Et intervju med Jeremy Annear

Jeremy Annear (f.1949) er en høyt respektert og suksessfull abstrakt kunstner basert i Cornwall, England. Hans verk er eid av Ionian Trust og The Royal Holloway Collection blant andre, og han har stilt ut internasjonalt i Canada, Amerika, Tyskland, Frankrike og Holland; alle steder som har hatt sin egen unike innflytelse på hans arbeid. Hans nyeste utstilling på Lemon Street Gallery i Truro, en fellesutstilling med hans kone, Judy Buxton, fungerte som en slags hjemkomst for kunstneren, for hvem det korniske landskapet er en stor kilde til inspirasjon og refleksjon. Vi snakket med Jeremy om utstillingen, hans karriere og hans syn på Abstraksjon.

Kan du fortelle oss om den nylige utstillingen "Twofold: in Art and Life" på Lemon Street Gallery?

Lemon Street galleri er et ledende galleri i Cornwall og har et veldig godt rykte nasjonalt. Det ligger på tre etasjer, og Judy, min kone, skulle ha en utstilling i hele galleriet, men da hun følte at hun ikke ønsket å bruke alle tre etasjer, ble vi overtalt av Louise Jones, galleristen, til å vise sammen. Jeg hadde en soloutstilling i kjelleren av galleriet, som er et vakkert hvitt kube-rom, veldig minimalistisk, veldig moderne, det passer arbeidet mitt veldig godt. Jeg hadde omtrent 30 verk i utstillingen.

Dette var første gang du delte en utstilling med din kone, var det noen interaksjon mellom verkene deres?

Nei, arbeidet vårt er virkelig veldig forskjellig og sannsynligvis hemmeligheten bak vårt vellykkede malepartnerskap i tretti år. Jeg har enorm respekt for Judy som en uttrykksfull figurativ maler, og jeg synes hun har et utrolig blikk. Jeg kommer fra et helt annet sted, fra en modernistisk tradisjon med røttene mine tilbake til ikonmaleri og deretter italiensk quattrocento-maling, så jeg kommer gjennom den typen bilder inn i 1900-tallets modernisme og folk som Picasso og Paul Klee. Det er en veldig annen sensibilitet til arbeidet.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olje på lerret. 80 x 100 cm.

Du beskriver en lekfull tilnærming til maling: kan du utdype dette aspektet av din praksis?

Jeg tror det finnes en dypere mening med lek enn den generelt forståtte betydningen av lek – som i, hvis du leker, så gjør du ikke noe seriøst –, men jeg tror det finnes en tilnærming, spesielt innen kreativitet og tenkning, der lek er en lettsindig tilnærming og du gjenkjenner ting som ironi og metafor og til og med aspekter av rampestreker og spøkefullhet, som i ‘døgenikt’ i litteraturen. Når jeg snakker om lek, snakker jeg om det i den forstand; det er et sted hvor du blir frigjort fra en pedantisk alvorlighet, men det har en annen type alvorlighet som er forferdelig produktiv.

Kan du beskrive dine erfaringer med å jobbe og stille ut i andre land?

Jeg har alltid hatt et godt forhold til å vise arbeid i Tyskland og Sveits. Jeg bodde i Worpswede, Tyskland, i ett år. Det er et helt fantastisk sted som tilbyr mange kunstner-, musiker- og forfatteropphold – mitt var et veldig generøst DAAD-stipend – og det var veldig interessant å være i Tyskland, å jobbe der og å møte andre kunstnere, mange av dem fra Øst-Europa, men også en del tyske kunstnere, og å føle den litt overveldende følelsen i Tyskland av at ting må være veldig godt utført og veldig klare. Landskapet reflekterte det fordi det er de gjenvunne myrlandene i Nord-Tyskland. Det er mye myrland som er gjenvunnet vann, så selv om jeg ikke var nær sjøen, følte jeg at jeg satt på sjøen. Det er torvmyr, og svarte diker er kuttet i landskapet for å temme det, og skaper velordnede rette linjer i miles, men samtidig begynner vegetasjonen å ta over, og noe av orden blir uordnet av et uregjerlig naturliv. Det er et vakkert landskap, men det tok meg lang tid å komme inn i det fordi jeg fant det nesten skremmende, da det var så strengt og rigid. Når jeg først kom inn i det, likte jeg det virkelig. Jeg har også jobbet mye i Australia og i Spania og Frankrike, så jeg liker virkelig å jobbe i varme. Jeg liker kulturen som ofte finnes rundt varme steder: muligheten til å være litt mer fysisk fri i et varmt land, i stedet for i fuktige gamle Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olje på lerret. 100 x 80 cm. 

Har alle de forskjellige stedene ført arbeidet ditt i forskjellige retninger?

De har gitt meg muligheten til å se arbeidet mer bredt. I Tyskland var jeg veldig interessert i ideen om collage, både filosofisk og i å lage collage, og ideen om å legge ett konsept eller en idé opp mot en annen idé; en lagdelt tilnærming til arbeid. I Australia ble jeg blåst bort av den giftige følelsen av et landskap som forfaller, men fornyer seg selv, som om det konstant blir testet av ild. I Frankrike og, spesielt, Spania, elsket jeg den gutsy følelsen som det spanske folket har – det er et varmt blodig land, Spania, det har den følelsen av å leve litt i et farlig sted når det gjelder politikken, og jeg liker den kanten; jeg liker mørket som skapes av den ekstreme lysstyrken: følelsen av chiaroscuro. Jeg liker rødfargene som skapes av varmen. Bestemte ting i forskjellige land har virkelig hatt en innvirkning på måten jeg arbeider på.

Hvorfor valgte du Abstraksjon?

Det enkle svaret er at Abstraksjon valgte meg. De åndelige og filosofiske spørsmålene, samt de store spørsmålene, har alltid tiltrukket meg, selv i mine formative år. Det har alltid eksistert i kunst og har å gjøre med hvorfor og hvordan: formen og konseptet bak narrativ og figuration.

Jeremy Annear - Havmusikk., 2018. Olje på lerret. 60 x 40 cm.

Tror du at abstrakt maleri har hatt en renessanse de siste årene?

Jeg gjør faktisk ikke det. Jeg har ganske sterke følelser, spesielt om den britiske tilnærmingen til Abstraksjon, fordi jeg tror at britene, generelt sett, synes Abstraksjon er veldig vanskelig. Jeg tror den britiske sansen er å finne narrativ i ting, så vi har en veldig sterk litterær og musikalsk tradisjon i Storbritannia, men jeg føler at kunsttradisjonen ikke har vært så sterk når det gjelder Abstraksjon. Et sted som Tyskland er mye mer i stand til å håndtere abstrakte konsepter og tenkning. Det er en tendens, anekdotisk sett, i kunstverdenen for en foto-realistisk, feilfritt utført, perfeksjon i kunsten, som ikke nødvendigvis er abstrakt, men som har lag av mening, en postmoderne tilnærming: en collage av både abstraksjon og figurasjon. Jeg elsker ren abstraksjon, selv om jeg ikke alltid har vært en ren Abstraksjonist; jeg har sannsynligvis gått gjennom en fase med å abstrahere objekter til det jeg nå føler er et sted for ren abstraksjon.

Gjør du noen gang omarbeidede stykker eller går tilbake til tidligere produksjoner?

Jeg har kommet tilbake til arbeidet og jobbet med det igjen. Jeg jobber aldri med ett verk om gangen; jeg jobber med et kunstnerisk prosjekt. Jeg har en rekke malerier som kan arbeides med i studioet. Jeg mener også at mitt liv som maler ikke handler om individuelle malerier, men det er søken etter den mest essensielle uttalelsen jeg kan gjøre, så enkelt og minimalt som mulig. Mitt ideelle maleri ville vært et helt blankt rom, men en overflate som også var fengslende samtidig, men det er som perfeksjon som jeg vet jeg aldri vil oppnå! Jeg antar at jeg virkelig søker etter essensen av språket jeg snakker; maling er mitt språk, og jeg prøver å finne den beste måten å si det jeg vil si så kortfattet som mulig.

Har det vært en nylig utstilling som har skilt seg spesielt ut for deg?

Jeg så nylig en Louise Bourgeois utstilling i Malaga på Picasso-museet som var helt fantastisk, og jeg elsker virkelig arbeidet hennes. Jeg likte også et nylig besøk til Miró-museet i Barcelona. Braque har jeg alltid sett på som min maler-far, det er noe jeg finner fryktelig fengslende i arbeidet hans. Å se på livet til Braque, hans opp- og nedturer i maleriet og mannen han var: jeg finner livet hans fascinerende. Jeg er en elsker av modernisme, i alle dens former, musikk, arkitektur og kunst. Og jeg er en stor elsker av brutalismen i arkitektur og minimalismen i musikk.

Fremhevet bilde: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Olje på lerret. 70 x 90 cm.