De mest innflytelsesrike nålevende afroamerikanske abstrakte kunstnerne

Afrikansk-amerikanske abstrakte kunstnere - spesielt de som stammer fra slaver - møter stadig press, både innenfra og utenfra, om å gjøre sin identitet til en sentral del av sitt arbeid. Dette presset gir mening med tanke på de omfattende, systematiske fordommene afrikansk-amerikanske kunstnere møter, men det betyr også at svarte abstrakte kunstnere som har som mål å fremme sitt felt, ikke bare møter alle de samme estetiske, intellektuelle og kunsthistoriske spørsmål som alle andre abstrakte kunstnere, de må også kjempe mot underforståtte fordommer knyttet til innhold. Tilbake i 2017, etter åpningen av Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power på Tate Modern, bemerket en kunstner hvis verk var med i utstillingen privat til meg om William T. Williams-maleriet “Trane” (1969), som også var med i utstillingen. “Det maleriet,” sa denne personen, “har ingenting med å være svart å gjøre.” Mitt hvite privilegium hindret meg i å være i posisjon til å dømme verken for eller imot. Alt jeg kunne gjøre var å lytte, og deretter uttrykke min egen sannhet, som var at “Trane” er et av de mest dynamiske og spennende maleriene jeg noen gang har sett. Det legemliggjør en lignende elektrisk, polyrhythmisk følsomhet som musikken til John Coltrane, som det er oppkalt etter. Uvesentlig som det kan være, er min mening at uansett hvem du er, er valget om å lage kunst som ikke spesifikt tar opp politiske spørsmål i seg selv en politisk handling. Afrikansk-amerikanske kunstnere er marginalisert uansett hvilken type arbeid de lager. Å legge ekstra marginalisering på svarte abstrakte kunstnere føles som grusomhet oppå grusomhet. Kunstnere trenger ikke press om innhold. De trenger oppmuntring til å uttrykke seg ærlig. Jeg synes det er heroisk at enhver kunstner fortsetter å streve i møte med vilkårlig kritikk. Med det i tankene, selv om det finnes mange flere som også fortjener oppmerksomhet, her er ni levende afrikansk-amerikanske abstrakte kunstnere som trygt fører feltet fremover, og hvis arbeid har vært innflytelsesrikt for meg.

Shinique Smith

Shinique Smith lager verk som er lekne, men samtidig skremmende; kroppslige, men av ånden; tidløse, men utvilsomt samtidige. Hver av hennes komposisjoner – enten det er et maleri, en skulptur eller en installasjon – føles like kompleks og selvstendig som et piletre eller en sverm av bier. Arbeidet er utvilsomt drevet av gest og linje, men dens bevegelser utover flaten gjør det til et uttrykk for noe flerdimensjonalt og organisk. For meg innkapsler arbeidet perfekt det som naturen og byen deler.

Shinique Smith - Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Enkelt sagt overrasker hvert Mary Lovelace O’Neal-malerier jeg ser meg. O’Neal utfordrer stadig hva en malerisk komposisjon kan være. Vekt er ordet som kommer til meg når jeg ser på hennes malerier: vekten hun klarer å gi lyset; eller vekten hun puster inn i tilsynelatende tomt rom. Fra hennes minimale, lineære arbeider til hennes klumpete, fritt gestikulerte eksplosjoner av farge, viser O’Neal gang på gang sin vilje til å teste grensene for balanse og harmoni.

Mary Lovelace O’Neal - Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. Blandede medier på lerret. 81 x 138 tommer. © Mary Lovelace O’Neal. Foto Kija Lucas, med tillatelse fra kunstneren.

Odili Donald Odita

Brutt rom er det som kommer til meg hver gang jeg ser et maleri av Odili Donald Odita. Denne abstrakte maleren, født i Nigeria, som emigrerte med familien til Columbus, Ohio som barn, har en mesterlig evne til å plassere farger og former i konflikt med hverandre på en flat flate. De resulterende forholdene åpner opp urovekkende visuelle verdener av vibrasjon og bevegelse. Pulserende mellom kaos og det sublime, utvider hans malerier den lenge ettertraktede arven av dynamikk som har opptatt abstrakte kunstnere minst siden pointillismens dager.

Odili Donald Odita - Phantom’s Shadow, 2018. Akryl på lerret. 50 x 50 1/5 tommer (127 x 127,5 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam har vært en ikonisk skikkelse i den abstrakte kunstscenen i Washington D.C. siden 1960-tallet, da han først utviklet sin kjente metode med å helle maling direkte på ustretchede lerreter, for så å knyte dem sammen og henge dem på veggen eller fra taket. Hans malerier legemliggjør farge og form, og uttrykker det tidløse samarbeidet mellom valg og tilfeldighet. Himmelske og rytmiske, deres overskridende karakter hviler samtidig på jordisk materialisme og flyktig åndelighet.

Sam Gilliam - 10/27/69, 1969. Akryl på lerret, installasjonsmål variable, omtrentlige installasjonsmål: 140 x 185 x 16 tommer, (355,6 x 469,9 x 40,6 cm), Samling av The Museum of Modern Art, New York, NY, Med tillatelse fra David Kordansky Gallery, Los Angeles, foto av Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Jeg har hørt Jennie C. Jones kalt en minimalist, kanskje fordi hennes visuelle språk bruker mange geometriske former og solide fargeflater. Likevel anser jeg ikke hennes arbeid som minimalistisk. Tvert imot: jeg anser det som lagdelt og mangesidig. Jo lenger jeg ser på hennes malerier, desto mer avslører de. Delvis kan dette fenomenet tilskrives det faktum at Jones ikke lar noen del av sine objekter gå til spille – fra de skrå eller malte kantene, til hennes nøye vurdering av hvordan skygger kastes. Hun er en dyktig skaper av estetiske levninger som åpner opp nyanserte og dype oppfatningsverdener.

Jennie C. Jones - Constant Structure ved The Arts Club of Chicago, 19. mars - august 2020. Bilde: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

Første gang jeg så et McArthur Binion-malerier, trodde jeg at jeg så et enkelt, modernistisk rutenett. Likevel fant jeg det fengslende, til og med dypt. Da jeg kom nærmere, innså jeg at innfelt i rutenettet var utdrag som så ut til å være sider fra en dagbok. Et annet nærliggende rutenettmaleri var, ved nærmere ettersyn, satt sammen av hundrevis av små kopier av et bilde av et ansikt. Ansiktet var kunstnerens; sidene var fra hans adressebok. På den reneste og mest personlige måten setter Binion seg selv inn i abstrakt kunsts historie, og ved å gjøre det fører han arven videre til et nytt og inderlig rom.

McArthur Binion - Hand:Work, 2018. Oljestift og papir på plate. 72 x 48 x 2 tommer. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney minner meg om hvor essensielt menneskelighet er for abstrakt kunst. Det menneskesynet modernismen fjernet fra abstraksjonen i tjeneste for nyhet og/eller perfeksjon, tilfører Whitney tilbake. Hans ufullkomne, maleriske rutenett omfavner den flytende kjennskapen til farge, og den fyldige skjønnheten i selve malingen.

Stanley Whitney - Untitled, 2013. © Stanley Whitney. Med tillatelse fra Lisson Gallery.

Frank Bowling

Frank Bowling lager malerier som antyder de meningsverdener som lurer mellom farge og tekstur. Innebygd i hans komposisjoner er referanser til kart, ofte med Afrika som sentrum. De formale, abstrakte elementene gjør likevel stadig gjeldende sin plass i forgrunnen – et subtilt uttrykk for, og avvisning av, den grunnleggende konflikten enhver afrikansk-amerikansk abstrakt kunstner møter.

Frank Bowling - Elder Sun Benjamin, 2018. Akryl og blandede medier på lerret. 119 5/16 x 203 9/16 tommer (303,1 x 517 cm). San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London

James Little

James Little er dyktig til å lage malerier som tvinger øyet til ikke å se dem alt på en gang. Han er en mester i å overvinne vår trang til å forenkle. I hans verk multipliseres kromatiske inntrykk til vi til slutt må erkjenne at den enkle gleden ved å gi etter for sansning er viktigere, og mer tilfredsstillende, enn vi vanligvis tillater oss å tro.

James Little - Exculpatory Evidence, 2019. Olje på lin. 40 x 51 tommer (101,6 x 129,5 cm). Louis Stern Fine Arts. © James Little

Utvalgt bilde: Odili Donald Odita - Heat Wave, 2018. Akryl på lerret. 80 3/10 x 103 9/10 tommer (204 x 264 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio