Abstraksjon er i det fysiske - Jules Olitski

Karrieren til den ukrainsk-amerikanske kunstneren Jules Olitski (1922 – 2007) minner oss om at kunst ikke er en fast menneskelig bestrebelse, som må gjøres på samme måte av hver utøver, som for eksempel å fly et passasjerfly. Kunstnere er – eller bør være – helt frie til å gjenoppfinne feltet så ofte de vil. Olitski ble kun guidet av én faktor: sin intuisjon. Han hadde en visjon av et bilde, eller en følelse han ønsket å fange, eller en materiell tilstedeværelse han ønsket å manifestere, og begynte å prøve å få det til å skje. Om hans visjon passet med trender eller smaker, spilte ingen rolle. De fleste kaller arbeidet hans abstrakt, men han selv gjorde ikke den distinksjonen, kanskje fordi hans spesifikke visjon for et maleri var, for ham, en egen form for motiv. Hvis man drømmer om å male en spray av farge som henger i luften, og så maler et maleri som realiserer den drømmen, er det maleriet akkurat det det beskriver: et maleri av en spray av farge som henger i luften. Hvor mye mer konkret kan man bli? Når det gjelder råd til andre kunstnere, sa Olitski en gang: "Forvent ingenting. Gjør arbeidet ditt. Feire!" Han kan ha gitt lignende råd til sine seere: "Forvent ingenting. Se på arbeidet. Feire!" Likevel er kunstappresiasjon en egen glede fra kunstkritikk. Kritikere, historikere og kunsthandlere har lenge hatt vanskeligheter med å vite nøyaktig hvor de skal plassere Olitski innenfor den lineære eventyret kjent som kunsthistorie, kanskje fordi Olitski aldri brydde seg om å spørre seg selv hvor han passet inn. Han skiftet stil, medium og metoder så ofte at han ikke bare er vanskelig å historisere, men han er vanskelig å kommersialisere, siden så mange samlere ønsker å kunne snakke om kunstnerne de samler i form av en praktisk forkortelse: "Dette er rutenettmaleren. Dette er damen som laget edderkoppene. Dette er fyren som laget boksene. Osv." Du kan ikke gjøre det med Olitski. Han gjorde for mange ting til å bli kjent for bare én. Vi er derfor fastlåst med bare ett alternativ – det beste alternativet: "Forvent ingenting. Se på maleriene. Feire."

Maling på kanten

Født i Snovsk, nåværende Ukraina, emigrerte Olitski til USA med sin mor som ettåring, etter at faren hans ble myrdet av den lokale sovjetiske kommissæren. De bosatte seg i Brooklyn, New York, og allerede på videregående skole viste Olitski en avansert tilbøyelighet for kunst. Han vant et pris for å studere kunst i Manhattan, og fikk til slutt et stipend for å gå på Pratt Institute. Etter å ha blitt innkalt til andre verdenskrig, brukte Olitski sine G.I. Bill-rettigheter til å fortsette sin kunstutdanning i Paris. Der studerte han de modernistiske mesterne på nært hold, og møtte sine egne demoner. Mest bemerkelsesverdig innså han at han ble kontrollert av sin egen utdanning. En øvelse der han bandt for øynene mens han malte, eksemplifiserer hans ønske om å overvinne manipuleringen av sine egne ideer. Den samme hengivenheten til kreativ frihet veiledet ham resten av livet.

Jules Olitski - Med kjærlighet og likegyldighet: Rapture Blessing, 2002. Akryl på lerret. 60 x 84 tommer. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans første maleriutstillinger, på 1950-tallet, var preget av stemningsfulle, mørke, impasto-abstraksjoner, som "In Memory of Slain Demikovski" (1958), et verk oppkalt etter faren hans. Innen 1960 hadde imidlertid Olitski tatt en helt annen tilnærming, ved å bruke nye typer akrylmaling for å skape flate, levende fargede komposisjoner der biomorfe, amøbe-lignende former tilsynelatende bobler inn i eksistensen i billedlige petriskåler. Fem år senere endret han retning igjen, denne gangen ved å bruke en industriell sprøytepistol i et forsøk på å oppnå drømmen sin om å male "et sprut av farge som henger som en sky, men ikke mister formen." Maleriene hans med sprøytepistol har faktisk mange av de samme eteriske egenskapene som gassformede skyer i en fjern nebula, belyst av eksploderende stjerner. Dette verkene fikk virkelig Olitski til å tenke på det han kalte "kanten" av et bilde. "Et maleri lages fra innsiden og ut," sa han. Den ytre kanten av verket, ifølge hans forståelse, var imidlertid ikke kanten av lerretet, men kanten av farge. Olitski oppfattet at farge strekker seg utover grensene for malingen, båret av lys og mental oppfatning inn i det liminale rommet mellom overflaten av maleriet og øynene våre.

Jules Olitski - Grafisk Suite #2 (Oransje), 1970. Silketrykk. 35 x 26 tommer. (verk); 36 x 27 tommer. (innrammet). © Jules Olitski

Struktur og flyt

Rundt midten av 1970-tallet endret Olitski metoder igjen, og blandet sin tidligere, dempede impasto-teknikk med bruken av en spraypistol, og skapte malerier som "Secret Fire – 2" (1977), som projiserer en bestemt materiell tilstedeværelse, til tross for å ha en eterisk fargepalett. Han fortsatte å utvikle denne blandingen av metoder, og skapte en kropp av dristige, metalliske abstraksjoner på 1980-tallet, som "Eternity Domain" (1989), og en kropp av helvetes primordiale verk på 1990-tallet, som "Upon a Sea" (1996). Selv om disse verkene er visuelt mangfoldige, deler de alle et lignende styrende prinsipp, som Olitski oppsummerte som følger: "Jeg tenker på maleri som besatt av en struktur, men en struktur født av strømmen av fargefølelse." Maleriene Olitski skapte i de siste årene av sitt liv, som "With Love and Disregard: Rapture" (2002), uttrykker dette styrende prinsippet på dramatisk vis. Strukturen av deres materielle tilstedeværelse er like ubøyelig som en stein, men deres letthet av å være gjør uomtvistelig krav på sin kromatiske fødselsrett i "strømmen av fargefølelse."

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på lerret. 88 x 71 1/2 tommer (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

I tillegg til sin livslange abstrakte maleri praksis, tegnet Olitski kontinuerlig figurative portretter og landskaper. Han hadde også en produktiv skulpturkarriere, som, i likhet med hans malerikarriere, ikke var begrenset av noe annet enn hans egen fantasi. Som barn fikk Olitski kallenavnet Prins Patutsky fra sin stefar. Det navnet dukker opp igjen og igjen i hans arbeid: “Patutsky i Paradis” (1966); “Patutsky Passion” (1963); “Prins Patutsky Kommando” (1966). Det er nettopp denne hengivenheten til barnslig uskyld som jeg ser oversvømme alt Olitski oppnådde som kunstner. Kunsthistorien gir vanligvis bare legende-status til kunstnere som er radikale tidlig i karrieren, etterfulgt av “modenhet,” og deretter repetisjon. Olitski passet ikke inn i den karakterbeskrivelsen. Så eksperimentelt og fritt som han kunne, gjorde han bare sitt arbeid, uten forventninger, og feiret. Det gjør ham til en legende for meg.

Utvalgt bilde: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på lerret. 79 x 109 tommer (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio