De Sleutel Amerikaanse Schilderkunst: De Tentoonstelling van de Jaren Tachtig, Herzien
In 2018 verklaarde ik Who RU2 Day: Mass Media and the Fine Art Print, in het Cleveland Museum of Art, de belangrijkste tentoonstelling in Amerika. Vandaag geloof ik opnieuw dat de belangrijkste Amerikaanse tentoonstelling in een museum in Ohio is—deze met de titel American Painting: The Eighties Revisited, in het Cincinnati Art Museum. De Cleveland-tentoonstelling was belangrijk omdat het de visuele geletterdheid uitdaagde op een moment dat de beeldverzadiging zijn hoogste punt ooit bereikte, en het menselijke vermogen om beelden om te zetten in zinnige gedachten en acties zijn laagste punt ooit bereikte. De huidige tentoonstelling in Cincinnati is om soortgelijke redenen belangrijk. Het daagt de wijdverspreide acceptatie door hedendaagse publieken van narratieve, inhoudsrijke kunst rechtstreeks uit, en stelt in plaats daarvan de blijvende waarde van abstractie voor. Zoals de titel al suggereert, is het een recreatie van een tentoonstelling die meer dan 40 jaar geleden opende. De originele tentoonstelling debuteerde in de Grey Gallery aan de New York University in 1979, en toonde 41 werken van 41 kunstenaars die bijna allemaal onbekend waren op dat moment. De curator was de gerenommeerde criticus en educator Barbara Rose, die helaas eind december 2020 overleed aan borstkanker, net voordat deze eerbetoon aan haar vooruitziendheid opende. Die originele tentoonstelling werd door critici afgekraakt. Ondanks de kritische verontwaardiging, uitten veel sympathisanten hun steun, waaronder een aantal curatoren en museumdirecteuren die enthousiast de controversiële tentoonstelling in meer dan een dozijn steden over de wereld bezochten. De belangrijkste steun kwam van Ronnie en John Shore, een echtpaar uit Cincinnati dat toen een decennium bezig was met wat een 53-jarige hobby van kunstverzameling zou worden. Gezien het belang dat een tentoonstelling van zo'n historische betekenis intact bleef, en gelovend dat het essentieel was dat kunstenaars aanmoediging vonden in materiële steun, kochten de Shores de hele tentoonstelling. Een gift van die aankoop aan het Cincinnati Art Museum maakte de huidige recreatie van de originele tentoonstelling mogelijk.
De controverse
Voor sommige lezers lijkt het absurd dat het ooit controversieel was om een geloof in de waarde van abstracte kunst te uiten. Voor veel anderen klinkt het echter als dezelfde tegenstand die abstracte kunstenaars vandaag de dag blijven ervaren. Traditionalisten willen altijd dat hun kunst verhalen vertelt en gemakkelijk herkenbare scènes van de zogenaamde echte wereld toont. Vooral onder elite-sponsors van de kunsten is altijd geloofd dat het doel van kunst is om een ideaal te tonen van wat de menselijke cultuur zou moeten waarderen en imiteren. Abstracte kunstenaars zijn het daar niet per se mee oneens. Ze zijn echter zeker het oneens met de beperkingen van het uitdrukken van idealen door middel van nabootsing. Abstractie is een pad naar iets universaals; iets onzichtbaars; iets onuitsprekelijk met bestaande lexicons. Dat is een moeilijk pad voor veel mensen. De economie beloont daarom vaak kunstenaars die eenvoudige, rechttoe rechtaan lessen aan de massa bieden over wat ze zouden moeten liefhebben en haten.
Nancy Graves (1939–1995), Verenigde Staten, Strobia, 1978, olie en encaustiek op canvas, Gift van Ronnie en John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Gelicentieerd door VAGA bij Artists Rights Society (ARS), NY
Afgezien van de algemene complexiteit van abstractie, was de andere centrale klacht die critici uitten over de originele American Painting: The Eighties dat de kunstenaars in de tentoonstelling nieuw waren op de scene. Ze vroegen zich af hoe een curator kon beweren dat deze onbekende schilders geschikte vertegenwoordigers van de hele natie op dat moment waren? In het geval van verschillende kunstenaars—zoals Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein en Ron Gorchov—zijn ze inderdaad zeer succesvol geworden. Toch kan niet elke kunstenaar in de tentoonstelling hetzelfde zeggen. Veel van hun namen, ik schaam me te zeggen, blijven vandaag de dag volledig nieuw voor mij—zoals Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck en Susanna Tanger. De schilderijen die deze kunstenaars aan de tentoonstelling hebben bijgedragen, zien er echter schokkend fris uit. Ik kan in feite verschillende kunstenaars noemen die sindsdien hun stijl hebben gekopieerd. Ze zijn misschien niet beroemd geworden, maar ze waren duidelijk invloedrijk.
Lois Lane (geb. 1948), Verenigde Staten, Ongetiteld, 1979, olie op doek, Gift van Ronnie en John Shore, 2018.213
De Visionaire Barbara Rose
Wat betreft Barbara Rose, het laatste wat ze nodig had was validatie van critici. In 1965, toen ze pas 29 jaar oud was, schreef Rose een van de meest blijvende essays die ooit zijn gepubliceerd over de blijvende waarde van abstracte kunst. Getiteld ABC Art, was het een van de vroegste kritische pogingen om de beweging te definiëren die later Minimalisme zou worden genoemd. Heel anders dan het begrip dat veel curatoren en kijkers vandaag de dag van Minimal Art hebben - dat het elegant, eenvoudig, onopvallend en aangenaam om naar te kijken is - beschouwde Rose Minimal Art op zijn best als "moeilijk, vijandig" en "ongemakkelijk." Ze noemde het een "kunst van ontkenning en verloochening" geworteld in een bijna monastieke ascese. Door het te beschrijven als een niet-egotistische, soms zelfs mystieke tegenhanger van Pop Art, plaatste ze het in een lijn die filosofen, romanschrijvers, choreografen en kunstenaars zoals Kazimir Malevich en Marcel Duchamp omvatte.
Ron Gorchov (1930–2020), Verenigde Staten, Heks, 1979, olie op linnen, Gift van Ronnie en John Shore, 2018.219
Rose heeft meerdere andere blijvende bijdragen aan de kunsttheorie geleverd. Ze bedacht de term Neo-Dada; schreef een invloedrijke essay waarin Lee Krasner als de meest over het hoofd geziene Abstract Expressionist werd gepositioneerd; gaf kunstles aan zowel gevangenisbewoners als studenten aan Yale; schreef over abstractie voor de meest invloedrijke kunstpublicaties van haar tijd; en schreef monografieën die de carrières van bijna twee dozijn vrouwelijke abstracte kunstenaars documenteerden. Haar referenties in de jaren '80 waren net zo onbetwistbaar als vandaag, maar ze werd desondanks als radicaal gezien. Toen, net als nu, denk ik dat mensen gewoon echt van figuratieve kunst hielden. Zelfs vandaag de dag wordt de geschiedenis van abstracte kunst zelden op scholen (inclusief kunstscholen) onderwezen, en zelfs wanneer dat wel gebeurt, wordt de politieke en sociale relevantie over het hoofd gezien door professoren die zelf nooit adequaat zijn onderwezen. Desondanks blijft abstractie voor ontelbare miljoenen kijkers een blijvend, zelfs essentieel onderdeel van onze relatie tot kunst en leven. Dankzij dappere verzamelaars zoals Ronnie en John Shore, gedurfde curatoren zoals Barbara Rose, en moedige instellingen zoals het Cincinnati Art Museum, blijft dit vitale aspect van de menselijke cultuur bloeien.
Amerikaanse Schilderkunst: De Jaren Tachtig Herbekeken is te zien van 12 maart tot 11 juli 2021, afhankelijk van de lokale COVID-19 beperkingen.
Uitgelichte afbeelding: Sam Gilliam (geb. 1933), Verenigde Staten, Tequila, 1979, acryl en gemengde media op canvas, Gift van Ronnie en John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
