En "Kunstner av Livlige Former" - Elizabeth Murray
I løpet av sin 40-årige karriere bygde Elizabeth Murray et unikt estetisk arv—en som var ubestridelig seriøs, og likevel også en som det er umulig å ikke smile av. Som kunstner eksemplifiserte hun visjon, humor og nysgjerrighet. Jeg plasserer henne i tradisjonen til Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring og Alexander Calder—kunstnere som forsto viktigheten av lek. Og som menneske eksemplifiserte hun gateklokskap og likbarhet, og utstrålte en tilsynelatende uanstrengt, uformell og vennlig natur. Hennes selvbilde ble etablert i ungdommen, da hun ofte var nesten hjemløs. Hun lærte tidlig leksjonene om selvstendighet og hardt arbeid. Hun fikk også tidlig interesse for kunst, og husker at hun så tidlig som i femte klasse solgte tegningene sine til klassekameratene. Hennes fengslende, modne visuelle stil ble først pleiet i hjembyen Chicago, og senere i Oakland, to byer med et rykte, spesielt på 1960-tallet, for å fostre idiosynkratiske, uavhengige kunstnere med store ideer. Rett før sin død ble Murray feiret med en retrospektiv på Museum of Modern Art i New York. Den inneholdt omtrent 75 verk som spente over hennes karriere. Med hele hennes utvikling endelig utstilt på en gang, ble dybden av hennes fantasi, intensiteten av hennes fokus, og lekenheten og elegansen i hennes bidrag til abstrakt kunst avslørt i levende farger.
The Hopeful Imagist
En grunnleggende forståelse av den estetiske utviklingen Murray fremmet i løpet av karrieren hennes kan hentes fra nettstedet hennes. Et glimt av hennes totale produksjon er der, ordnet kronologisk fra 1976 til 2007. Det viser tydelig at frøene til hennes modne malestil var til stede i hennes tidligste arbeid. Også innflytelsene fra de to byene hvor hun lærte håndverket sitt er tydelige. For sin bachelorgrad gikk Murray på Art Institute of Chicago (AIC). Hun var der i en tid da kunstnerne tilknyttet The Monster Roster, The Hairy Who og Chicago Imagists var på sitt beste i den byen. Hun delte forbindelsen til surrealistiske former og levende farger som de gruppene var kjent for. Også som mange av de kunstnerne, laget Murray arbeid som var personlig. Hun var ikke i samtale med den bredere, kommersielle kulturen, slik Pop-kunstnere fra hennes generasjon pleide å være, men snarere hadde hun en dialog med noe internt.
Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, From the series One series of 6 unique works, 3-dimensional multi-colored lithograph/screenprint, cut, collaged, and hand-painted by the artist, 50 × 47 1/2 × 6 in, 127 × 120.7 × 15.2 cm, Edition of 6, Gemini G.E.L. at Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray
De tidlige maleriene avslører også at Murray manglet den desillusjonen som ofte er forbundet med de figurative Chicago-bevegelsene på 1960-tallet. Det kan ha vært det som trakk henne til California etter at hun ble uteksaminert fra AIC. Hun begynte på Mills College i Oakland i 1962, hvor hun fikk sin mastergrad. Bay Area på den tiden var episenteret for Funk Art. Murray var i harmoni med vitsen, tvetydigheten og den uvanlige sensualiteten som definerte den bevegelsen. Hennes erfaringer i vest ga henne styrke til å uhemmet forfølge sin egen stemme. Da hun flyttet til New York i 1967, var hun bevæpnet med en idiosynkratisk, selvsikker estetisk posisjon, og visste at hun ikke skulle bekymre seg for hva andre kunstnere gjorde. Det tok henne litt tid å etablere seg i New York, men hennes første utstilling var en stor en—Whitney Museum of American Art 1972 Annual Exhibition: Contemporary American Painting. Verk av Murray ville til slutt bli en del av den permanente samlingen til den institusjonen, sammen med den til MoMA, Guggenheim, Walker, Met, og mer enn 50 andre fremtredende kunstmuseer rundt om i verden.
Elizabeth Murray - Untitled, 1991, India ink, colored pencil and gouache on paper with collage, 10 2/5 × 10 7/10 in, 26.4 × 27.3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray
Fra overflate til form
Det Murray oftest huskes for i dag, er hennes siste verk – storskalige, komplekse, sammenkoblede konfigurasjoner av formede lerretter. Hennes reise til det punktet, i ettertid, virker nesten uunngåelig. Fra starten var hun interessert i livskraften i former. Om maleriet hennes fra 1976, Beginner, sa hun at hun "ønsket å håndtere en organisk form som kunne leses på mange forskjellige visuelle måter. Jeg tenkte på den lille mars violet spiralen som stemmen eller hjertet eller den virkelige indre delen av formen." Det var rundt den samme tiden hun begynte å male komposisjonene sine på uvanlig formede lerretter, som trekanter og diamanter. En kort tid senere begynte hun å lage lerretter som var formene – abstrakte, biomorfe former av hennes egen oppfinnelse. Dette brakte komposisjonene hennes til liv på en bokstavelig måte. Om et slikt verk, med tittelen Yikes, fra kaffekoppserien hennes, husket Murray: "Jeg tenkte på tidlig kubistisk landskapsmaleri; forestill deg å gå inn i et av de Braque landskapene."
Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York
Den fulle modenheten av hennes visjon er synlig i arkitektoniske mesterverk som Everybody Knows (2007), det siste maleriet Murray laget før sin død. Den kompliserte og tidkrevende prosessen med å skape dem ble fanget i en episode av Art 21 fra 2003. Som det viser, begynte hun med å tegne en komposisjon på papir, deretter konstruere et lerret for hver form. Til slutt satte hun de formede lerretene sammen og ga dem liv med lag av maling. Hennes siste verk er vitnesbyrd om det mesterlige talentet Murray dyrket i sitt studio. Likevel, noen i kunstverdenen nedvurderer hennes innsats, kaller hennes produksjon "lav kunst", og latterliggjør gleden den inspirerer. Slike kritikere avslører bare sin egen manglende evne til å forstå den underliggende alvorligheten til en kunstner som er betatt av kunsthistorie, den iboende kraften i farge og form, og forholdene mellom objekter. Slike kritikk hadde uansett ingen varig effekt. Til tross for sin ydmykhet og sans for humor, sto Murray bestemt på sitt. Hennes legendariske motstandskraft i møte med de som ville nedvurdere henne gjorde henne til et ikon for feminisme. Hun etterlot seg en arv ikke bare av stor abstrakt kunst, men også av menneskelighet og styrke. Hun beviste, som mange har bevist før, at kunstnere har rett til å lage hva de vil; og at et sterkt, selvsikkert, mesterlig verk alltid vil overleve sine kritikere.
Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York
Fremhevet bilde: Elizabeth Murray - installasjonsvisning, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio
