Abstrakte tilnærminger i moderne italiensk kunst

De fleste som studerer historien om italiensk kunst lærer om de klassiske mesterne fra høyrenessansen og barokken, som Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael og Caravaggio. Færre hører om moderne italienske kunstretninger som Arte Povera og spatialisme, eller samtidige italienske mestere som Ettore Spalletti. For å forstå hele historien om italiensk kunst er det viktig å studere de mange måtene italienske kunstnere har bidratt til modernismen på. Noen italienske modernistiske bevegelser har vært figurative, som Arte Nucleare, som tok opp de grusomme sidene ved atomkraft etter andre verdenskrig, og Transavantgarde, en italiensk versjon av neo-ekspresjonismen som oppstod på 1970-tallet. Og minst én italiensk modernistisk bevegelse, Novecento Italiano, var tilbakeskuende, og omfavnet fascismen og gikk inn for en tilbakevending til gamle, realistiske, klassiske stiler. Men Italia har også vært fødested for flere abstrakte modernistiske kunstretninger som har formet internasjonal samtidskunst på dyptgripende måter. Selv om listen over kunstnere knyttet til disse bevegelsene kan være for lang til å dekke i én artikkel, er her en innledende oversikt over noen av de viktigste abstrakte, moderne italienske kunstretningene, og noen av kunstnerne som bidro til å definere dem.

Italiensk futurisme

På en landevei utenfor Milano i 1909 kjørte Filippo Tommaso Marinetti bilen sin i grøfta etter å ha svingt for å unngå en syklist. Marinetti ble rasende over hendelsen. Han mislikte den langsomme sykkelen. Han var fanatisk opptatt av fart og kraft og mente at veiene burde tilhøre maskinene i den nye tid. Han var en del av den frimodige generasjonen unge italienske kunstnere som snart skulle bli kjent som futuristene.

Etter bilulykken skrev Marinetti et essay som ble publisert i aviser i Italia og Frankrike. Det ble kjent som futuristmanifestet og beskrev med lidenskap frustrasjonen disse unge kunstnerne følte under historiens tyngde. Det talte om ønsket om å «frigjøre Italia fra dens gangren av professorer, arkeologer, guider og antikvariske samlere.» Det fremmet mekanisk kraft, vold og krig, og foreslo at moderne kunstnere burde omfavne den nye industrialiserte verden og ødelegge alle tradisjoner og institusjoner fra fortiden.

Umberto Boccioni - Unike former for kontinuitet i rommet, 1913, to synsvinkler

Italiensk futuristisk kunst

I kunsten sin forsøkte de italienske futuristene å skildre bevegelse og fart. De viste byens kaos og visjoner om en raskt og voldsomt forandrende verden. Et sentralt prinsipp i italiensk futurisme var kjent som dynamisme, eller den samlede opplevelsen av fart, bevegelse og lyd. Giacomo Balla var en av mesterne i dynamisme. Hans tidlige forsøk på teknikken var figurative, men stilen hans ble raskt mer abstrakt etter hvert som han utviklet seg til å uttrykke dynamisme gjennom maleriets formale kvaliteter som farge, linje og form. Et sentralt eksempel er maleriet Abstrakt fart + lyd fra 1914.

Umberto Boccioni var en annen futuristisk mester i dynamisme. Som en dyktig maler skapte Boccioni et av de mest kjente futuristiske maleriene, kalt Byen reiser seg. Men etter hvert ble han interessert i utfordringen med å fremstille det han kalte «rekkefølge», eller følelsen av bevegelse gjennom fysisk rom, i tredimensjonalt rom. Han realiserte dette mest kjent i sin abstrakte skulptur Unike former for kontinuitet i rommet, laget i 1913.

Lucio Fontana - Romkonsept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spatialisme

En generasjon etter futuristene startet den neste store italienske abstrakte modernistiske kunstbevegelsen, initiert av en kunstner ved navn Lucio Fontana. Opprinnelig fra Argentina var Fontana først og fremst opptatt av å uttrykke rommets egenskaper og essens. Han var fascinert av hvordan form kunne fylle rom, inneholde rom og åpne opp for rom. Han omtales ofte som maler siden hans mest kjente verk henger på veggen. Men Fontana var opprinnelig utdannet som billedhugger, og han anså sine såkalte malerier som noe som trosset definisjonen av todimensjonal kunst.

I 1946 skrev han et essay kalt Det hvite manifest, som åpent krevde en slutt på tradisjonelle definisjoner av to- og tredimensjonal kunst. Han oppfordret i stedet til syntese i kunsten. I manifestet beskrev Fontana hvordan tradisjonelle «statiske» definisjoner av kunst som maleri og skulptur ikke lenger var tilstrekkelige for en tid dominert av «det dynamiske prinsippet om bevegelse gjennom tid og rom.» Gjennom dette transformative synet skapte Fontana mange nyvinninger. Han laget noen av de første eksemplene på installasjonskunst, og på slutten av 1940-tallet nådde han sitt høydepunkt da han begynte å lage lerreter som han deretter skar i med kniv. Hans verk Concetto spaziale – Attesa, et monokromt rødt lerret med et enkelt knivsnitt gjennom midten, regnes som selve symbolet på spatialistisk tenkning, da det lykkes i å skape form ut av rom.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Arte Povera

En av de mest omveltende abstrakte modernistiske kunstbevegelsene på 1900-tallet oppstod i Italia på 1960-tallet. Den het Arte Povera, eller fattig kunst, på grunn av tendensen hos utøverne til å bruke vanlige materialer og hverdagslige motiver. Bevegelsen vokste opprinnelig fram som motstand mot andre modernistiske kunstretninger som minimalisme, som la vekt på industrielle prosesser og forsøkte å fjerne kunstnerens personlighet fra verket. Kunstnerne knyttet til Arte Povera ønsket å knytte kunsten tilbake til hverdagslivet.

For å knytte seg til det trivielle, det banale og det dagligdagse forsøkte disse kunstnerne å skape unike øyeblikk av samspill mellom kunstobjektene de laget og betrakterne som møtte dem. De laget kunst som, selv om den var abstrakt, formidlet enkle og direkte budskap. De brukte lett forståelige, naturlige, taktile, førindustrielle materialer som tau, jord, stoff og til og med avføring. Midt i samtidige kunstretninger som var viet til å fjerne følelser og individualitet fra kunsten, understreket disse kunstnerne viktigheten av menneskeligheten både hos kunstneren og betrakteren, og inviterte åpent publikum til å samhandle direkte med kunsten deres.

Pino Pascali - Børstemark

Kunstnerne i Arte Povera

Piero Manzoni regnes som faren til Arte Povera, selv om han døde 29 år gammel i 1963, før han kunne delta i de store utstillingene. Gjennom sitt arbeid ødela Manzoni illusjonen om at kunst og liv er adskilt ved å involvere betrakterne direkte i kunsten sin. I et verk kalt Forbruk av dynamisk kunst av det kunstspisende publikum «signerte» Manzoni hardkokte egg med tommelavtrykket sitt og inviterte betrakterne til å spise eggene. I et verk kalt Magisk sokkel (dansk for magisk hylle) inviterte han betrakterne til å delta ved å stå på en sokkel, og forvandlet dem til levende skulpturer.

Andre Arte Povera-kunstnere involverte ikke publikum direkte, men laget verk som var bevisst utformet for å antyde samspill med betrakteren. Pino Pascali skapte store børstemark, som var marklignende skulpturer laget av børste børster som betrakterne ble oppmuntret til å ta på. Og i 1965 uttrykte Michelangelo Pistoletto kanskje den perfekte foreningen av kunst og hverdagsliv. Hans verk Struktur for samtale mens man står (minus gjenstander) besto av et rekkverk installert i et galleri som betrakterne kunne lene seg på og sette foten på mens de snakket.

Michelangelo Pistoletto - Struktur for samtale mens man står (minus gjenstander)

Samtidskunst i moderne italiensk kunst

I dag lever tradisjonene fra italiensk modernisme i beste velgående. Ettore Spalletti er en av de ledende abstrakte kunstnerne som arbeider i Italia i dag. Han er løst knyttet til kjerneideene i Arte Povera, selv om hans arbeid er tydelig forskjellig fra de fleste i den gruppen. Som en tverrfaglig kunstner lager Spalletti gjenstander som handler om fargens essens. Han arbeider i en møysommelig prosess som innebærer påføring av flere lag håndlaget maling til fargens grunnleggende natur viser seg. Det er i det flyktige øyeblikket når fargen endelig trer fram at han stopper prosessen.

Gjenstandene Spalletti lager utstråler en eterisk glød. De virker som fangede øyeblikk fra en soloppgang eller lysglimt på vannets overflate frosset i tid. I tillegg til å vise verkene sine i gallerier og museer, har Spalletti også skapt hele interiørmiljøer på steder som et likhus og et kapell. Kanskje er det fra slike uttrykk, som knytter seg til hverdagslivet, at han fortsetter sin tilknytning til Arte Povera. Men Spalletti er også en unik stemme i italiensk samtidsabstrakt kunst. Han og hans mange samtidige i det italienske abstrakte kunstmiljøet i dag har en forbindelse til hver av de innflytelsesrike italienske kunstbevegelsene fra fortiden. Og viktigst av alt, som sine forgjengere, fortsetter de å holde tradisjonen levende med å plassere italiensk kunst i fronten for nyskapende modernistisk tenkning.

Utvalgt bilde: Giacomo Balla - Abstrakt fart + lyd, 1913-1914. Oljemaleri på ubehandlet papp i kunstnerens malte ramme. 54,5 x 76,5 cm. The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venezia, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio