Psykologien bak form og fasong

Hvorfor appellerer abstrakt kunst? Ofte ansett som et visuelt språk av form, farge og struktur, er det noe veldig spesielt ved tiltrekningen til et abstrakt kunstverk. Flere teorier eksisterer som har som mål å forklare psykologien bak tilskuerens glede, og kunstnerens skapelse, av abstrakt kunst. Effektene av traumer hos kunstnere kan ofte observeres i en merkbar forskyvning mot abstraksjon: berømt fortsatte Willem de Kooning å male etter å ha utviklet Alzheimers sykdom, hvoretter stilen hans ble stadig mer abstrakt. Eksempelet med de Kooning, og mange andre som ham, demonstrerer at kunst kan gi innsikt i endringene i den menneskelige hjernen som endrer uttrykk og oppfatning. I den følgende rapporten vil vi ta for oss noen av de psykologiske teoriene knyttet til abstrakt kunst.

Neuroestetikk: Innføring av vitenskapelig objektivitet i studiet av kunst

I løpet av 1990-tallet grunnla synsneurovitenskapsmannen Semir Zeki ved University College London disiplinen kjent som neuroestetikk, som undersøker, fra et nevrologisk grunnlag, den relative suksessen til forskjellige kunstneriske teknikker. Flere vitenskapelige studier som ser på årsakene bak en tiltrekning til abstrakt kunst har konkludert med at studiet av denne sjangeren av kunst stimulerer svært aktiv nevral aktivitet ettersom tilskueren sliter med å identifisere kjente former, noe som gjør verket ‘kraftfullt’. Når hjernen ser verket som et puslespill, er den fornøyd når den klarer å ‘løse’ dette problemet (Pepperell, Ishai).

En spesiell studie, ledet av Angelina Hawley-Dolan fra Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volum 22, side 435), stilte spørsmål ved om abstrakt kunst, laget av profesjonelle kunstnere, ville være like behagelig for øyet som en gruppe tilfeldige linjer og farger laget av barn eller dyr. Hawley-Dolan ba frivillige om å se på ett maleri av en kjent abstrakt kunstner, og ett av en amatør, barn, sjimpanse eller elefant, uten forhåndskunnskap om hvilket som var hvilket. De frivillige foretrakk generelt verket av de profesjonelle kunstnerne, selv når etiketten fortalte dem at det var laget av en sjimpanse. Studien konkluderte derfor med at når vi ser på et verk, er vi i stand – selv om vi ikke kan si hvorfor – til å sanse kunstnerens visjon. Hawley-Dolans studie fulgte funnene om at de uklare bildene av impresjonistisk kunst stimulerer hjernens amygdala, som spiller en sentral rolle i følelser og emosjoner. Imidlertid faller abstrakt kunst, som ofte søker å fjerne ethvert tolkningsbart element, ikke inn under denne kategorien.

Med inspirasjon fra denne studien, undersøker Kat Austen i New Scientist (14. juli 2012) appellen til abstrakt kunst, inspirert av effekten av å se et verk av Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, som hun skriver, var første gang et verk av abstrakt kunst hadde rørt ved følelsene hennes. Austen fremsetter hypotesen om at verk av abstrakt kunst som tilsynelatende ikke inneholder noe gjenkjennelig objekt for hjernen – nemlig Rothko, Pollock og Mondrian – kan ha en effekt gjennom velbalanserte komposisjoner ettersom de appellerer til, eller ‘kaprer’, hjernens visuelle system.

I en studie av Oshin Vartanian ved Universitetet i Canada, der forskeren ba frivillige om å sammenligne en serie originale malerier med ett der komposisjonen var endret, oppdaget Vartanian at vi har en økt respons på mønster og komposisjon. Nesten alle de frivillige foretrakk det originale verket, selv når de arbeidet med så forskjellige stiler som et stilleben av van Gogh og Bleu I av Miró. Funnene antydet at betrakteren er iboende klar over den romlige intensjonen bak malerienes spesifikke komposisjoner.

For å vende tilbake til Austen, vurderer hun også funnene til Alex Forsythe, en psykolog ved Universitetet i Liverpool, som har knyttet sammen formene som brukes i abstrakt kunst og hjernens evne til å prosessere komplekse scener, med referanse til arbeidet til Manet og Pollock. Ved å bruke en kompresjonsalgoritme for å måle den visuelle kompleksiteten i kunstverk og lagre komplekse bilder, konkluderte Forsythe med at noen kunstnere kan bruke denne kompleksiteten for å appellere til hjernens behov for detaljer. Forsythe utforsket også hjernens tiltrekning til fraktalmønstre og appellen til abstrakt kunst. Disse gjentakende mønstrene, hentet fra naturen, kan appellere til det menneskelige visuelle systemet som utviklet seg utendørs, og Forsythe resonerer med at abstrakte kunstnere kan bruke farge for å "berolige en negativ opplevelse vi normalt ville hatt når vi møter for høy en fraktalinnhold". Austen påpeker at neuroestetikk fortsatt er i en tidlig fase, og at det kan være for tidlig å komme med generelle uttalelser. Imidlertid gir de mange teoriene som har blitt adressert gjennom dette studieområdet oss større innsikt i den visuelle tiltrekningen av abstrakt kunst. Ikke minst har noen forskere resonnert med at hjernen kan være tiltrukket av arbeider av kunstnere inkludert Pollock, ettersom vi prosesserer visuell bevegelse – som et håndskrevet brev – som om vi gjenopplever skapelsen. Dette kan være en forståelse av den oppfattede dynamikken i verkene til Pollock, hvis energiske produksjon gjenoppleves av betrakteren.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Kull og vann på papir. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Om det åndelige i kunsten

La oss nå gå tilbake til for rundt et århundre siden, til en av lederne av tysk ekspresjonisme, kjent for sin rolle som en synestetisk kunstner: Kandinsky spilte en sentral rolle i tidlige teorier på 1900-tallet om psykologien bak abstrakt kunst. Hans bok ‘Om det åndelige i kunsten’, publisert i 1911, ble kjent som grunnleggende tekst for abstrakt maleri og utforsket i stor detalj de emosjonelle egenskapene til form, linje og farge. Kandinskys synestesi manifesterte seg i hans unormale følsomhet for farge og hans evne til ikke bare å se, men også å høre den. På grunn av dette resonerer han at et maleri bør unngå intellektuell analyse, og i stedet få lov til å nå de delene av hjernen som er knyttet til behandlingen av musikk. Kandinsky mente at farge og form var de to grunnleggende midlene som en kunstner kunne oppnå åndelig harmoni i komposisjon, og han delte dermed skapelsen og oppfatningen av kunst inn i to kategorier: intern og ekstern nødvendighet. Med henvisning til Cézanne, foreslo Kandinsky at kunstneren skapte juxtaposeringen av lineære og koloristiske former for å skape harmoni, et prinsipp om kontrast som Kandinsky satset på var det "viktigste prinsippet i kunst til enhver tid". Vi kan anvende et av Kandinskys prinsipper, som diskutert i dette akademiske arbeidet, til Jackson Pollocks kunstneriske praksis, der han plasserte lerret på gulvet og dryppet maling på dem fra høyden. For Kandinsky må kunstneren ikke følge kunstens regler og må være fri til å uttrykke seg med de midler som er mulige: en essensiell faktor for intern nødvendighet. Ifølge Edward Lavine blir maleri, for Pollock, "en opplevelse [in] hvilken verket har krav som eksisterer uavhengig av malerens personlighet. Disse kravene synes ofte å kreve oppgivelse av personlig valg til fordel for verkets indre nødvendighet." (Mythical overtones in the work of Jackson Pollock) I noen grad motsier denne teorien den til Forsythe og andre nevnt, da den antyder at kunstneren har begrenset valg i skapelsen av verket. Likevel demonstrerer den kraften i prosessen med å skape abstrakt kunst.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olje på papir. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Den grunnleggende ideen bak prinsippet om toppforskyvning er at dyr kan reagere i større grad på et mer overdrevet stimulus enn på et normalt. Konseptet, opprinnelig formulert av etologen Nikolaas Tinbergen, ble anvendt av V.S. Ramachandran og William Hirstein i 1999-artikkelen The Science of Art, hvor de anvendte måseeksperimentet – der kyllinger vil hakke like villig på en rød prikk på morens nebb som de vil på en pinne med tre røde striper på enden – for å demonstrere at kyllinger reagerer på en 'superstimulus', her representert ved mengden rød kontur. For de to mennene ville denne pinnen med rød ende være lik, si, et mesterverk av Picasso i forhold til nivået av respons oppnådd av tilskueren.

Ramachandran hevdet at abstrakte kunstnere manipulerer denne teorien for å oppnå de mest positive resultatene, ved å identifisere essensen av det de ønsker å skildre, overdrive det, og bli kvitt alt annet. Ifølge Ramachandran er vår respons på abstrakt kunst et toppskift fra en grunnleggende respons til et originalt stimulus, selv om tilskueren kanskje ikke husker hva det originale stimuluset var.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olje på lerret. 60 x 54 tommer.

Hjerneskade og Abstraksjon

For å vende tilbake til de Kooning, har studier vist at hjernen ikke har ett enkelt kunstsenter, men i stedet bruker begge hjernehalvdelene til å skape kunst, noe som kan ha en effekt på kunstnerisk evne eller på naturen av kunstnerisk produksjon etter hjerneskade eller nevrodegenerativ sykdom. Ifølge Anjan Chatterjee for The Scientist, kan skade på høyre side av hjernen resultere i svekkelse av romlig behandling, noe som ofte fører til inntak av en uttrykksfull stil som ikke krever samme grad av realisme. Tilsvarende kan hjerneskade på venstre side av hjernen inspirere kunstnere til å bruke mer levende farger i arbeidet sitt, og til å endre innholdet i bildene sine. Den kaliforniske kunstneren Katherine Sherwoods stil ble ansett som mer 'rå' og 'intuitiv' av kritikere etter et hemorragisk slag på venstre hjernehalvdel. Ikke begrenset til produksjon av kunst, kan hjerneskade også endre en verdsettelse av kunst, sier Chatterjee. Mer spesifikt kan skade på høyre frontallapp svekke vurderingen av abstraksjon, realisme og symbolikk, og skade på høyre parietallapp kan påvirke vurderingen av livlighet og symbolikk.

Gary Paller - 20 (2015) Blå, 2015. 59,1 x 45,7 tommer

Prestisje over Produksjon

Det finnes betydelig bevis for å antyde at vi reagerer mer positivt på kunst basert på hvordan vi opplever den. Når folk blir presentert for et verk av abstrakt kunst, vurderer de det som mer attraktivt når de blir fortalt at det er fra et museum enn når de tror det er datagenerert, selv om bildene er identiske. Dette fungerer på ulike psykologiske nivåer, og stimulerer den delen av hjernen som behandler episodisk hukommelse – ideen om å gå til et museum – og orbitofrontal cortex, som reagerer mer positivt på elementet av status eller autentisitet av et verk, enn på dets sanne sensoriske innhold, noe som antyder at kunnskap, og ikke visuell bilde, spiller en nøkkelrolle i vår tiltrekning til abstrakt kunst. Tilsvarende kan det være slik at vi får større glede av å huske informasjon om kunst og kultur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på lerret. 70 x 100 cm. 

Abstrakt kunst appellerer til kunstnere

Ytterligere studier har vist hvorfor abstrakt kunst kan appellere mer akutt til spesifikke grupper av mennesker, nemlig kunstnere. Ved å registrere de elektriske rytmene som forekommer i hjernen til ikke-kunstnere og kunstnere, viste en studie at den kunstneriske bakgrunnen til subjektet i stor grad påvirket behandlingen av abstrakt kunst, og avslørte at kunstnere viste fokusert oppmerksomhet og aktiv engasjement med informasjonen. En teori antyder at dette kan være fordi hjernen bruker hukommelse for å huske andre verk som en måte å forstå den visuelle stimulansen på. Det er denne følelsen av tilbakekalling og en flerlagsprosess med å søke etter gjenkjennelse som ser ut til å gi abstrakt kunst mye av sin varige appell. Fra Kandinskys utforskende verk fra 1911, til konseptet med toppforskyvning, og til den samtidige studien av neuroestetikk, er psykologien bak abstrakt kunst et stort og stadig skiftende studieområde som bekrefter den varige interessen for å forsøke å dekode, forklare og nyte abstrakt kunst. 

Fremhevet bilde: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 tommer