Vrouwen in de Amerikaanse abstractie, 1930-1950

Amerikaanse abstracte kunstenaars stonden in de jaren 30 en 40 voor veel obstakels. In een discipline die nog steeds werd gedomineerd door het realisme en werd geregeerd door krachtige kunstcritici en instellingen, moesten abstracte kunstenaars creatieve manieren vinden om hun werk te promoten en acceptatie te krijgen in een steeds tumultueuzer wordende wereld. Voorop stonden gedurfde, getalenteerde vrouwelijke kunstenaars die bovendien complexe sociale en culturele dynamieken moesten navigeren gedurende de pre- en post-oorlogse periodes. Tot op heden zijn hun bijdragen aan de vroege Amerikaanse abstractie vaak over het hoofd gezien ten gunste van mannelijke pioniers. Echter, om de kunstgeschiedenis volledig te begrijpen, moeten we de vrouwen erkennen die de weg hebben geëffend voor abstractie door hun creativiteit, esthetiek en pleitbezorging.

Vroege abstractie

Abstractie wordt algemeen erkend als begonnen in Europa aan het eind van de negentiende eeuw, toen sommige kunstenaars zich van het realisme afkeerden en vormen, texturen en tonen in groter detail verkenden. Technologische vooruitgangen, waaronder verbeterde communicatie en reizen, stelden Europese en Amerikaanse kunstenaars in staat om ideeën meer dan ooit uit te wisselen. Evenzo brachten veel Europese kunstenaars die de verschrikkingen van de Eerste en Tweede Wereldoorlog ontvluchtten, nieuwe technieken en theorieën naar de Verenigde Staten. Dit leidde tot een bloeiende groep Amerikaanse kunstenaars die geïnteresseerd waren in abstractie, van wie velen kunstenaars in Europa hadden bezocht of cursussen hadden gevolgd van Europese vluchtelingen die in de Verenigde Staten woonden. Abstractie werd echter bijzonder verafschuwd door de Amerikaanse kunstwereld, die abstracte kunstenaars verhinderde om tentoon te stellen in galeries en musea, hen op de zwarte lijst zette in de pers en hen verhinderde om vruchtbare carrières na te streven.

Kansen voor Vrouwen

De chaos van de jaren dertig opende verrassend genoeg de deuren voor abstracte kunstenaars in Amerika. Als reactie op de hoge werkloosheid in de kunstgemeenschap tijdens de Grote Depressie, creëerde de Amerikaanse overheid de Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Kunstenaars uit alle achtergronden (inclusief vrouwen en abstracte kunstenaars) kregen betaalde posities aangeboden op door de overheid gesponsorde kunstprojecten tijdens de Depressie en oorlogsjaren. Duizenden kunstenaars werden aangenomen, waaronder toekomstige pioniers zoals Lee Krasner, Dorr Bothwell en Louise Nevelson, om instellingen in de Verenigde Staten te verfraaien met muurschilderingen, schilderijen en andere ontwerpen. Andere kunstenaars, zoals Irene Rice Pereira, hielpen bij het oprichten van door de federale overheid gefinancierde kunstscholen om kunstlessen aan kansarme studenten te bieden. Door gebruik te maken van deze unieke programma's konden vrouwelijke kunstenaars een inkomen verdienen met kunst en waardevolle ervaring opdoen in lesgeven, kunst maken en publieke betrokkenheid. Deze vaardigheden zouden cruciaal zijn terwijl ze de diverse discipline van abstractie en hun eigen carrières creëerden, beheerden en promootten.

Andere vrouwen, waaronder Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina en Ray Kaiser (later Eames), hielpen bij het oprichten van een nieuwe organisatie, American Abstract Artists (AAA), om abstractie aan het publiek te promoten en tentoonstellingsruimtes voor kunstenaars te bieden. Opgericht in 1936 in New York City, werd AAA gevormd als reactie op de eerste tentoonstelling over abstractie van het Museum of Modern Art die datzelfde jaar werd gehouden. Deze tentoonstelling, getiteld Cubism and Abstract Art, toonde bijna uitsluitend Europese kunstenaars – wat een verdere institutionele afwijzing van Amerikaanse abstracte kunstenaars betekende. Slobodkina schreef de Historische Schets van de AAA, die nog steeds op hun website wordt gepubliceerd, en die de wanhopige behoefte aan deze groep samenvatte: "Wat waren de omstandigheden waaronder deze unieke organisatie ontstond en snel wortel schoot? . . . Het jaar was 1936. De plaats – New York City. De periode – economische depressie, en praktisch totale isolatie van het algemene publiek van alle contact met actuele geavanceerde esthetische trends."

Binnen een jaar organiseerde AAA zijn eerste tentoonstelling in de Squibb Galleries in New York. Hoewel de tentoonstelling goed bezocht was en over het algemeen positieve feedback van het publiek ontving, reageerde de pers nog steeds met vijandigheid. AAA ging echter door met tentoonstellingen in veel lokale locaties, en verzamelde langzaam een groeiende schare bewonderaars en verzamelaars, zelfs toen de Grote Depressie en de Tweede Wereldoorlog de gemoederen verlaagden en de portemonnees leeggemaakt werden. Vrouwen speelden een belangrijke rol in AAA, stonden centraal op tentoonstellingen, schreven kritieken en bekleedden leiderschapsrollen – waaronder de oprichters Mason en Slobodkina, die beide een termijn als voorzitter van AAA dienden.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Untitled, ca. 1942. Collagepapier, ondoorzichtige aquarel en pen en inkt op papier, 8 1/2 × 8 1/16 in. (21,6 × 20,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; gift van Alice en Leo Yamin 91.84.5. © Erfenis van Charmion von Wiegand; Met dank aan Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Kritische receptie

Echter, zelfs toen abstractie begon voet aan de grond te krijgen in de Amerikaanse cultuur, stonden vrouwen nog steeds voor aanzienlijke moeilijkheden. Ondanks enkele vooruitgangen die tijdens de oorlog werden geboekt en vrouwen in staat stelden om buiten het huis te werken, werden vrouwelijke kunstenaars onder de loep genomen voor het doen van werk dat niet strikt huiselijk of oorloggerelateerd was. Veel pioniers uit deze periode worden meer herinnerd om hun beroemde echtgenoten dan om hun bijdragen aan de abstractie, waaronder Ray Kaiser (later Eames, getrouwd met Charles Eames), Lee Krasner (getrouwd met Jackson Pollock) en Elaine De Kooning (getrouwd met Willem De Kooning). Echter, hun artistieke invloed op hun echtgenoten kan niet worden ontkend. Kijk maar naar Kaiser, een hoogopgeleide kunstenaar die met haar architecte echtgenoot aan verschillende projecten samenwerkte. Haar gebruik van organische vormen en de spanning tussen ruimtes is een centraal kenmerk van hun ontwerpen en het is wat de naam Eames zo gevierd maakte. Evenzo zijn Krasner's inspanningen om Pollock's nalatenschap te bevorderen na zijn voortijdige dood in 1956 grotendeels de reden waarom zijn werk vandaag de dag zo gevierd is.

Veel galerieën en musea weigerden ook vrouwelijke kunstenaars tentoon te stellen: galeriehouder Samuel Kootz, een grote supporter van Abstract Expressionisme, zou hebben gezegd dat dit kwam omdat ze te veel problemen veroorzaakten. Aan de andere kant reageerden veel critici aanvankelijk positief op werken van vrouwelijke abstracte kunstenaars – totdat ze ontdekten dat de maker een vrouw was. Krasner vertelde dat een criticus ooit over haar werk zei: “We kwamen erachter dat de kunstenaar een vrouw was, net op tijd om onze enthousiasme te temperen.” Als gevolg hiervan veranderden verschillende kunstenaars hun namen om hun vrouwelijkheid te verbergen. Irene Rice Pereira exposeerde haar dynamische geometrische schilderijen onder de naam I. Rice Pereira. Evenzo veranderde kunstenaar Dorr Bothwell haar naam wettelijk van Doris om een gunstigere ontvangst van critici voor haar surrealistische werken te krijgen. Dat gezegd hebbende, kaderden veel mannelijke leiders van de beweging de werken van deze kunstenaars nog steeds in relatie tot hun vrouwelijkheid. De legendarische Hans Hoffman, die veel vrouwelijke abstracte kunstenaars trainde, zei ooit dat Krasner’s werk “zo goed was dat je niet zou weten dat het door een vrouw was gedaan.” Ondanks de duidelijke kwaliteit van hun werk, werden vrouwelijke kunstenaars voortdurend herinnerd dat vrouwelijkheid een instrument was dat tegen hen werd gebruikt om de afwijzing van hun ambacht door de kunstwereld te rechtvaardigen.

Vrijheid in Abstractie

De ironie is natuurlijk dat abstractie – met zijn diversiteit aan expressie, gebrek aan concrete vormen en een overvloed aan onderwerpen – over het algemeen niet wordt geclassificeerd als mannelijk of vrouwelijk. Bij het bekijken van een abstract kunstwerk zou een toeschouwer moeite hebben om het geslacht van de kunstenaar die het heeft gemaakt te identificeren. Neem bijvoorbeeld Alice Trumbull Mason's print Labyrinth of Closed Forms uit 1945, een conglomeratie van ronde en rechthoekige vormen op een schaduwrijke achtergrond. Het werk speelt met grijstinten, witruimte en interacties tussen vormen – niets aan het werk spreekt Mason's identiteit als vrouw aan. Elaine De Kooning omarmde eveneens elementen van figuration binnen haar kleurrijke, etherische penseelstreken, net zoals veel mannelijke Impressionistische kunstenaars dat enkele decennia eerder met licht hadden gedaan. Door middel van abstractie konden vrouwen ideeën over 'vrouwelijke' esthetiek uitdagen en uit eerdere molden breken. Echter, echte acceptatie binnen de artistieke gemeenschap bleef ongrijpbaar – misschien tot nu toe.

Wat opmerkelijk is aan de vrouwelijke abstracte kunstenaars van de jaren 1930 en 1940, is hun veerkracht en toewijding aan hun ambacht. Door economische catastrofes en wereldwijde oorlogen vonden zij manieren om geïnspireerd, betrokken en actief te blijven binnen hun vakgebied. Als gevolg hiervan overleven hun werk en nalatenschappen tot op de dag van vandaag. Het is nog niet te laat om de prestaties van deze individuen tijdens deze opmerkelijke periode in de geschiedenis te erkennen.

Het Whitney Museum voor Amerikaanse Kunst in New York City heeft een tentoonstelling samengesteld om het werk en de prestaties van verschillende vrouwelijke Amerikaanse abstracte kunstenaars tijdens de voor- en naoorlogse periode te verkennen. “Labyrint van Vormen: Vrouwen en Abstractie, 1930-1950” is te zien tot maart 2022.

Door Emelia Lehmann

Uitgelichte afbeelding: Lee Krasner (1908-1984), Stilleven, 1938. Olie op papier, 19 × 24 3/4 in. (48,3 × 62,9 cm). Whitney Museum of American Art, New York; aankoop ter ere van Charles Simon, met middelen gegeven door zijn vrienden van Salomon Brothers ter gelegenheid van zijn 75e verjaardag, en met middelen van een anonieme donor en de Tekencommissie 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York