Waarom Laura Owens' benadering van schilderen zo innovatief is

Meer dan eens heb ik een kunstenaar horen zeggen dat Laura Owens het schilderen heeft gered. Het is een vreemde uitspraak. Het impliceert dat het schilderen op een gegeven moment in gevaar was vernietigd te worden, vermoedelijk in de afgelopen vier decennia of zo, aangezien dat is hoe lang Laura Owens al leeft—en dat het daarom een redder nodig had. Dergelijke academische theorieën als die zeggen dat schilderen dood is, of aan het sterven is, of dat schilderen nooit heeft geleefd, zijn onbewijsbaar, en kunnen daardoor soms zowel komisch als pijnlijk zijn om naar te luisteren. Maar ze hebben wel een punt. Ze zijn bedoeld om de houding over te brengen dat kunst relevant moet blijven. Zeggen dat schilderen gered moet worden betekent gewoon dat schilderen het risico loopt irrelevant te worden. En dus betekent zeggen dat Laura Owens het schilderen heeft gered gewoon dat zij dat gevaar op de een of andere manier heeft doen afnemen, al is het maar tijdelijk. Maar een vraag die het waard is om te stellen is: Waarvoor zou schilderen relevant moeten zijn? De maatschappij? Misschien. Maar belangrijker is dat schilderen altijd relevant moet blijven voor schilders. Elke nieuwe schilder die overweegt een penseel op te pakken—dat is degene die overtuigd moet worden van de betekenis en het potentieel van wat ze gaan doen. Wanneer mensen zeggen dat Laura Owens het schilderen heeft gered, bedoelen ze meestal dit. Ze bedoelen dat deze kunstenaar, door haar voorbeeld, een bewijs is waarom het ertoe doet dat mensen blijven schilderen, blijven doeken spannen en blijven hun sporen nalaten. Daarom wordt ze door schilders van alle leeftijden als inspiratiebron genoemd. Het is ook de reden waarom zij in 2003, slechts negen jaar na haar afstuderen, de jongste kunstenaar werd die een overzichtstentoonstelling kreeg in het Museum of Contemporary Art in Los Angeles sinds de opening van dat museum in 1979. En het is waarom zij dit jaar werd gekozen als onderwerp van de eerste overzichtstentoonstelling halverwege de carrière van een kunstenaar in de nieuwe locatie van het Whitney Museum of American Art in New York.

Wees nergens bang voor

In samenhang met de huidige overzichtstentoonstelling van Laura Owens (te zien tot 4 februari 2018) publiceerde het Whitney een monumentaal boek dat elk aspect van Owens’ bijdrage aan de kunst tot nu toe beschrijft. Het is letterlijk een van de grootste kunstboeken ooit. Het bestaat uit meer dan 600 pagina’s historische en academische teksten over haar leven en kunst, en bevat honderden foto’s van haar werk. Maar er is één onderdeel dat voor mij essentieel is, niet alleen om Laura Owens als persoon of als schilder te begrijpen, maar ook om degenen te begrijpen die haar als een persoonlijke held beschouwen. Dat onderdeel is een kopie van een lijst die Owens schreef in haar dagboek toen ze in de twintig was, getiteld: “Hoe de beste kunstenaar ter wereld te zijn.”

De lijst, die snel aan populariteit wint op sociale media dankzij een vermelding in een recent profiel van Owens in The New Yorker geschreven door Peter Schjeldahl, bevat adviezen zo eenvoudig als “Denk groot,” en “Zeg heel weinig,” en zo ingewikkeld als, “Weet dat als je niet had gekozen kunstenaar te worden, je zeker wereldheerschappij, massamoord of heiligheid had overwogen.” Maar het belangrijkste punt op die lijst is naar mijn mening: “Wees nergens bang voor.” Die ene richtlijn heeft al het werk dat Owens tot nu toe heeft gemaakt bepaald, en heeft ook de kritiek die ze heeft doorstaan, de fouten waarvan ze heeft geleerd, en de strijd waar ze niet van is weggelopen, gevormd. Het is het kenmerk van haar succes, en de reden waarom mensen zeggen dat zij het schilderen heeft gered.

Laura Owens - Zonder titel, 1997. Olie, acryl en met airbrush aangebrachte olie op doek, 96 × 120 inch (243,8 × 304,8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; toegezegde schenking van Thea Westreich Wagner en Ethan Wagner P.2011.274, © de kunstenaar

Waar je bang voor kunt zijn

Het eerste angstaanjagende dat Owens gemakkelijk van haar carrière als schilder had kunnen afschrikken, was de ingebakken vooringenomenheid van wat eigenlijk het Kunstacademisch Industrieel Complex genoemd zou moeten worden. Als studente aan de Rhode Island School of Design (RISD) kreeg ze te maken met het seksisme van een schilderdocent die alleen de mannelijke schilders in de klas aanmoedigde om abstract te werken. Als studente in de masteropleiding aan het California Institute of the Arts (CalArts) werd ze geconfronteerd met een kritische massa van docenten en medestudenten die preekten dat schilderen uit de mode was, en dat alleen “Postconceptualisme” de complexe manieren kon aanpakken waarop formalisme, kunstgeschiedenis en maatschappelijke kwesties samenkwamen aan de oevers van het hedendaagse leven.

Owens negeerde al die vooroordelen, zo niet altijd onbevreesd dan toch ondanks haar angst—en dat is de ware definitie van moed. Ze richtte een club op met andere vrouwelijke abstracte kunstenaars aan RISD. En ze trotseerde haar docenten en medestudenten aan CalArts en omarmde schilderen als haar belangrijkste esthetische bezigheid. Ze maakte schilderijen die het ene uitdrukten dat werkelijk nog nooit eerder in de schilderkunst was uitgedrukt: Laura Owens. Wanneer je kijkt naar de reeks werken in de huidige overzichtstentoonstelling van het Whitney, zie je wat lijkt op een fantastische reeks stijlen en onderwerpen. Alles is verschillend maar alles is hetzelfde, omdat alles persoonlijk is. Zoals Walt Whitman over zichzelf zei, bevat Laura Owens veelheid. Wij allemaal. Owens heeft het schilderen gered omdat ze ons daaraan herinnert. Ze herinnert ons eraan dat de manier om niet bang te zijn voor een doek simpelweg is jezelf vrij te maken om te schilderen wat uniek van jou is. Druk jezelf uit. Dat is wat zij doet. En haar werk begrijpen is echt zo eenvoudig.

Laura Owens - Zonder titel, 2000. Acryl, olie en grafiet op doek, 72 x 66 1/2 inch (182,9 x 168,9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milaan (links) en Zonder titel, 2006. Acryl en olie op linnen, 56 x 40 inch (142,2 x 101,6 cm). Charlotte Feng Ford Collectie (rechts), © de kunstenaar

356 Mission

Het is bijzonder passend dat deze, de eerste grote overzichtstentoonstelling van Laura Owens in 14 jaar, wordt georganiseerd door het Whitney Museum of American Art. Er is iets uniek Amerikaans aan Owens, los van het feit dat ze de Amerikaanse nationaliteit heeft. Gedeeltelijk heeft het te maken met haar werk, dat moedig en vrij is—twee stevige, kenmerkende eigenschappen die verankerd zijn in de geest van alle Amerikaanse zielen, of ze nu in Amerika geboren zijn of er wonen of niet. Maar het meest uitgesproken Amerikaanse dat Owens momenteel definieert, is wat ze de laatste tijd naast het schilderen doet in haar boekwinkel/galerie/publieke ontmoetingsplek aan 356 South Mission Road in Los Angeles.

In 2012 zocht Owens in Los Angeles, de stad die toen al tientallen jaren haar thuis was, naar een ruimte die groot genoeg was om een nieuwe reeks werken te tonen—een serie schilderijen zo gigantisch dat ze ter plaatse gemaakt moesten worden, omdat ze belachelijk moeilijk te vervoeren zouden zijn. Ze vond een leeg magazijn in de wijk Boyle Heights in LA, wat perfect was. Met hulp van twee partners huurde ze de ruimte en in 2013 organiseerde ze haar geplande tentoonstelling. Ik had het genoegen die tentoonstelling te bezoeken en liep er vandaan met het gevoel dat ik net de krachtigste schilderijententoonstelling van mijn leven had gezien. De galerie was enorm, industrieel, en toch werd ze overschaduwd door de aanwezigheid van het werk. Voor de ruimte was een boekwinkel, en achter was eten, speelde muziek, en praatten en lachten mensen.

Laura Owens - Zonder titel (detail), 2012. Acryl, olie, vinylverf, houtskool, garen en koord op met de hand geverfd linnen, 33 panelen, 35 1/2 x 33 1/4 inch (90,2 x 84,5 cm) elk. Collectie van Maja Hoffmann/LUMA Foundation (links) en Zonder titel (detail), 2012. Acryl, olie, vinylverf, houtskool, garen en koord op met de hand geverfd linnen, 33 panelen, 35 1/2 x 33 1/4 inch (90,2 x 84,5 cm) elk. Collectie van Maja Hoffmann/LUMA Foundation (rechts), © de kunstenaar

De Amerikaanse manier

Na die eerste tentoonstelling besloot Owens de ruimte te blijven huren. Ze organiseerde tentoonstellingen van andere kunstenaars, gaf lessen en lezingen, en vertoonde films. En waarom ook niet? De ruimte stond leeg. Dit is Amerika. Waarom zou iemand niet elke ruimte mogen huren die hij wil? Maar haar aanwezigheid in de buurt heeft sindsdien een storm van protest veroorzaakt bij sommige buurtbewoners. Owens wordt gezien als een ongewenste bezetter en een voorteken van gentrificatie. Demonstranten die Boyle Heights’ anti-gentrificatie-inspanningen vertegenwoordigen, kwamen samen bij het Whitney Museum om te protesteren tegen de overzichtstentoonstelling van Owens. Ze protesteren ook regelmatig buiten haar ruimte in Boyle Heights.

Owens heeft overleg gehad met vertegenwoordigers van de protestgroepen in een poging tot begrip, maar zij eisen dat ze vertrekt en accepteren niets minder. Ze willen ook dat ze publiekelijk verklaart dat ze fout zat om daar te komen en dat ze haar les heeft geleerd. Maar Owens vertrekt niet. Nog niet. Ze is moedig. Ze heeft het recht daar te zijn. Deze intimidatie door anti-gentrificatieprotesteerders is niet anders dan de acties die de geschiedenis ons heeft laten zien van degenen die mensen van kleur, religieuze minderheden of vluchtelingen intimideren, om hen te dwingen geen bedrijven te openen of huizen te kopen in “hun buurten.” Amerika heeft een lange geschiedenis van dit soort onzin. Maar het heeft ook een lange traditie van diversiteit en verzet tegen de machten van verdeeldheid. Als je de kans hebt haar huidige overzichtstentoonstelling in het Whitney te zien, doe dat dan, niet alleen om te ontdekken waarom Laura Owens het schilderen heeft gered. Maar ook om je steun te betuigen aan iemand die moed, vindingrijkheid, originaliteit en individualiteit belichaamt—vier eigenschappen die bepalen wat het betekent om kunstenaar, Amerikaan en vrij mens te zijn.

Afbeelding in de kop: Laura Owens - Zonder titel, 1997. Acryl en olie op doek, 78 x 84 inch (198,1 x 213,4 cm). Collectie van Mima en César Reyes. © de kunstenaar

Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt

Door Phillip Barcio