Abstraksjon er i det fysiske - Jules Olitski

Karrieren til den ukrainsk-amerikanske kunstneren Jules Olitski (1922 – 2007) minner oss om at kunst ikke er en fast menneskelig virksomhet som må utføres på samme måte av alle utøvere, som for eksempel å fly et passasjerfly. Kunstnere er – eller bør være – helt frie til å gjenoppfinne feltet så ofte de vil. Olitski ble bare styrt av én faktor: sin intuisjon. Han fikk en visjon av et bilde, eller en følelse han ønsket å fange, eller en materiell tilstedeværelse han ønsket å gi uttrykk for, og satte i gang med å prøve å få det til. Om visjonen hans passet med trender eller smak spilte ingen rolle. De fleste kaller arbeidet hans abstrakt, men han selv gjorde ikke den distinksjonen, kanskje fordi hans spesielle visjon for et maleri for ham var et eget slags motiv. Hvis man drømmer om å male en fargesprut som henger i luften, og så maler et maleri som realiserer den drømmen, er det maleriet akkurat det det beskriver: et maleri av en fargesprut som henger i luften. Hvor mye mer konkret kan man bli? Om råd til andre kunstnere sa Olitski en gang: «Forvent ingenting. Gjør ditt arbeid. Feir!» Han kan ha gitt lignende råd til sine betraktere: «Forvent ingenting. Se på arbeidet. Feir!» Likevel er kunstnytelse en egen glede fra kunstkritikk. Kritikere, historikere og kunsthandlere har lenge hatt vanskeligheter med å vite nøyaktig hvor de skal plassere Olitski innenfor den lineære eventyrfortellingen kjent som kunsthistorie, kanskje fordi Olitski aldri brydde seg om å spørre seg selv hvor han passet inn. Han byttet stil, medium og metoder så ofte at han ikke bare er vanskelig å historisere, men også vanskelig å gjøre om til handelsvare, siden så mange samlere ønsker å kunne snakke om kunstnerne de samler etter en praktisk kortform: «Dette er rutenettsmaleren. Dette er damen som lagde edderkoppene. Dette er fyren som lagde boksene. Osv.» Det kan man ikke gjøre med Olitski. Han gjorde for mange ting til å bli kjent for bare én. Vi sitter derfor igjen med bare ett valg – det beste valget: «Forvent ingenting. Se på maleriene. Feir.»

Maling på kanten

Født i Snovsk, dagens Ukraina, emigrerte Olitski til USA med moren som ettåring, etter at faren hans ble drept av den lokale sovjetiske kommissæren. De slo seg ned i Brooklyn, New York, og allerede på videregående viste Olitski en avansert tilbøyelighet for kunst. Han vant en pris for å studere kunst i Manhattan, og fikk etter hvert et stipend for å gå på Pratt Institute. Etter å ha blitt innkalt til andre verdenskrig, brukte Olitski sine G.I.-Bill-rettigheter til å fortsette kunstutdannelsen i Paris. Der studerte han modernistiske mestere på nært hold og møtte sine egne demoner. Mest bemerkelsesverdig var at han innså at han ble styrt av sin egen utdannelse. En øvelse der han malte med bind for øynene, viser hans ønske om å overvinne manipuleringen av sine egne ideer. Den samme hengivenheten til skapende frihet ledet ham resten av livet.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Akryl på lerret. 60 x 84 tommer (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Hans første maleriutstillinger på 1950-tallet var dominert av dystre, mørke, impasto-abstraksjoner, som «In Memory of Slain Demikovski» (1958), et verk oppkalt etter faren hans. Innen 1960 tok Olitski imidlertid i bruk en helt annen tilnærming, ved å bruke nye typer akrylmaling for å skape flate, livlig fargede komposisjoner der biomorfe, amøbelignende former tilsynelatende dukker opp i billedlige petriskåler. Fem år senere endret han retning igjen, denne gangen ved å bruke en industriell sprøytepistol i et forsøk på å oppnå sin drøm om å male «en fargesprut som henger som en sky, men ikke mister formen.» Hans sprøytepistolmalerier har virkelig mange av de samme eteriske egenskapene som gasskyer i en fjern tåke, opplyst bakfra av eksploderende stjerner. Denne samlingen av verk fikk Olitski til å tenke på det han kalte «kanten» av et bilde. «Et maleri lages fra innsiden og ut,» sa han. Den ytre kanten av verket, ifølge hans forståelse, var ikke lerretets kant, men fargens kant. Olitski oppfattet at fargen strekker seg utover malingsgrensene, båret av lys og mental oppfatning inn i det grenseområdet mellom maleriets overflate og våre øyne.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Oransje), 1970. Silketrykk. 35 x 26 tommer (arbeid); 36 x 27 tommer (innrammet). © Jules Olitski

Struktur og flyt

Rundt midten av 1970-tallet endret Olitski metoder igjen, og blandet sin tidligere, dempede impasto-teknikk med bruken av sprøytepistol, og skapte malerier som «Secret Fire – 2» (1977), som utstråler en tydelig materiell tilstedeværelse, til tross for en eterisk fargepalett. Han fortsatte å utvikle denne blandingen av metoder, og skapte en samling dristige, metalliske abstraksjoner på 1980-tallet, som «Eternity Domain» (1989), og en samling helvetesaktige, urtidsaktige verk på 1990-tallet, som «Upon a Sea» (1996). Selv om de er visuelt forskjellige, deler disse verkene et likt ledende prinsipp, som Olitski oppsummerte slik: «Jeg tenker på maleri som besatt av en struktur, men en struktur født av fargens følelsesflyt.» Maleriene Olitski skapte i sine siste leveår, som «With Love and Disregard: Rapture» (2002), uttrykker dette ledende prinsippet på dramatisk vis. Strukturen i deres materielle tilstedeværelse er like urokkelig som en stein, men deres letthet i væren hevder utvilsomt sin kromatiske arv i «fargens følelsesflyt.»

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna på lerret. 88 x 71 1/2 tommer (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

I tillegg til sin livslange abstrakte maleripraksis, tegnet Olitski stadig figurative portretter og landskap. Han hadde også en produktiv skulpturkarriere, som, lik hans malerikarriere, ikke var bundet av noe annet enn hans egen fantasi. Som barn fikk Olitski kallenavnet Prins Patutsky av sin stefar. Det navnet dukker opp igjen og igjen i hans verk: «Patutsky in Paradise» (1966); «Patutsky Passion» (1963); «Prince Patutsky Command» (1966). Det er nettopp denne hengivenheten til barnslig uskyld jeg ser gjennomsyre alt Olitski oppnådde som kunstner. Kunsthistorien gir vanligvis bare legendarisk status til kunstnere som er radikale tidlig i karrieren, etterfulgt av «modenhet» og så gjentakelse. Olitski passet ikke inn i det mønsteret. Så eksperimentelt og fritt som han kunne, gjorde han bare sitt arbeid uten forventninger, og feiret. Det gjør ham til en legende for meg.

Utvalgt bilde: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna på lerret. 79 x 109 tommer (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio