En ny bok feirer Alice Trumbull Mason, pioner innen amerikansk abstraksjon
Alice Trumbull Mason var en sjeldenhet innen kunstfeltet: en standhaftig utøver drevet utelukkende av ønsket om å lære. Mason døde i 1971, 67 år gammel, og etterlot seg hundrevis av malerier og trykk som plasserer henne blant de mest fremsynte og talentfulle kunstnerne i sin tid. Immun mot trender, og uavbrutt hengiven til eksperimentering, skapte hun et kunstnerskap som overskrider tid. En stor monografi som dokumenterer mer enn 150 av hennes malerier, og som inneholder innsiktsfulle essays om Mason av samtidige kunstskribenter som Elisa Wouk Almino fra Hyperallergic, kommer snart fra Rizzoli Electa forlag i New York (den kan forhåndsbestilles nå). Den mest fullstendige vurderingen av hennes karriere til dags dato, vil den bli verdsatt for sine vakre, helsides gjengivelser av så mange av hennes verk. Likevel er mottakelsen boken allerede får litt merkelig. Merkeligheten kommer til uttrykk i overskriften på en nylig anmeldelse skrevet av Roberta Smith for New York Times, som kaller Mason en «Glemt modernist.» Påstanden om at Mason ikke ble verdsatt i sin tid, eller har blitt oversett siden hennes død, er mindre fakta og mer overdrivelse for å tilfredsstille kunstmarkedets appetitt på verk og kunstnere som angivelig har blitt «oversett.» Jeg avviser det som en teori i dette tilfellet bare fordi jeg kjenner altfor mange faktiske kunstnere som eksisterer i det virkelige kunstfeltet. De fleste kunstnere ville elsket å ha den karrieren Alice Trumbull Mason hadde. I løpet av over fire tiår hadde hun seks separatutstillinger i New York City, var medgrunnlegger av American Abstract Artists, ble venn med og lærte av flere av de mest anerkjente kunstnerne i sin tid, og solgte verk til noen av de mest innflytelsesrike skikkelsene i kunstverdenen, inkludert Hilla Rebay og Peggy Guggenheim. I en virkelighet hvor det overveldende flertallet av kunstnere aldri har en eneste separatutstilling i New York, og aldri selger noen malerier i det hele tatt, var Mason en stor suksess. I stedet for å la kunstmarkedet forvrenge hennes arv for å passe sin korrupte fortelling, bør vi vise respekt for det Mason faktisk gjorde.
En personlig kunsthistorie
Et vitnesbyrd om hvilken type kunstner Alice Trumbull Mason var, finnes i Smithsonian Archives of American Art, hvor hennes personlige papirer ble donert. Samlingen inkluderer en notatbok, hvorpå Mason for hånd skrev «History of Art» på omslaget. Inne i sidene (som er tilgjengelige for å bla i på nettet) finnes personlige refleksjoner om livene og kunstverkene til et par dusin klassiske mestere. I stedet for å lese og gjengi kunsthistorie, dro Mason til Europa og besøkte personlig innflytelsesrike verk, og tok seg tid til også å lære om menneskene som laget dem. Hennes personlige kunsthistoriebok inneholder både plastiske observasjoner og innsikter om kunstnernes indre liv. Begge deler er like avslørende. For eksempel bemerker hun at Michelangelo ikke ønsket å male Det sixtinske kapell, og at han også hadde bitterhet mot mange av sine andre oppdragsgivere. Det faktum at han ble en av de mest berømte kunstnerne noensinne var irrelevant for Mason — hun var mer interessert i at han var ulykkelig fordi han ikke hadde friheten til å male det han ønsket.
Alice Trumbull Mason - #1 Mot et paradoks, 1969. Oljemaleri på lerret. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Gallery, New York.
Om plastisiteten i kunsten bemerker Mason et sitat av renessanseskulptøren Donatello, som sa: «Du mister substansen for skyggens skyld.» I hans tilfelle snakket Donatello om effektene av dristige endringer i lys og mørke, kjent som chiaroscuro. Selv om detaljene i en figur kan gå tapt når lyset treffer foldene i et skulpturert stoff, eller åsene i skulpturerte muskler, oppstår drama og realisme fra den oppfattede dybdefølelsen som skyggen skaper. Mason leste noe enda mer dypt i hans ord. Hun så i dette sitatet en henvisning til abstraksjonens potensial. Skyggen ble en metafor for det ukjente. Akkurat som det ukjente fikk en skulptur til å virke virkelig for Donatello, representerte det ukjente det mest virkelige for Mason. Hun anså abstrakt kunst som den mest representative typen kunst — det var det ukjente, i stedet for det kjente, hun arbeidet for å fremstille.
Alice Trumbull Mason - Uten tittel, ca. 1939. Oljemaleri på lerret. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Gallery, New York.
En fullstendig pioner
biomorfismen til kunstnere som Wassily Kandinsky, Joan Miró og en av hennes personlige mentorer, Arshile Gorky, og den geometriske, plastiske renheten til kunstnere som Piet Mondrian. Hun vekslet mellom disse to posisjonene gjennom hele livet. I 1945, da Hilla Rebay arrangerte The Kandinsky Memorial Exhibition, som viste 227 malerier, skrev Mason et personlig brev til Rebay hvor hun takket for muligheten til «å studere så grundig» så mye av hans arbeid personlig. Likevel, bare ett år senere, la Mason allerede til rektangler, og det hun kalte «arkitektonisk» struktur, i sine komposisjoner i Neo-Plastisk ånd etter Mondrian.
Alice Trumbull Mason - Tegning til «Colorstructive Abstraction», 1947. Oljemaling på masonitt. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Gallery, New York.
Til syvende og sist holdt Mason fast ved to ledende prinsipper i sitt arbeid som overskygget alle overfladiske bekymringer om innhold. Det første var hennes tro — enten hun laget malerier eller trykk, biomorfe komposisjoner eller geometriske — på viktigheten av personlig frihet når det gjelder hva slags kunst man skal lage, og hvordan man skal lage den. Det andre var hennes bevissthet om at selve materialet er det viktigste og mest uttrykksfulle elementet i abstrakt kunst. Som alle store kunstnere ligger magien i hennes arbeid ikke i hennes utstillings-CV, ei heller i auksjonsprisene, eller i hvor mange samtidige samlere som nå kjenner navnet hennes — den ligger i den ekfrastiske plastisiteten i selve malingen.
Fremhevet bilde: Alice Trumbull Mason - Staff, Distaff and Rod, 1952. Oljemaleri på lerret. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Gallery, New York.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
