Abstrakte tilnærminger i moderne italiensk kunst

De fleste som studerer historien om italiensk kunst, lærer om de klassiske mesterne fra høyrenessansen og barokkperiodene, som Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Caravaggio. Færre hører om moderne italienske kunstbevegelser som Arte Povera og spatialisme, eller samtidskunstnere som Ettore Spalletti. For å forstå den fulle historien om italiensk kunst, er det essensielt å studere de mange måtene italienske kunstnere har bidratt til modernismen. Noen italienske modernistiske bevegelser har vært figurative i natur, som Arte Nucleare, som konfronterte skrekkene ved atomkraft i etterkant av andre verdenskrig, og Transavantgarde, en italiensk versjon av neo-ekspresjonisme som oppsto på 1970-tallet. Og minst én italiensk modernistisk bevegelse, Novecento Italiano, var regresiv, omfavnet fascisme og forkynte en tilbakevending til gamle, realistiske, klassiske stiler. Men Italia har også vært fødestedet for flere abstrakte modernistiske kunstbevegelser som har formet internasjonale samtidskunsttrender på dype måter. Selv om listen over kunstnere knyttet til disse bevegelsene kan være for lang til å dekke i én artikkel, her er en begynnende primer på noen av de viktigste abstrakte, moderne italienske kunstbevegelsene, og noen av kunstnerne som bidro til å definere dem.

italiensk futurisme

På en landevei utenfor Milano i 1909, krasjet Filippo Tommaso Marinetti bilen sin i en grøft etter å ha svingt for å unngå en syklist. Marinetti ble rasende over hendelsen. Han mislikte den saktegående sykkelen. Han var fanatisk opptatt av fart og kraft og mente at veiene burde tilhøre maskinene i den nye tiden. Han var en del av den dristige generasjonen av unge italienske kunstnere som snart ville bli kjent som futuristene.

Etter bilulykken skrev Marinetti et essay som ble publisert i aviser i Italia og Frankrike. Det ble kjent som Futuristmanifestet og beskrev i lidenskapelig detalj frustrasjonen disse unge kunstnerne følte under vekten av historien. Det handlet om å ønske å “frigjøre Italia fra sin gangren av professorer, arkeologer, guider og antikvitetshandlere.” Det fremmet mekanisk kraft, vold og krig, og antydet at moderne kunstnere burde omfavne den nye industrialiserte verden og ødelegge alle tradisjoner og institusjoner fra fortiden.

Umberto Boccioni - Unike former for kontinuitet i rommet, 1913, to utsikter

Italiensk futuristisk kunst

I kunsten sin forsøkte de italienske futuristene å skildre bevegelse og hastighet. De skildret kaoset i byen og visjoner av en raskt og voldsomt foranderlig verden. Et sentralt prinsipp i italiensk futurisme var kjent som Dynamisme, eller den kombinerte opplevelsen av hastighet, bevegelse og lyd. Giacomo Balla var en av mesterne innen Dynamisme. Hans tidlige forsøk med teknikken var figurative, men stilen hans ble raskt mer abstrakt ettersom han utviklet seg for å adressere Dynamisme gjennom de formelle kvalitetene i maleri som farge, linje og form. Et sentralt eksempel er maleriet Abstract Speed + Sound, fra 1914.

Umberto Boccioni var en annen futuristisk mester av dynamikk. En dyktig maler, Boccioni skapte et av de mest kjente futuristiske maleriene, kalt The City Rises. Men over tid ble han interessert i utfordringen med å presentere det han kalte "følgesvenn", eller følelsen av bevegelse gjennom fysisk rom, i tredimensjonalt rom. Han realiserte dette målet mest berømt i sin abstrakte skulptur Unique Forms of Continuity in Space, laget i 1913.

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spatialisme

En generasjon etter futuristene begynte den neste store italienske abstrakte modernistiske kunstbevegelsen, initiert av en kunstner ved navn Lucio Fontana. Opprinnelig fra Argentina, var Fontana primært interessert i å uttrykke kvalitetene og essensen av rom. Han var fascinert av hvordan form kunne okkupere rom, inneholde rom og åpne opp for tilgang til rom. Han blir ofte omtalt som en maler siden hans mest kjente verk henger på veggen. Men Fontana var opprinnelig utdannet som skulptør, og han anså sine såkalte malerier for å utfordre definisjonen av todimensjonal kunst.

I 1946 skrev han et essay kalt Det hvite manifest, som åpent oppfordret til en slutt på tradisjonelle definisjoner av to- og tredimensjonal kunst. Han oppmuntret i stedet til syntese i kunsten. I sitt manifest beskrev Fontana hvordan tradisjonelle "statiske" definisjoner av kunst som maleri og skulptur ikke lenger var tilstrekkelige for en tid dominert av "det dynamiske prinsippet om bevegelse gjennom tid og rom.” Gjennom dette transformative synet skapte Fontana mange innovasjoner. Han laget noen av de første eksemplene på installasjonskunst, og på slutten av 1940-tallet oppnådde han den ultimate manifestasjonen av sin tenkning da han begynte å bygge lerreter som han deretter kuttet i med en kniv. Hans verk Concetto spaziale – Attesa, et monokromt rødt lerret med et enkelt knivsnitt gjennom midten av det, anses som selve essensen av Spatialistisk tanke, da det lykkes i å skape form ut av rom.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Dårlig kunst

En av de mest transformative abstrakte modernistiske kunstbevegelsene på 1900-tallet oppsto i Italia på 1960-tallet. Den ble kalt Arte Povera, eller fattig kunst, på grunn av tendensen blant utøverne til å stole på vanlige materialer og hverdagslige emner. Bevegelsen vokste opprinnelig ut av motstand mot andre modernistiske kunstretninger som Minimalisme, som la vekt på industrielle prosesser og prøvde å fjerne kunstnerens personlighet fra verket. Kunstnerne knyttet til Arte Povera ønsket å gjenknytte kunsten til hverdagslivet.

For å knytte seg til det hverdagslige, det banale og det dagligdagse, forsøkte disse kunstnerne å skape unike øyeblikk av interaksjon mellom kunstobjektene de laget og betrakterne som møtte dem. De laget kunst som, selv om den var abstrakt, formidlet enkle, direkte budskap. De brukte lettfattelige, naturlige, taktile, pre-industrielle materialer som tau, jord, stoff og til og med avføring. Midt i samtidige kunstbevegelser dedikert til å eliminere følelser og individualisme fra kunsten, understreket disse kunstnerne viktigheten av menneskeligheten til både kunstneren og betrakteren, og inviterte åpent publikum til å interagere direkte med kunsten deres.

Pino Pascali - Bustormormer

Kunstnerne i Arte Povera

Piero Manzoni regnes som faren til Arte Povera, selv om han døde i en alder av 29 år i 1963, før han kunne bli inkludert i de store utstillingene. Gjennom sitt arbeid ødela Manzoni illusjonen om at kunst og liv er separate ved å involvere seerne direkte med kunsten sin. I et verk kalt Forbruk av dynamisk kunst av det kunstspisende publikum, "signerte" Manzoni hardkokte egg med fingeravtrykket sitt og inviterte deretter seerne til å spise eggene. I et verk kalt Magisk Sokkel, nederlandsk for Magic Shelf, inviterte han seerne til å delta ved å stå på en sokkel, og forvandlet dem til levende skulpturer.

Andre Arte Povera-kunstnere involverte ikke publikum direkte, men skapte heller verk som var bevisst designet for å antyde interaksjon med betrakteren. Pino Pascalo laget storskala Bristleworms, som var ormelignende skulpturer laget av bustebørster som betrakterne ble oppfordret til å ta på. Og i 1965 uttrykte Michelangelo Pistoletto det som kanskje er den perfekte iterasjonen av ekteskapet mellom kunst og hverdagsliv. Hans verk Structure for Talking While Standing (Minus Objects) besto av et rekkverk installert i et galleri hvor betrakterne kunne lene seg og sette foten mens de snakket.

 Michelangelo Pistoletto - Struktur for å snakke mens man står (uten objekter)

Samtidig moderne italiensk kunst

I dag er tradisjonene fra italiensk modernisme levende og velfungerende. Ettore Spalletti er en av de ledende abstrakte kunstnerne som arbeider i Italia i dag. Han er løst assosiert med de grunnleggende ideene til Arte Povera, selv om hans arbeid er ganske forskjellig fra de fleste medlemmene av den gruppen. Som en tverrfaglig kunstner lager Spalletti objekter som omhandler essensen av farge. Han engasjerer seg i en arbeidskrevende prosess som involverer påføring av flere lag med håndlaget maling inntil den essensielle naturen av fargen han søker, avslører seg selv. Det er i det flyktige øyeblikket når fargen endelig dukker opp at han stopper prosessen.

Objektene Spalletti lager projiserer en eterisk lysstyrke. De virker som fangede øyeblikk fra en soloppgang eller glimt av lys fra overflaten av vann fryst i tid. I tillegg til å vise verkene sine i gallerier og museer, har Spalletti også skapt hele interiørmiljøer på steder som et likhus og et kapell. Kanskje er det fra slike uttrykk, som relaterer til hverdagslivet, at han fortsetter sin tilknytning til Arte Povera. Men Spalletti er også en unik stemme i italiensk samtidsabstrakt kunst. Han og hans mange samtidige i det italienske abstrakte kunstmiljøet i dag nyter en forbindelse med hver av de innflytelsesrike italienske kunstbevegelsene fra fortiden. Og viktigst av alt, som sine forgjengere, fortsetter de å holde tradisjonen i live med å plassere italiensk kunst i forkant av nyskapende modernistisk tenkning.

Fremhevet bilde: Giacomo Balla - Abstract Speed + Sound, 1913-1914. Olje på ubehandlet millboard i kunstnerens malte ramme. 21 1/2 x 30 1/8 tommer (54,5 x 76,5 cm). Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venezia, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio