wat suggereert dat kennis, en niet het visuele beeld, een sleutelrol speelt in onze aantrekkingskracht tot abstracte kunst. Evenzo kan het zijn dat we meer plezier beleven aan het herinneren van informatie over kunst en cultuur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acryl op doek. 70 x 100 cm. 

Abstracte Kunst Spreekt Kunstenaars Aan

Verdere studies hebben aangetoond waarom abstracte kunst mogelijk sterker aanspreekt bij specifieke groepen mensen, namelijk kunstenaars. Door de elektrische ritmes in de hersenen van niet-kunstenaars en kunstenaars te registreren, toonde een studie aan dat de artistieke achtergrond van de proefpersoon de verwerking van abstracte kunst sterk beïnvloedt, waarbij kunstenaars gerichte aandacht en actieve betrokkenheid bij de informatie vertoonden. Een theorie suggereert dat dit kan komen doordat de hersenen geheugen gebruiken om andere werken op te roepen als een manier om de visuele prikkel te begrijpen. Het is dit gevoel van herinnering en een gelaagd proces van zoeken naar herkenning dat abstracte kunst veel van haar blijvende aantrekkingskracht lijkt te geven. Van Kandinsky’s verkennende werk uit 1911, tot het concept van peak-shift, en tot de hedendaagse studie van neuroaesthetiek, is de psychologie van abstracte kunst een uitgestrekt en voortdurend veranderend studiegebied dat de blijvende interesse bevestigt in het ontcijferen, verklaren en genieten van abstracte kunst. 

Uitgelichte afbeelding: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 in