En ny bok feirer Alice Trumbull Mason, pioner innen amerikansk abstraksjon
Alice Trumbull Mason var en sjeldenhet innen kunstfeltet: en hardbarket utøver motivert utelukkende av ønsket om å lære. Mason døde i 1971, 67 år gammel, og etterlot seg hundrevis av malerier og trykk som plasserer henne blant de mest forutseende og talentfulle kunstnerne i sin tid. Immun mot trender, og utrettelig dedikert til eksperimentering, skapte hun et kunstnerisk verk som overskrider tid. En stor monografi som dokumenterer mer enn 150 av hennes malerier, og som inneholder innsiktsfulle essays om Mason av samtidskunstforfattere som Elisa Wouk Almino fra Hyperallergic, er på vei fra Rizzoli Electa forlag i New York (den kan forhåndsbestilles nå). Den mest komplette vurderingen av hennes karriere til dags dato, vil bli verdsatt for sine vakre, helsides reproduksjoner av så mange av hennes verk. Likevel er mottakelsen boken allerede får litt merkelig. Merkeligheten er legemliggjort av overskriften på en nylig anmeldelse skrevet av Roberta Smith for New York Times, som kaller Mason en "Glemt modernist." Den påstanden, at Mason ikke ble verdsatt i sin tid, eller har blitt ignorert siden hennes død, er mindre fakta, og mer hyperbol for å tilfredsstille kunstmarkedets appetitt på verk og kunstnere som angivelig har blitt "oversett." Jeg avviser det som en teori i dette tilfellet bare fordi jeg kjenner for mange faktiske kunstnere som eksisterer i det virkelige kunstfeltet. De fleste kunstnere ville elske å ha karrieren Alice Trumbull Mason hadde. I løpet av over fire tiår hadde hun seks separatutstillinger i New York City, var medstifter av American Abstract Artists, ble venn med og lærte av flere av de mest anerkjente kunstnerne i sin tid, og solgte verk til noen av de mest innflytelsesrike figurene i kunstverdenen, inkludert Hilla Rebay og Peggy Guggenheim. I en virkelighet der det overveldende flertallet av kunstnere aldri har en eneste separatutstilling i New York, og aldri selger noen malerier i det hele tatt, var Mason en strålende suksess. I stedet for å la kunstmarkedet forvrenge hennes arv for å passe inn i sin korrupte narrativ, bør vi vise respekt for hva Mason faktisk gjorde.
En personlig historie om kunst
Et bevis på hvilken type kunstner Alice Trumbull Mason var, kan finnes i Smithsonian Archives of American Art, hvor hennes personlige papirer ble donert. Samlingen inkluderer en notatbok, på omslaget av hvilken Mason håndskrev "Kunsthistorie." Inne i sidene (som er tilgjengelige for å bla gjennom på nettet) finnes personlige refleksjoner om livene og kunstverkene til et par dusin klassiske mestere. I stedet for å lese og gjengi kunsthistorie, dro Mason til Europa og besøkte personlig innflytelsesrike verk, og tok seg tid til også å lære om menneskene som laget dem. Hennes personlige kunsthistoriebok inkluderer både plastiske observasjoner og innsikter om kunstnernes indre liv. Begge er like avslørende. For eksempel bemerker hun at Michelangelo ikke ønsket å male Det sixtinske kapell, og at han også mislikte mange av sine andre beskyttere. Det faktum at han ble en av de mest kjente kunstnerne noensinne, var irrelevant for Mason – hun var mer interessert i det faktum at han var ulykkelig fordi han ikke hadde friheten til å male det han ønsket.
Alice Trumbull Mason - #1 Mot et paradoks, 1969. Olje på lerret. 19 x 22 tommer (48,3 x 55,9 cm). Washburn Gallery, New York.
Når det gjelder plastisiteten i kunst, bemerker Mason et sitat fra renessanseskulptøren Donatello, som sa: "Du mister substansen for skyggen." I hans tilfelle snakket Donatello om effektene av dristige endringer i lyshet og mørkhet, kjent som chiaroscuro. Selv om detaljene i en figur kan gå tapt når lyset treffer foldene i et skulpturert stoff, eller ryggen av skulpturerte muskler, oppstår drama og realisme fra den oppfattede dybden som skyggen skaper. Mason leste noe enda mer dyptgående i hans ord. Hun så i dette sitatet en referanse til potensialet for abstraksjon. Skyggen ble en metafor for det ukjente. Akkurat som det ukjente fikk en skulptur til å virke ekte for Donatello, representerte det ukjente det mest virkelige for Mason. Hun anså abstrakt kunst som den mest representative typen kunst – det var det ukjente, i stedet for det kjente, som hun jobbet for å representere.
Alice Trumbull Mason - Uten tittel, ca. 1939. Olje på lerret. 30 x 40 tommer (76,2 x 101,6 cm). Washburn Gallery, New York.
En total pioner
Tittelen på den kommende Mason-monografien—Alice Trumbull Mason: Pioner for amerikansk abstraksjon—kunne ikke vært mer passende. For meg minner det om det gamle amerikanske ordtaket fra de tidlige dagene av vestlig ekspansjon: "Pionerer blir slaktet; nybyggere blir rike." Kunst har kanskje aldri gjort Mason rik, men det du finner innen sidene av denne monografien er bevis på en kunstner som aldri slo seg til ro. Så tidlig som i 1929, da hun var 25 år gammel, var Mason dedikert til de sekulære åndelige mulighetene som finnes i abstrakt kunst. Hun studerte gladelig motstridende teorier, og vekslet mellom den lyriske biomorfismen til kunstnere som Wassily Kandinsky, Joan Miro, og en av hennes personlige mentorer, Arshile Gorky, og den geometriske, plastiske renheten til kunstnere som Piet Mondrian. Hun vekslet mellom disse to posisjonene gjennom hele livet. I 1945, da Hilla Rebay arrangerte The Kandinsky Memorial Exhibition, som inneholdt 227 malerier, skrev Mason et personlig brev til Rebay der hun takket henne for å gi henne muligheten "til å studere så fullt" så mye av hans arbeid personlig. Likevel, bare ett år senere, begynte Mason allerede å legge til rektangler, og det hun kalte "arkitektonisk" struktur, til sine komposisjoner i Neo-Plastisk ånd av Mondrian.
Alice Trumbull Mason - Tegning for "Colorstructive Abstraction", 1947. Olje på masonitt. 26 1/2 x 23 tommer (67,3 x 58,4 cm). Washburn Gallery, New York.
Til syvende og sist holdt Mason fast ved to veiledende prinsipper i sitt arbeid som overskygget enhver overfladisk bekymring om innhold. Det første var hennes tro—uansett om hun laget malerier eller trykk, biomorfe komposisjoner eller geometriske—på viktigheten av personlig frihet når det gjelder hva slags kunst hun skulle skape, og hvordan hun skulle skape den. Og det andre var hennes bevissthet om at mediet i seg selv er det viktigste og mest uttrykksfulle elementet i abstrakt kunst. Som alle store kunstnere ligger magien i hennes arbeid ikke i hennes utstillings-CV, ikke i auksjonsprisene hennes, og ikke i hvor mange samtidskunstsamlere som nå kjenner navnet hennes—den ligger i den ekfrastiske plastisiteten til malingen selv.
Fremhevet bilde: Alice Trumbull Mason - Stab, Spinnestokk og Stang, 1952. Olje på lerret. 34 3/8 x 42 tommer (87,3 x 106,7 cm). Washburn Gallery, New York.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio
