Psykologien bak form og fasong
Hvorfor appellerer abstrakt kunst? Ofte betraktet som et visuelt språk av form, farge og form, er det noe helt spesielt ved tiltrekningen til et abstrakt kunstverk. Flere teorier eksisterer som forsøker å forklare psykologien bak tilskuerens glede, og kunstnerens skapelse, av abstrakt kunst. Virkningen av traumer hos kunstnere kan ofte observeres i en merkbar dreining mot abstraksjon: berømt er det at Willem de Kooning fortsatte å male etter å ha utviklet Alzheimers sykdom, hvoretter stilen hans ble stadig mer abstrakt. Eksempelet med de Kooning, og mange andre som ham, viser at kunst kan gi innsikt i endringene i den menneskelige hjernen som påvirker uttrykk og oppfatning. I den følgende rapporten vil vi ta for oss noen av de psykologiske teoriene knyttet til abstrakt kunst.
Nevroestetikk: Innføring av vitenskapelig objektivitet i studiet av kunst
På 1990-tallet grunnla synsnevrovitenskapsmannen Semir Zeki ved University College London disiplinen kjent som nevroestetikk, som undersøker, på et nevrologisk grunnlag, den relative suksessen til ulike kunstneriske teknikker. Flere vitenskapelige studier som ser på årsaken til tiltrekningen til abstrakt kunst har konkludert med at studiet av denne kunstformen stimulerer svært aktiv hjerneaktivitet ettersom tilskueren strever med å identifisere kjente former, noe som gjør verket «kraftfullt». Når hjernen ser på verket som et puslespill, blir den fornøyd når den klarer å «løse» dette problemet (Pepperell, Ishai).
En spesiell studie, ledet av Angelina Hawley-Dolan ved Boston College, Massachusetts (Psychological Science, bind 22, side 435), stilte spørsmål ved om abstrakt kunst, skapt av profesjonelle kunstnere, ville være like behagelig for øyet som en gruppe tilfeldige streker og farger laget av barn eller dyr. Hawley-Dolan ba frivillige om å se på ett maleri av en kjent abstrakt kunstner, og ett av en amatør, et barn, en sjimpanse eller en elefant, uten å vite på forhånd hvem som hadde laget hva. De frivillige foretrakk generelt verket av de profesjonelle kunstnerne, selv når etiketten fortalte at det var laget av en sjimpanse. Studien konkluderte derfor med at når vi ser på et verk, er vi i stand – selv om vi ikke kan si hvorfor – til å sanse kunstnerens visjon. Hawley-Dolans studie fulgte funnene om at de uklare bildene i impresjonistisk kunst stimulerer hjernens amygdala, som spiller en sentral rolle i følelser og emosjoner. Imidlertid faller ikke abstrakt kunst, som ofte søker å fjerne ethvert tolkningsbart element, inn under denne kategorien.
Med inspirasjon fra denne studien undersøker Kat Austen i New Scientist (14. juli 2012) appellen til abstrakt kunst, inspirert av virkningen av å se et verk av Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, som hun skriver var første gang et abstrakt kunstverk vekket hennes følelser. Austen fremsetter hypotesen om at verk av abstrakt kunst som tilsynelatende ikke inneholder noe gjenkjennelig objekt for hjernen – nemlig Rothko, Pollock og Mondrian – kan ha en virkning gjennom velbalanserte komposisjoner ettersom de appellerer til, eller «kaprer», hjernens synssystem.
I en studie av Oshin Vartanian ved University of Canada, der forskeren ba frivillige sammenligne en rekke originale malerier med ett der komposisjonen var endret, oppdaget Vartanian at vi har en forsterket respons på mønster og komposisjon. Nesten alle de frivillige foretrakk det originale verket, selv når de arbeidet med så forskjellige stiler som et stilleben av van Gogh og Bleu I av Miró. Funnene antydet at betrakteren er iboende bevisst på den romlige hensikten bak malerienes særegne komposisjoner.
For å vende tilbake til Austen, vurderer hun også funnene til Alex Forsythe, en psykolog ved University of Liverpool, som har knyttet formene brukt i abstrakt kunst til hjernens evne til å bearbeide komplekse scener, med henvisning til arbeidet til Manet og Pollock. Ved å bruke en komprimeringsalgoritme for å måle den visuelle kompleksiteten i kunstverk og lagre komplekse bilder, konkluderte Forsythe med at noen kunstnere kan bruke denne kompleksiteten for å appellere til hjernens behov for detaljer. Forsythe utforsket også hjernens tiltrekning til fraktalmønstre og appellen til abstrakt kunst. Disse gjentakende mønstrene, hentet fra naturen, kan appellere til det menneskelige synssystemet som utviklet seg utendørs, og Forsythe antar at abstrakte kunstnere kan bruke farge for å «berolige en negativ opplevelse vi normalt ville hatt når vi møter for høyt fraktalinnhold». Austen påpeker at nevroestetikk fortsatt er i en tidlig fase, og at det kan være for tidlig å komme med vidtrekkende uttalelser. Likevel gir de mange teoriene som er behandlet innen dette studiefeltet oss større innsikt i den visuelle tiltrekningen til abstrakt kunst. Ikke minst har noen forskere antatt at hjernen kan være tiltrukket av verk av kunstnere som Pollock, ettersom vi bearbeider visuell bevegelse – som et håndskrevet brev – som om vi spiller av skapelsen på nytt. Dette kan være en forståelse av den opplevde dynamikken i verkene til Pollock, hvis energiske produksjon gjenoppleves av betrakteren.
Margaret Neill - Manifest, 2015. Kull og vann på papir. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Om det åndelige i kunsten
La oss nå gå tilbake til for omtrent hundre år siden, til en av lederne for tysk ekspresjonisme, kjent for sin rolle som en synestetisk kunstner: Kandinsky spilte en sentral rolle i tidlige teorier på 1900-tallet om psykologien bak abstrakt kunst. Hans bok «Om det åndelige i kunsten», utgitt i 1911, ble kjent som grunntekst for abstrakt maleri og utforsket i stor detalj de følelsesmessige egenskapene ved form, linje og farge. Kandinskys synestesi kom til uttrykk i hans unormale følsomhet for farge og hans evne ikke bare til å se, men også høre den. På grunn av dette mente han at et maleri burde unngå intellektuell analyse, og i stedet få lov til å nå de delene av hjernen som er knyttet til bearbeiding av musikk. Kandinsky mente at farge og form var de to grunnleggende midlene en kunstner kunne bruke for å oppnå åndelig harmoni i komposisjonen, og han delte derfor skapelsen og oppfatningen av kunst inn i to kategorier: indre og ytre nødvendighet. Med henvisning til Cézanne foreslo Kandinsky at kunstneren skapte sammenstillingen av lineære og fargesterke former for å skape harmoni, et kontrastprinsipp som Kandinsky mente var «det viktigste prinsippet i kunsten til alle tider». Vi kan anvende ett av Kandinskys prinsipper, som diskutert i dette akademiske arbeidet, på Jackson Pollocks kunstneriske praksis, der han plasserte lerreter på gulvet og dryppet maling på dem ovenfra. For Kandinsky måtte kunstneren ikke følge kunstens regler, men være fri til å uttrykke seg med alle midler som var mulig: en avgjørende faktor for indre nødvendighet. Ifølge Edward Lavine blir maleri for Pollock «en opplevelse [der] verket har krav som eksisterer uavhengig av malerens personlighet. Disse kravene synes ofte å kreve at man gir avkall på personlig valg til fordel for verkets indre nødvendighet.» (Mythical overtones in the work of Jackson Pollock) Til en viss grad motsier denne teorien den til Forsythe og andre nevnt tidligere, da den antyder at kunstneren har begrenset valg i skapelsen av verket. Likevel viser den kraften i prosessen med å skape abstrakt kunst.
Anya Spielman - Bury, 2010. Olje på papir. 28 x 25,4 cm.
Peak-Shift
Den grunnleggende ideen bak prinsippet om peak-shift er at dyr kan reagere sterkere på et mer overdrevet stimuli enn på et normalt. Begrepet, opprinnelig formulert av etologen Nikolaas Tinbergen, ble anvendt av V.S. Ramachandran og William Hirstein i artikkelen The Science of Art fra 1999, som brukte måseeksperimentet – der kyllinger vil hakke like villig på en rød flekk på morens nebb som på en pinne med tre røde striper i enden – for å vise at kyllinger reagerer på et «superstimuli», her representert ved mengden rød kontur. For de to mennene ville denne pinnen med det røde endestykket være som et mesterverk av Picasso i forhold til responsnivået oppnådd av tilskueren.
Ramachandran hevdet at abstrakte kunstnere manipulerer denne teorien for å oppnå best mulige resultater, ved å identifisere essensen av det de ønsker å skildre, overdrive det, og fjerne alt annet. Ifølge Ramachandran er vår respons på abstrakt kunst en peak-shift fra en grunnleggende respons på et opprinnelig stimuli, selv om tilskueren kanskje ikke husker hva det opprinnelige stimuliet var.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olje på lerret. 60 x 54 in.
Hjerneskade og abstraksjon
For å vende tilbake til de Kooning, har studier vist at hjernen ikke har ett enkelt kunstsenter, men i stedet bruker begge hjernehalvdelene til å skape kunst, noe som kan påvirke kunstnerisk evne eller arten av kunstnerisk produksjon etter hjerneskade eller nevrodegenerativ sykdom. Ifølge Anjan Chatterjee for The Scientist kan skade på høyre side av hjernen føre til svekket romlig bearbeiding, noe som ofte fører til at man tar i bruk en uttrykksfull stil som ikke krever samme grad av realisme. På samme måte kan hjerneskade på venstre side av hjernen inspirere kunstnere til å bruke mer livfulle farger i arbeidet sitt, og til å endre innholdet i bildene sine. Den kaliforniske kunstneren Katherine Sherwoods stil ble ansett som mer «rå» og «intuitiv» av kritikere etter et blødningstilfelle i venstre hjernehalvdel. Hjerneskade begrenser seg ikke til produksjon av kunst, den kan også endre en persons kunstforståelse, sier Chatterjee. Mer spesifikt kan skade på høyre frontallapp svekke vurderingen av abstraksjon, realisme og symbolikk, og skade på høyre parietallapp kan påvirke vurderingen av livaktighet og symbolikk.
Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 in
Prestisje over produksjon
Det finnes betydelige bevis som tyder på at vi reagerer mer positivt på kunst basert på hvordan vi opplever den. Når folk blir presentert for et abstrakt kunstverk, vurderer de det som mer tiltalende når de får vite at det kommer fra et museum, enn når de tror det er datagenerert, selv om bildene er identiske. Dette fungerer på ulike psykologiske nivåer, og stimulerer den delen av hjernen som bearbeider episodisk hukommelse – tanken på å gå på museum – og orbitofrontale cortex, som reagerer mer positivt på elementet status eller ekthet ved et verk enn på dets egentlige sanseinnhold, noe som antyder at kunnskap, og ikke det visuelle bildet, spiller en nøkkelrolle i vår tiltrekning til abstrakt kunst. På samme måte kan det være slik at vi får større glede av å huske informasjon om kunst og kultur.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på lerret. 70 x 100 cm.
Abstrakt kunst appellerer til kunstnere
Ytterligere studier har vist hvorfor abstrakt kunst kan appellere sterkere til bestemte grupper mennesker, nemlig kunstnere. Ved å registrere de elektriske rytmene i hjernene til ikke-kunstnere og kunstnere, viste en studie at den kunstneriske bakgrunnen til forsøkspersonene i stor grad påvirket bearbeidingen av abstrakt kunst, og avslørte at kunstnere viste fokusert oppmerksomhet og aktivt engasjement med informasjonen. En teori antyder at dette kan skyldes at hjernen bruker hukommelse for å hente frem andre verk som en måte å forstå det visuelle inntrykket på. Det er denne følelsen av gjenkalling og en flerlags prosess med å søke etter gjenkjennelse som ser ut til å gi abstrakt kunst mye av dens varige appell. Fra Kandinskys utforskende verk i 1911, til konseptet peak-shift, og til den moderne studien av nevroestetikk, er psykologien bak abstrakt kunst et stort og stadig skiftende fagfelt som bekrefter den vedvarende interessen for å avkode, forklare og nyte abstrakt kunst.
Utvalgt bilde: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 in
