Jonge Abstracte Kunstenaars om in de Gaten te Houden

Als inleiding op deze profielen van tien opkomende abstracte kunstenaars die volgens ons uw aandacht verdienen, vroeg mijn redacteur me om een beetje commentaar te geven op de staat van de hedendaagse abstracte kunst. Dit ogenschijnlijk eenvoudige verzoek heeft mijn gedachten enkele dagen in beslag genomen. Ik schrijf al negen jaar over hedendaagse kunst en richt me specifiek al meer dan anderhalf jaar op abstracte kunst. Toch weet ik niet precies wat ik moet zeggen als ik gevraagd word de staat ervan te beoordelen. We leven in een tijd van extreme angst voor iedereen die aandacht besteedt aan wereldgebeurtenissen. En kunstenaars leven in dezelfde wereld als iedereen, dus het is geen verrassing dat zij net zo door deze angst worden beïnvloed als anderen. Een veelheid aan krachten is druk bezig om de toekomst van deze planeet te schrijven, en het lijkt vaak alsof weinigen van degenen met de macht om daadwerkelijk iets te beïnvloeden het eens zijn over welke richting de beschaving op moet gaan. Maar het is mijn mening dat abstracte kunstenaars uniek gepositioneerd zijn om onze weg te beïnvloeden. Zij zijn onze visuele dichters. Hun oeuvre kan barrières van taal, cultuur, nationaliteit, geslacht, ras en economie overstijgen. Ik ben het eens met kunstenaars zoals Marcel Duchamp, die geloven dat kijkers kunstwerken voltooien door ze te ervaren. Kunstenaars zijn verantwoordelijk voor het creëren van esthetische proposities, maar wij zijn degenen die verantwoordelijk zijn voor het bepalen wat er daarna gebeurt. We kunnen ervoor kiezen om open te staan voor nieuwe manieren van kijken. We kunnen kiezen wat betekenis heeft, en wat die betekenis zal zijn. Om ons langs die weg te leiden, hebben hedendaagse abstracte kunstenaars alle dezelfde middelen tot hun beschikking als hedendaagse wetenschappers, soldaten, tycoons en politici. Wat zij met die middelen zullen doen, is de vraag waarmee zij elke dag worden geconfronteerd. Het is mijn voortdurende hoop dat zij me zullen verrassen. De tien abstracte kunstenaars waarop we ons vandaag hebben gericht, werken in een scala van media en formaten, en creëren werk om vele verschillende redenen. Hun diversiteit weerspiegelt de ontelbare verschillende paden die ieder van ons in deze hedendaagse wereld vrij kan bewandelen. Naar mijn bescheiden mening zijn zij het bewijs dat de staat van abstracte kunst vandaag de dag zo levendig is als ooit, en net zo capabel als ooit om werk te produceren dat betekenisvol, belangrijk, invloedrijk en onverwacht is.

Iva Gueorguieva

Geboren in Sofia, Bulgarije, in 1974, behaalde Iva Gueorguieva haar MFA aan de Tyler School of Art in Philadelphia en woont en werkt momenteel in Los Angeles, CA. Haar esthetische visie is bijzonder geschikt voor de stedelijke omgeving. Het omvat uiteenlopende stukken die samenkomen om deel te nemen aan de creatie van een nieuw geheel. Gueorguieva werkt met een scala aan verschillende media, maar richt zich voornamelijk op schilderkunst en beeldhouwkunst. Haar schilderijen combineren elementen van collage met een directe schilderlijke interventie om beelden te creëren die complexiteit, beweging en een behoorlijke dosis chaos overbrengen. Hoewel ze in wezen plat zijn, voelen ze driedimensionaal aan en moedigen ze de kijker aan om zich te laten omarmen door de picturale ruimte. Net als haar schilderijen zijn haar sculpturen ook samengesteld uit een reeks verschillende media. Om ze te creëren, brengt Gueorguieva stukken van haar fysieke omgeving samen, zoals beton, metaal, papier, plastic en verf, zodat het werk een gevoel van de plaats van oorsprong bezit. De abstracte vormen die vervolgens worden samengesteld resoneren krachtig met iedereen die bekend is met de visuele lexicon van een hedendaagse stedelijke plek.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Olie Stift op Canvas, © Sofia Contemporary en Iva Gueorguieva (Links) en Vanished Animal 5, 2015, Lithografie, zeepgrond, zachte grond, harde grond, droge punt, spitbite aquatint, waterbite aquatint, open bite op stof met handschildering, spuitverf, en olie stift op gelaste stalen frame met stalen panelen, wapeningsstaal, beton, en epoxy klei, foto met dank aan ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Rechts)

Holton Roeier

De werken van de in New York geboren Holton Rower ontstaan door een proces van geleidelijke accumulatie. Net als lagen sedimentair gesteente die door de tijd worden afgezet, giet Rower methodisch monochromatische verflagen op een oppervlak, waarbij elke laag de tijd krijgt om samen te smelten voordat hij een andere laag bovenop giet. Uiteindelijk, net als bij bergen, stapelen de lagen zich op tot aanzienlijke massa's. Dan, met een mes, voert Rower de taak van de natuurlijke elementen uit, snijdt hij een definitieve vorm weg. Of ze nu aan de muur of op de vloer worden gepresenteerd, deze objecten zijn van nature sculpturaal en onmiskenbaar schilderijen. Ze zijn zowel industrieel van aard als het resultaat van hard lichamelijk werk. Het zijn formele objecten van kleur, vorm, structuur en textuur, en ook poëtische uitspraken over de mensheid en haar voortdurende ingreep in de natuur. (Oh, en niet dat het relevant is voor de kracht en aanwezigheid van zijn buitengewone kunst, maar Rower is ook toevallig de kleinzoon van Alexander Calder.)

Holton Rower - Installatiezicht bij VENUS LA: Het Idee is Erotischer Dan de Act, 2016, verf op spaanplaat (links), Victimless Crime Wave Referentie, 2016, verf op spaanplaat (midden), Ik Bid Dat Het Je Hoop Geeft, 2016, verf op spaanplaat (rechts), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Net als de Cubisten van de vroege 20e eeuw heeft de in Washington, D.C. geboren fotograaf Hannah Whitaker spannende esthetische paden naar de vierde dimensie ontdekt. Het klinkt ongelooflijk, maar haar foto's worden op de ouderwetse manier gemaakt: met niets anders dan een camera. Door strategisch te controleren welk deel van het negatief belicht wordt, construeert ze beelden stuk voor stuk, soms kost het meerdere dagen om een enkel negatief volledig te belichten. De resulterende beelden vangen de realiteit zoals deze in de loop van de tijd is verlopen terwijl ze door de ruimte beweegt. Door deze vierdimensionale dynamiek te combineren met formele abstracte beelden, heeft Whitaker een unieke esthetische propositie bereikt, die de fotografie vooruit helpt terwijl het ook de tijdloze waarde van de fundamenten ervan verklaart.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, archiefpigmentprint (links), en Broadside 1, 2014, archiefpigmentprint (rechts), © Hannah Whitaker

Ben Parker

Abstracte origami-kunstenaar Ben Parker richt zich op de daden van ontdekking en experimentatie. Voor sommigen ligt de opwinding van de oude kunst van origami in het getuige zijn van de figuur van een dier, een plant of een gebouw die tevoorschijn komt uit de ingewikkelde vouwen van een enkel vel papier. Voor anderen ligt de opwinding van origami in het potentieel voor wetenschappelijke ontdekking, aangezien het lijkt de fundamenten van het fysieke universum uit te drukken. Maar voor Parker ligt de opwinding in het ontdekken hoe de geometrische vouwtechnieken van origami kunnen worden gebruikt om abstracte vormen uit te lokken. Zijn complexe composities creëren ruimte terwijl ze deze innemen. Ze zijn zowel substantieel als etherisch. Ze ontstaan schijnbaar uit het niets, en hun betekenis is onzeker. Dat ze mooi zijn, is onbetwistbaar; en voor veel kijkers zijn ze ook onmiskenbaar diepgaand.

Ben Parker - Doorbroken Beveiliging, 2016, enkel vel papier, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

Het werk van de in Calgary geboren kunstenaar Ashleigh Bartlett is gebaseerd op de handelingen van ontkoppeling en constructie. Haar collage-schilderijen verkennen abstracte composities van kleur en vorm, opgebouwd uit lagen canvas, papier en verf. Haar gesneden werken bereiken sculpturale aanwezigheid, samengesteld uit dezelfde materialen als haar collage-schilderijen, maar zonder de oppervlaktesteun. Zoals Bartlett in deze werken presenteert, kunnen het uit elkaar halen en opnieuw samenstellen van dingen zowel worden gelezen als handelingen die onthullen, als handelingen die verbergen.

Ashleigh Bartlett - Verrassingsknipoog, 2017, canvas, papier en acryl op canvas (Links) en Snaggle, Olie op paneel, 2011 (Rechts), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

Multidisciplinaire kunstenaar Pello Artist werd in 1963 geboren in het Baskische gebied van Andoain, Gipuzkoa. Zijn werk staat aan de voorhoede van het hedendaagse esthetische onderzoek naar hoe objecten omgaan met ruimte. Zijn installaties bevatten vaak muurschilderingen die rechtstreeks op de muren van de tentoonstellingsruimte zijn geschilderd. Deze muurschilderingen voeren een formeel gesprek met zijn geconstrueerde objecten, waarbij ze de manieren demonstreren waarop kleuren, lijnen en vormen transfigurerend worden in vormen. Van groot belang voor Irazu is de voortdurende discussie over hoe kijkers interageren met esthetische objecten en hoe zij hun relatie met de ruimtes waarin dergelijke objecten zich bevinden, waarnemen.

Pello Irazu - Noli me tangere (wantrouwen) [Noli me tangere (de wantrouwen)], 2009, Giet- en gelaste aluminium stukken en schroeven (links), en Room Under, 1995, Multiplex, vinylverf, plakband en zeefdruk op spiegel (rechts) beide uit de collectie van de kunstenaar, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

De Iraanse kunstenaar Ramin Shirdel put uit zijn achtergrond in de architectuur om architectonische, optisch verblindende kunstwerken te creëren. Zijn sculpturale schilderijen reageren op veranderende lichtomstandigheden, waardoor schaduwen worden geworpen die de waarneming van hun illusoire vormen veranderen. Verborgen in de werken zijn poëtische Perzische woorden met betekenissen zoals liefde, waarheid, omhelzing, golf en meesterwerk. De concrete, formele kwaliteiten van de stukken bieden iets esthetisch objectiefs, terwijl de ephemere staat van het beeld de subjectieve betekenissen onderstreept die door de woorden worden overgebracht.

Ramin Shirdel - Aroos (Bruid), 2013, Gemengde techniek op houten bord, © Ramin Shirdel

Geniet van je vrienden

Voor alle praktische doeleinden is het medium van de in Brooklyn gevestigde kunstenaar Afruz Amighi metaal. Ze creëert uitgebreide, delicate structuren die lijken op de torenspitsen van kathedralen, de toppen van minaretten of de punten op de punt van een kroon. Maar haar verborgen medium is licht. Wanneer haar creaties door licht worden geraakt, komen ze tot leven, en trekken ze de aandacht naar de vluchtige glinsteringen op hun oppervlakken, terwijl ze tegelijkertijd dramatische, complexe netwerken van schaduwen op de omliggende oppervlakken werpen. Het werk spreekt poëtisch over wat zichtbaar wordt gemaakt en wat verborgen blijft wanneer alles verlicht is.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, installatiezicht, metaal, ketting, licht, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

De New Yorkse kunstenaar Artie Vierkant geeft een esthetische stem aan de ideeën van auteurschap en controle. Zijn doorlopende serie genaamd Image Objects houdt in dat de kunstenaar afbeeldingen van het internet haalt, deze in Photoshop aanpast en ze vervolgens gebruikt als oppervlakte-elementen voor abstracte objecten die hij construeert. Het is echter moeilijk om foto's online te vinden van zijn voltooide image objects, omdat Vierkant ook zijn expositie-opnamen in Photoshop aanpast, en die foto's noemt hij nieuwe werken op zich. Wie de originele bronafbeeldingen bezit, en dus mogelijk aanspraak kan maken op zijn aangepaste image objects of expositie-afbeeldingen, hangt af van hoe men naar intellectueel eigendom kijkt. Een punt dat Vierkant ook lijkt te maken, is dat de enige waarheid van het werk ligt in de fysieke aanwezigheid ervan: naar foto's van kunst online kijken is niet hetzelfde als kunst in het echt zien. Naast zijn Image Objects is Vierkant ook begonnen met het werken met gemalen Monsanto-zaden als artistiek medium. Maar één vraag die dit, en eigenlijk al zijn werk, oproept, is hoeveel belang kijkers zouden moeten hechten aan het achtergrondverhaal van de bronmaterialen die in een kunstwerk zijn gebruikt. Maakt het überhaupt iets uit? Of is de esthetische aanwezigheid van het kunstobject zelf het enige belangrijke? Hebben quasi-filosofische gesprekken iets te maken met kunst? Zijn ze onderdeel van de kunst? Vierkant doet zijn best om deze vragen op een esthetisch interessante manier te stellen.

Artie Vierkant - Photoshop-installatiezicht (links), en Plant expressieconstructies 2, Soja MON89788, TO, Exploit (rechts), © Artie Vierkant

GekC

Voormalige tiener-graffiti-artiest Claudia Walde, beter bekend als MadC, transformeert de manier waarop de wereld van de beeldende kunst omgaat met straatartiesten. MadC heeft twee diploma's in grafisch ontwerp en heeft talloze boeken geschreven. Ze is ook wereldberoemd als muurschilder, een veld waarin ze een onderscheidende en visueel verbluffende esthetische positie heeft ontwikkeld. Ze is onlangs begonnen haar visuele taal te evolueren naar een vorm die zich vertaalt naar formele, interieur tentoonstellingsruimtes. Ze heeft verbluffende installaties gecreëerd en ook tentoonstellingen gehouden van haar doeken, gemaakt met transparante spuitverflagen die de onderliggende lagen laten doorschijnen. Ze heeft haar werk zelfs vertaald naar modeobjecten, zoals schoenen.

MadC - Thuis, zoet thuis, 2016, installatie, © MadC

Uitgelichte afbeelding: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acryl, olie en collage op papier gemonteerd op canvas, foto credits Ameringer McEnery Yohe, New York
Door Phillip Barcio