Jonge Abstracte Kunstenaars om in de Gaten te Houden

Als inleiding op deze portretten van tien opkomende abstracte kunstenaars die volgens ons uw aandacht verdienen, vroeg mijn redacteur mij om wat te zeggen over de staat van de hedendaagse abstracte kunst. Dit ogenschijnlijk eenvoudige verzoek hield mijn gedachten dagenlang in beroering. Ik schrijf al negen jaar over hedendaagse kunst, en richt me specifiek al meer dan anderhalf jaar op abstracte kunst. Toch weet ik, wanneer mij wordt gevraagd de staat ervan te beoordelen, niet precies wat ik moet zeggen. We leven in een tijd van extreme onrust voor iedereen die de wereldgebeurtenissen volgt. En kunstenaars leven in dezelfde wereld als iedereen, dus het is geen verrassing dat zij net zo door deze onrust worden getroffen als wie dan ook. Tal van krachten zijn druk bezig de toekomst van deze planeet te bepalen, en het lijkt vaak alsof weinig van degenen met de macht om echt iets te veranderen het eens zijn over welke richting de beschaving op moet gaan. Maar naar mijn mening zijn abstracte kunstenaars uniek gepositioneerd om onze koers te beïnvloeden. Zij zijn onze visuele dichters. Hun oeuvre kan barrières van taal, cultuur, nationaliteit, geslacht, ras en economie overstijgen. Ik ben het eens met kunstenaars als Marcel Duchamp, die geloven dat toeschouwers kunstwerken voltooien door ze te ervaren. Kunstenaars zijn verantwoordelijk voor het creëren van esthetische voorstellen, maar wij zijn degenen die bepalen wat er daarna gebeurt. We kunnen ervoor kiezen open te staan voor nieuwe manieren van zien. We kunnen kiezen wat betekenis heeft, en wat die betekenis zal zijn. Om ons op dat pad te begeleiden, hebben hedendaagse abstracte kunstenaars dezelfde middelen tot hun beschikking als hedendaagse wetenschappers, soldaten, grootgrondbezitters en politici. Wat zij met die middelen zullen doen, is de vraag die zij elke dag moeten beantwoorden. Het is mijn voortdurende hoop dat zij mij zullen verrassen. De tien abstracte kunstenaars waarop we ons vandaag richten, werken in verschillende media en formaten, en creëren werk om uiteenlopende redenen. Hun verscheidenheid weerspiegelt de ontelbare verschillende wegen die ieder van ons in deze hedendaagse wereld vrij is te bewandelen. Naar mijn bescheiden mening zijn zij het bewijs dat de staat van abstracte kunst vandaag de dag zo levendig is als nooit tevoren, en zo bekwaam als altijd in het voortbrengen van werk dat betekenisvol, belangrijk, invloedrijk en onverwacht is.

Iva Gueorguieva

Geboren in Sofia, Bulgarije, in 1974, behaalde Iva Gueorguieva haar MFA aan de Tyler School of Art in Philadelphia en woont en werkt momenteel in Los Angeles, CA. Haar esthetische visie is bijzonder geschikt voor de stedelijke omgeving. Het omvat uiteenlopende stukken die samenkomen om een nieuw geheel te vormen. Gueorguieva werkt met verschillende media, maar richt zich vooral op schilderkunst en beeldhouwkunst. Haar schilderijen combineren elementen van collage met directe schilderachtige ingrepen om beelden te creëren die complexiteit, beweging en een flinke dosis chaos overbrengen. Hoewel ze in wezen vlak zijn, voelen ze ruimtelijk aan en nodigen ze de kijker uit zich te laten omhullen door de beeldruimte. Net als haar schilderijen zijn haar beelden ook samengesteld uit een veelheid aan verschillende materialen. Om ze te maken brengt Gueorguieva stukken van haar fysieke omgeving samen, zoals beton, metaal, papier, plastic en verf, zodat het werk een gevoel van de plaats van oorsprong bezit. De abstracte vormen die vervolgens worden samengesteld, resoneren krachtig met iedereen die bekend is met het visuele lexicon van een hedendaagse stedelijke plek.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Oliekrijt op doek, © Sofia Contemporary en Iva Gueorguieva (links) en Vanished Animal 5, 2015, Lithografie, zeepgrond, zachte grond, harde grond, droge naald, spuwbijt-aquatint, waterbijt-aquatint, open bijt op stof met handschildering, spuitverf en oliekrijt op gelast stalen frame met stalen panelen, wapeningsstaal, beton en epoxy klei, foto met dank aan ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (rechts)

Holton Rower

De werken van in New York geboren Holton Rower ontstaan door een proces van geleidelijke opeenhoping. Zoals lagen sedimentair gesteente door de tijd worden afgezet, giet Rower methodisch monochrome verflagen op een oppervlak, waarbij hij elke laag laat samenkomen voordat hij er een nieuwe overheen giet. Uiteindelijk hopen de lagen zich op tot aanzienlijke massa’s, net als bergen. Vervolgens voert Rower met een mes de taak uit van de natuurlijke elementen en hakt hij een definitieve vorm uit. Of ze nu aan de muur hangen of op de vloer liggen, deze objecten zijn van nature sculpturaal en onmiskenbaar schilderijen. Ze zijn zowel industrieel van aard als het resultaat van zwaar lichamelijk werk. Het zijn formele objecten van kleur, vorm, gestalte en textuur, en ook poëtische uitspraken over de mensheid en haar voortdurende ingrijpen in de natuur. (Oh, en niet dat het relevant is voor de kracht en aanwezigheid van zijn buitengewone kunst, maar Rower is ook de kleinzoon van Alexander Calder.)

Holton Rower - Installatie overzicht bij VENUS LA: The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, verf op spaanplaat (links), Victimless Crime Wave Reference, 2016, verf op spaanplaat (midden), I Pray It Gives You Hope, 2016, verf op spaanplaat (rechts), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Net als de kubisten van het begin van de 20e eeuw heeft de in Washington, D.C. geboren fotografe Hannah Whitaker spannende esthetische wegen naar de vierde dimensie ontdekt. Het klinkt ongelooflijk, maar haar foto’s worden op de ouderwetse manier gemaakt: met niets anders dan een camera. Door strategisch te bepalen welk deel van het negatief wordt belicht, bouwt ze beelden stukje bij beetje op, soms meerdere dagen om een enkel negatief volledig te belichten. De resulterende beelden vangen de werkelijkheid zoals die zich in de loop van de tijd heeft voltrokken terwijl ze door de ruimte beweegt. Door deze vierdimensionale dynamiek te combineren met formele abstracte beelden, heeft Whitaker een unieke esthetische propositie bereikt, die de fotografie vooruitbrengt en tegelijkertijd de tijdloze waarde van haar fundamenten verklaart.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, archiefpigmentafdruk (links), en Broadside 1, 2014, archiefpigmentafdruk (rechts), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Abstracte origamikunstenaar Ben Parker richt zich op de handelingen van ontdekking en experiment. Voor sommigen is de sensatie van de oude kunst van origami het kunnen aanschouwen van de figuur van een dier, een plant of een gebouw die tevoorschijn komt uit de ingewikkelde vouwen van een enkel vel papier. Voor anderen ligt de sensatie van origami in het potentieel voor wetenschappelijke ontdekking, omdat het lijkt te verwijzen naar de fundamenten van het fysieke universum. Maar voor Parker ligt de sensatie in het ontdekken hoe hij de geometrische vouwtechnieken van origami kan gebruiken om abstracte vormen op te roepen. Zijn complexe composities creëren ruimte terwijl ze die ook innemen. Ze zijn zowel substantieel als etherisch. Ze lijken uit het niets te ontstaan, en hun betekenis is onzeker. Dat ze mooi zijn, is onmiskenbaar; en voor veel kijkers zijn ze ook onmiskenbaar diepgaand.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, enkel vel papier, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Het werk van in Calgary geboren kunstenaar Ashleigh Bartlett is gebaseerd op de handelingen van losmaken en opbouwen. Haar collage-schilderijen verkennen abstracte composities van kleur en vorm opgebouwd uit lagen doek, papier en verf. Haar gesneden werken bereiken sculpturale aanwezigheid, samengesteld uit dezelfde materialen als haar collage-schilderijen maar zonder de ondersteuning van een oppervlak. Zoals Bartlett in deze werken presenteert, kunnen het uit elkaar halen en weer in elkaar zetten zowel worden gelezen als handelingen die onthullen, als handelingen die verbergen.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, doek, papier en acryl op doek (links) en Snaggle, Olie op paneel, 2011 (rechts), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Multidisciplinaire kunstenaar Pello Irazu werd geboren in 1963 in het Baskische gebied Andoain, Gipuzkoa. Zijn werk staat aan de voorhoede van het hedendaagse esthetische onderzoek naar hoe objecten omgaan met ruimte. Zijn installaties bevatten vaak muurschilderingen die direct op de muren van de tentoonstellingsruimte zijn geschilderd. Deze muurschilderingen voeren een formeel gesprek met zijn geconstrueerde objecten, waarbij wordt aangetoond hoe kleuren, lijnen en vormen veranderen in gestaltes. Van groot belang voor Irazu is de voortdurende discussie over hoe toeschouwers omgaan met esthetische objecten en hoe zij hun relatie met de ruimtes die zulke objecten bewonen, waarnemen.

Pello Irazu - Noli me tangere (wantrouwen) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, gegoten en gelaste aluminium stukken en schroeven (links), en Room Under, 1995, multiplex, vinylverf, plakband en zeefdruk op spiegel (rechts), beide uit de collectie van de kunstenaar, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

De Iraanse kunstenaar Ramin Shirdel put uit zijn achtergrond in de architectuur om architectonische, optisch verbluffende kunstwerken te maken. Zijn sculpturale schilderijen reageren op veranderende lichtomstandigheden en werpen schaduwen die de waarneming van hun illusoire vormen veranderen. Verborgen in de werken zijn poëtische Farsi-woorden met betekenissen als liefde, waarheid, omhelzing, golf en meesterwerk. De concrete, formele kwaliteiten van de stukken bieden iets esthetisch objectiefs, terwijl de vergankelijke staat van het beeld de subjectieve betekenissen onderstreept die door de woorden worden overgebracht.

Ramin Shirdel - Aroos (Bruid), 2013, gemengde technieken op houten paneel, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Voor alle praktische doeleinden is het medium van de in Brooklyn gevestigde kunstenaar Afruz Amighi metaal. Ze maakt ingewikkelde, delicate structuren die lijken op de torenspitsen van kathedralen, de pieken van minaretten of de punten op de top van een kroon. Maar haar verborgen medium is licht. Wanneer haar creaties door licht worden geraakt, komen ze tot leven, trekken ze de blik naar de vluchtige glinsteringen op hun oppervlakken en werpen ze tegelijkertijd dramatische, complexe netwerken van schaduwen op de omliggende oppervlakken. Het werk spreekt poëtisch over wat zichtbaar wordt gemaakt en wat verborgen blijft wanneer alles wordt verlicht.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, installatie overzicht, metaal, ketting, licht, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

De New Yorkse kunstenaar Artie Vierkant geeft een esthetische stem aan de ideeën van auteurschap en controle. Zijn lopende serie genaamd Image Objects houdt in dat de kunstenaar beelden van het internet haalt, ze in Photoshop aanpast en ze vervolgens gebruikt als oppervlakelementen voor abstracte objecten die hij bouwt. Het is echter moeilijk om foto’s online te vinden van zijn voltooide image objects, omdat Vierkant ook zijn tentoonstellingsfoto’s in Photoshop aanpast en die beelden als nieuwe werken beschouwt. Wie de oorspronkelijke bronbeelden bezit, en dus eigendom zou kunnen claimen van zijn aangepaste image objects of tentoonstellingsbeelden, hangt af van hoe men intellectueel eigendom bekijkt. Een punt dat Vierkant ook lijkt te maken, is dat de enige waarheid van het werk ligt in de fysieke aanwezigheid ervan: naar foto’s van kunst online kijken is niet hetzelfde als kunst in het echt zien. Naast zijn Image Objects is Vierkant ook begonnen met het werken met fijngemalen Monsanto-zaden als artistiek medium. Maar een vraag die dit, en eigenlijk al zijn werk, oproept, is hoeveel belang toeschouwers moeten hechten aan het achtergrondverhaal van de gebruikte bronmaterialen in een kunstwerk. Maakt dat überhaupt uit? Of is de esthetische aanwezigheid van het kunstobject zelf het enige dat telt? Hebben quasi-filosofische gesprekken iets met kunst te maken? Zijn ze onderdeel van de kunst? Vierkant doet zijn best deze vragen op een esthetisch interessante manier te stellen.

Artie Vierkant - Photoshop installatie overzicht (links), en Plant expression constructs 2, Sojaboon MON89788, TO, Exploit (rechts), © Artie Vierkant

MadC

Voormalig tiener-graffiti-kunstenaar Claudia Walde, beter bekend als MadC, verandert de manier waarop de beeldende kunstwereld omgaat met straatkunstenaars. MadC heeft twee diploma’s in grafisch ontwerp en heeft talrijke boeken geschreven. Ze is ook wereldberoemd als muurschilder, een vakgebied waarin ze een eigen, visueel verbluffende esthetische positie heeft ontwikkeld. Onlangs begon ze haar visuele taal te ontwikkelen tot een vorm die zich vertaalt naar formele, binnenexpositieruimtes. Ze heeft verbluffende installaties gemaakt en ook tentoonstellingen gehouden van haar doeken, gemaakt met transparante spuitverf-lagen die onderliggende lagen laten doorschijnen. Ze heeft haar werk zelfs vertaald naar modevoorwerpen, zoals schoenen.

MadC - Home Sweet Home, 2016, installatie, © MadC

Uitgelichte afbeelding: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, acryl, olie en collage op papier gemonteerd op doek, foto credits Ameringer McEnery Yohe, New York
Door Phillip Barcio