Waarom Laura Owens' benadering van schilderen zo innovatief is

Meer dan eens heb ik een kunstenaar horen zeggen dat Laura Owens de schilderkunst heeft gered. Het is een vreemde uitspraak. Het impliceert dat de schilderkunst op een bepaald moment in gevaar was om vernietigd te worden, vermoedelijk in de afgelopen veertig jaar of zo, aangezien Laura Owens zo lang al leeft - en dat het daarom een redder nodig had. Dergelijke academische theorieën als die zeggen dat de schilderkunst dood is of stervende is of nooit heeft geleefd, zijn niet te bewijzen, en kunnen dus soms zowel komisch als pijnlijk zijn om naar te luisteren. Maar ze hebben wel een punt. Ze zijn bedoeld om de houding over te brengen dat kunst relevant moet blijven. Te zeggen dat de schilderkunst redder nodig heeft, betekent gewoon dat de schilderkunst in gevaar is om irrelevant te worden. En dus betekent zeggen dat Laura Owens de schilderkunst heeft gered gewoon dat ze op de een of andere manier dat gevaar heeft doen afnemen, althans tijdelijk. Maar een vraag die het waard is om te stellen is: Waar moet de schilderkunst relevant voor zijn? De samenleving? Misschien. Maar belangrijker is dat de schilderkunst altijd relevant moet blijven voor schilders. Elke nieuwe schilder die overweegt een penseel op te pakken - dat is degene die overtuigd moet worden van de betekenis en het potentieel van wat ze van plan zijn te doen. Wanneer mensen zeggen dat Laura Owens de schilderkunst heeft gered, is dat wat ze meestal bedoelen. Ze bedoelen dat deze kunstenaar, door haar voorbeeld, een getuigenis is van waarom het belangrijk is dat mensen blijven schilderen, blijven doeken spannen en blijven tekenen. Dat is waarom ze door schilders van alle leeftijden als inspiratie wordt aangehaald. Het is ook waarom ze in 2003, slechts negen jaar na haar afstuderen, de jongste kunstenaar werd die een retrospectief kreeg in het Museum of Contemporary Art in Los Angeles sinds de opening van dat museum in 1979. En het is waarom ze dit jaar werd gekozen als onderwerp van het eerste mid-career retrospectief van een kunstenaar op de nieuwe locatie van het Whitney Museum of American Art in New York.

Wees niet bang voor iets.

In combinatie met de huidige retrospectieve van Laura Owens (te zien tot 4 februari 2018), heeft het Whitney een monumentaal boek gepubliceerd dat elk aspect van de bijdrage die Owens tot nu toe aan de kunst heeft geleverd, in detail beschrijft. Het is letterlijk een van de grootste kunstboeken ooit. Het bestaat uit meer dan 600 pagina's historische en academische teksten over haar leven en kunst, en bevat honderden foto's van haar werk. Maar er is één item dat voor mij essentieel is, niet alleen om Laura Owens als persoon of als schilder te begrijpen, maar ook om degenen te begrijpen die haar als een persoonlijke held beschouwen. Dat item is een kopie van een lijst die Owens in haar dagboek schreef toen ze in haar 20s was, getiteld: "Hoe de beste kunstenaar ter wereld te zijn."

De lijst, die snel traction krijgt op sociale media dankzij een vermelding in een recent profiel van Owens in de New Yorker geschreven door Peter Schjeldahl, bevat advies dat zo eenvoudig is als "Denk groot," en "Zeg heel weinig," en zo gecompliceerd als, "Weet dat als je niet gekozen had om een kunstenaar te zijn, je zeker wereldheerschappij of massamoord of heiligheid zou hebben overwogen." Maar het belangrijkste item op die lijst is naar mijn mening, "Wees niet bang voor iets." Die ene richtlijn heeft al het werk dat Owens tot nu toe heeft gemaakt gedefinieerd, en heeft ook de kritiek gedefinieerd die ze heeft doorstaan, de fouten waarvan ze heeft geleerd, en de gevechten waarvan ze heeft geweigerd weg te lopen. Het is het kenmerk van haar succes, en de reden waarom mensen zeggen dat ze de schilderkunst heeft gered.

Laura Owens - Untitled, 1997. Oil, acrylic, and airbrushed oil on canvas, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P.2011.274, © the artist

Wat Er Te Vrezen Is

Het eerste angstaanjagende iets dat Owens gemakkelijk van haar carrière als schilder had kunnen afschrikken, was de inherente vooringenomenheid van wat eigenlijk het Art Academia Industrial Complex zou moeten worden genoemd. Als student aan de Rhode Island School of Design (RISD) werd ze geconfronteerd met de seksisme van een schilderprofessor die alleen de mannelijke schilders in de klas aanmoedigde om abstract te werken. Als student in het Masterprogramma aan het California Institute of the Arts (CalArts) werd ze geconfronteerd met een kritische massa van docenten en medestudenten die predikten dat schilderkunst passé was, en dat alleen "Post Conceptualism" mogelijk de complexe manieren kon aanpakken waarop formalism, kunstgeschiedenis en sociale kwesties samenkwamen op de kusten van het hedendaagse leven.

Owens negeerde al die vooroordelen, als ze niet altijd moedig was, dan toch ondanks haar angst—en dat is de ware definitie van moed. Ze vormde een club met andere vrouwelijke abstracte kunstenaars aan de RISD. En ze tartte haar docenten en medestudenten aan de CalArts en omarmde schilderen als haar primaire esthetische zorg. Ze maakte schilderijen die het ene ding uitdrukten dat werkelijk nog nooit eerder in schilderkunst is uitgedrukt: Laura Owens. Wanneer je kijkt naar de reeks werken die zijn opgenomen in de huidige Whitney-retrospectief, zie je wat lijkt op een fantastische reeks stijlen en onderwerpen. Alles is anders, maar alles is hetzelfde, omdat alles persoonlijk is. Zoals Walt Whitman over zichzelf zei, bevat Laura Owens veelvoud. Wij allemaal. Owens redde de schilderkunst omdat ze ons eraan herinnert. Ze herinnert ons eraan dat de manier om niet bang te zijn voor een canvas simpelweg is om jezelf vrij te maken om te schilderen wat uniek van jou is. Druk jezelf uit. Dat is wat zij doet. En haar werk begrijpen is echt zo simpel.

Laura Owens - Untitled, 2000. Acrylic, oil, and graphite on canvas, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milan (Left) and Untitled, 2006. Acrylic and oil on linen, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (Right), © the artist

356 Missie

Het is bijzonder passend dat deze, de eerste grote retrospectieve tentoonstelling van Laura Owens in 14 jaar, wordt georganiseerd door het Whitney Museum of American Art. Er is iets unieks Amerikaans aan Owens, voorbij het feit van haar burgerschap. Het heeft deels te maken met haar werk, dat moedig en vrij is - twee solide, kenmerkende eigenschappen die zijn ingebed in de psyche van alle Amerikaanse zielen, of ze nu in Amerika zijn geboren of er wonen of niet. Maar het meest vurig Amerikaanse dat Owens momenteel definieert, is wat ze naast schilderen de laatste tijd doet in haar boekwinkel/gallerij/openbare ontmoetingsruimte op 356 South Mission Road in Los Angeles.

In 2012 was Owens op zoek in Los Angeles, de stad die al tientallen jaren haar thuis was, naar een ruimte die groot genoeg was om een nieuwe serie werken tentoon te stellen - een reeks schilderijen zo gigantisch dat ze ter plaatse moesten worden opgebouwd, omdat ze belachelijk moeilijk te vervoeren zouden zijn. Ze vond een leeg magazijn in de Boyle Heights-buurt van LA, wat perfect was. Met hulp van twee partners huurde ze de ruimte en in 2013 organiseerde ze haar geplande tentoonstelling. Ik had het genoegen die tentoonstelling bij te wonen en liep weg met het gevoel dat ik zojuist de krachtigste schilderijententoonstelling van mijn leven had gezien. De galerie was cavernous, industrieel, en werd toch overschaduwd door de aanwezigheid van het werk. Voor de ruimte was er een boekwinkel, en achterin werd er eten geserveerd, muziek speelde, en mensen praatten en lachten.

Laura Owens - Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Left) and Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Right), © the artist

De Amerikaanse manier

Na die inaugurele tentoonstelling besloot Owens de ruimte te blijven huren. Ze organiseerde tentoonstellingen van andere kunstenaars, gaf lessen en lezingen, en vertoonde films. En waarom niet? De ruimte was leeg. Dit is Amerika. Waarom zou iemand niet elke ruimte kunnen huren die hij of zij wil? Maar haar aanwezigheid in de buurt heeft sindsdien een storm van verzet veroorzaakt onder sommige buurtbewoners. Owens wordt gezien als een ongewenste bezetter en een voorteken van gentrificatie. Protesteerders die de anti-gentrificatie-inspanningen van Boyle Heights vertegenwoordigen, verzamelden zich bij het Whitney Museum om te demonstreren tegen de retrospectieve van Owens. Ze protesteren ook routinematig buiten haar ruimte in Boyle Heights.

Owens heeft vergaderd met vertegenwoordigers van de protestgroepen in een poging tot begrip te komen, maar zij hebben geëist dat ze vertrekt, en zullen niets minder accepteren. Ze willen ook dat ze publiekelijk verklaart dat ze fout was om daarheen te gaan en dat ze haar les heeft geleerd. Maar Owens vertrekt niet. Nog niet. Ze is moedig. Ze heeft het recht om daar te zijn. Deze intimidatie door anti-gentrificatieprotesters is niet anders dan de acties die de geschiedenis ons heeft laten zien van degenen die mensen van kleur, of religieuze minderheden, of vluchtelingen intimideren, en proberen hen te dwingen geen bedrijven te openen of huizen te kopen in "hun buurten." Amerika heeft een lange geschiedenis van dit soort onzin. Maar het heeft ook een lange traditie van diversiteit en verzet tegen de krachten van verdeeldheid. Als je de kans hebt om haar huidige Whitney-retrospectief te zien, doe dat dan, niet alleen om te ontdekken waarom Laura Owens de schilderkunst heeft gered. Maar ook om je steun te betuigen aan iemand die moed, vindingrijkheid, originaliteit en individualiteit belichaamt—vier kenmerken die definiëren wat het betekent om een kunstenaar, een Amerikaan en een vrij mens te zijn.

Uitgelichte afbeelding: Laura Owens - Untitled, 1997. Acryl en olie op canvas, 78 x 84 in. (198,1 x 213,4 cm). Collectie van Mima en César Reyes. © de kunstenaar

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.

Door Phillip Barcio