Kutting av lerretet - Historien om Lucio Fontana

Abstrakt kunst skaper spørsmål, ikke svar. Dermed inviterer den til angrep. Ikke alle liker spørsmål. Folk ønsker ofte fra kunst bare komfort og skjønnhet. Men mange abstrakte kunstnere er ikke dekoratør-trøstere så mye som filosof-vitenskapsmenn: mennesker som søker å oppleve og tolke universet, ikke bare pynte det. Lucio Fontana var en slik kunstner. Som grunnlegger av en revolusjonerende teknikk kalt Spazialismo, eller Spatialisme, var Fontana dypt opptatt av de praktiske måtene å lage kunst som konfronterte de mystiske egenskapene til rom. Han var nysgjerrig på hvordan former befant seg i rommet, hvordan de kunne inneholde rom, og hvordan rom kunne skapes ved å eliminere masse. Han var spesielt fascinert av hvordan et hull i en form kunne skape et tomrom gjennom hvilket opplevelsen av rom kunne utvides. Men Spazialismo var ikke bare begrenset til slike akademiske spørsmål. Som Fontana sa i 1967, med henvisning til det faktum at mennesker da rutinemessig reiste ut i verdensrommet med raketter, “Nå i rommet er det ikke lenger noen måling. Nå ser du uendelighet…her er tomrommet, mennesket er redusert til ingenting…Og min kunst er også basert på denne renheten, på denne filosofien om ingenting, som ikke er en destruktiv ingenting, men en kreativ ingenting.”

Lucio Fontana og tverrfaglig kunst

Det er en historisk feil at Lucio Fontana for det meste omtales som maler. Han var utdannet som skulptør. Han ble født i Argentina i 1899 av en far som var skulptør og som først lærte Lucio det grunnleggende i sitt håndverk. Etter tiår med arbeid sammen med faren, flyttet Lucio til Milano i 1927 og meldte seg inn som skulpturstudent ved Brera-akademiet. Han hadde sin første skulpturutstilling i en galleri i Milano da han var 31 år gammel. Han omtalte seg selv som en abstrakt skulptør, og han ble med i kunstnerforeningen Abstraction-Création i 1935, og på 1940-tallet returnerte han til Argentina hvor han underviste i skulptur og fortsatte å lage tredimensjonale verk.

I sannhet arbeidet Fontana nesten utelukkende i skulpturens medium frem til 1948. Og selv da, da han begynte å lage objekter som lignet malerier, insisterte han på at de ikke var malerier, men snarere "en ny ting innen skulptur." Men selv om, hvis vi skulle være tro mot Fontanas fulle intensjoner som kunstner, ville vi ikke kalle ham en skulptør heller. Vi ville ganske enkelt kalle ham en kunstner, og kanskje en utforsker av rom.

Lucio Fontana - Figur i speilet. Keramikk. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Det hvite manifestet

I 1946 hadde Fontana kommet til den beslutningen at definisjonene av skulptur og maleri ikke lenger var tilstrekkelige til å imøtekomme den teoretiske naturen av hans arbeid. Han ledet en gruppe kunstnere og studenter i opprettelsen av det han kalte White Manifesto, det første av flere dokumenter Fontana ville hjelpe til med å skrive som han håpet ville adressere behovet for en ny tilnærming til kunst. White Manifesto rettet oppmerksomheten mot behovet for at kunst skulle være i tråd med andre intellektuelle bestrebelser i samtiden. Det påpekte at nylige vitenskapelige og filosofiske utviklinger var fokusert på ideen om syntese, at forskjellige ideer burde kombineres for å danne et enhetlig synspunkt.

Fontana fremmet en lignende "syntetisk" tilnærming til skapelsen av kunst, en som ville syntetisere det han kalte de "tradisjonelle 'statiske' kunstformene" for å skape en komplett metode for estetisk uttrykk som ville "involvere det dynamiske prinsippet om bevegelse gjennom tid og rom." Med ideene uttrykt i Det hvite manifestet, oppfant Fontana i essens tverrfaglig kunst: perspektivet at en kunstner bør kunne arbeide i alle medier, ved å bruke hvilken som helst metode som passer best for en bestemt idé.

Lucio Fontana - Spatial Environment, opplyst. © Lucio Fontana

Eventyr i verdensrommet

Tidligere i karrieren hadde Fontana blitt kritisert for å male sine abstrakte skulpturelle former i sterke, tilsynelatende tilfeldige farger. Han svarte at han forsøkte å bruke farge for å engasjere verkene med omgivelsene, for å bygge bro over rommet mellom objekt og betrakter. Han fortsatte å ta opp denne bekymringen gjennom hele karrieren. Han ønsket at rommet selv skulle manifestere seg som form og bli gjenstanden for kunsten hans. Men han kunne ikke fastslå hvordan det kunne oppnås. Som han en gang skrev i dagboken sin: “ingen form er romlig.”

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1949. © Lucio Fontana

Men i 1949 opplevde Fontana gjennombrudd som førte ham nærmere målet sitt. Det første manifesterte seg som et verk kalt Spatial Environment. For dette banebrytende arbeidet mørkla Fontana et rom der veggene var malt svarte og hengte fra taket abstrakte papier-mâché-former malt i neonlys som lyste når de ble truffet av ultrafiolett lys. Han forvandlet utstillingsrommet til en del av kunstverket, og skapte et verk som var mer enn et tiår før installasjonskunst og Light and Space Movement, men som likevel inneholdt mange av deres konsepter. Men temaet for verket var fortsatt ikke rom, siden fokuset på seeropplevelsen var på de lysende skulpturelle formene.

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1950. Akryl på lerret. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Romlige konsepter

Fontanas neste gjennombrudd tok arbeidet hans i en helt motsatt retning. I stedet for å transformere et helt rom til tomt rom og deretter fylle det med et objekt, bestemte han seg for å ta et objekt og bruke det som et inngangspunkt til rommet. Han strakk lerret over stretcher-barrer som om han skulle lage et tradisjonelt maleri, før han stakk hull gjennom lerretet med en kniv før han påførte et monokromt lag med maling.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, med glassperler og steiner lagt til. © Lucio Fontana

Selv om det teknisk sett var et maleri, fungerte hullene som tomrom i formen som ga tilgang til plassen bak lerretet. Denne enkle gesten forvandlet maleriet til en skulptur. Men selv om dette i seg selv var revolusjonerende, og demonstrativt for hans ideer om tverrfaglig kunst, følte han fortsatt at det ikke skapte form ut av rom. Så Fontana eksperimenterte med forskjellige uttrykk for den generelle tanken. Han stakk hull på en slik måte at det skapte sirkler, trekanter og andre former på overflaten. Han la også til steiner, glass og krystaller til noen lerreter, og utvidet overflaten utover i rommet samtidig som han åpnet opp plassen bak.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

En enkelt skråstrek

På 1950-tallet hadde Fontana en åpenbaring. Han begynte å skjære i lerretene sine, verk han kalte Tagli, eller kutt. Han utviklet gradvis denne ideen til han i 1959 kom til det han anså som den ultimate manifestasjonen av uttrykket: et enkelt kutt gjennom et ellers monokromt lerret. Det var med denne gesten at han oppnådde sitt mål om å skape form ut av rom, og sa i 1968: “Min oppdagelse var hullet, og det er det. Jeg er glad for å gå til graven etter en slik oppdagelse.”

Fontana ga alle sine kuttede objekter det samme navnet: Concetto Spaziale, eller Romkonsept. Da han endelig oppdaget enkelheten og elegansen i de lange snittene, ga han de maleriene den ekstra undertittelen attesa. På italiensk betyr attesa venting, eller håpefull forventning. Som det er klart, var Fontana ikke bare interessert i hvordan folk oppfattet og begrep rom. Han var interessert i hvordan folk oppfattet og begrep seg selv. Gjennom bruken av et tomrom manifesterte han ikke bare form ut av rom, han manifesterte også noe annet, noe både abstrakt og konkret: de håpefulle forventningene om hva som ligger bak et kunstverk.

Utvalgt bilde: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Malt keramikk. © Lucio Fontana
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio