Fanget det flyktige i tid - Fotografiet til Hiroshi Sugimoto

Duale utstillinger som pågår frem til 22. desember på Marian Goodman Gallerys lokasjoner i Paris og London utforsker arbeidet til Hiroshi Sugimoto, anerkjent fotograf, skulptør og konseptuell kunstner, hvis arbeid tar for seg mysteriene ved menneskelig persepsjon. Den londonske utstillingen, med tittelen Snow White, fokuserer på en samling fotografier Sugimoto har arbeidet med siden 1978, kalt hans Teater-serie. Hvert fotografi i serien viser en kino med lerretet i sentrum av bildet. Lerretet lyser sterkt, som et sølvlys. For å ta disse bildene setter Sugimoto opp et storformatskamera, åpner lukkeren og holder lukkeren åpen gjennom hele filmen, og fanger hvert enkelt bilde av filmen på ett filmrute. Fotografiene fanger tidens gang, og reiser spørsmål om hva som er ekte og hva som er fiksjon. I mellomtiden fokuserer den parisiske utstillingen, med tittelen Surface Tension, på to andre arbeider Sugimoto har jobbet med. Det første er hans Seascape-serie, som han har utviklet siden 1980. For denne serien tar Sugimoto bilder av rolige hav over hele verden. Hvert foto er perfekt balansert—halv vann og halv luft, med horisontlinjen i midten av bildet. Og ved siden av Seascape-bildene vises fem skulpturelle verk fra en serie kalt Fem Elementer. Disse skulpturene består av fem geometriske former, som symboliserer jord, vann, ild, luft og tomhet. Hver skulptur har en kule, som symboliserer vann, og hver kule inneholder et fotografi fra Seascape-serien. Begge disse utstillingene er et must å se. Men som med mange Sugimoto-utstillinger, berører de bare overflaten av det enorme verket denne kunstneren har skapt. Så hvis du ikke er kjent med arbeidet hans, her er noen flere av de mange sidene til Hiroshi Sugimoto.

Se som et kamera

Hiroshi Sugimoto ble født i Tokyo i 1948. Han lærte å ta bilder som barn, men vurderte ikke fotografi som en karriere før mye senere. Han studerte økonomi ved St. Paul’s University i Japan. Men fire år etter at han ble uteksaminert, flyttet Sugimoto til Los Angeles og meldte seg på masterkurs ved Art Center College of Design. Og samme år fikk han en åpenbaring om det kunstneriske potensialet for fotografi til å avsløre skjulte sannheter om verden. Hans åpenbaring skjedde på en tur til New York City, hvor han besøkte American Museum of Natural History. Museet er kjent for sine dioramaer, der livsstørrelsesmodeller av mennesker og dyr gjennom historien presenteres blant gjenstander fra deres periode. I bakgrunnen av hvert diorama er det enten et fotografi eller et maleri av natur, som tilfører et todimensjonalt element til scenen som åpenbart er falskt, og vanligvis noe klisjéaktig.

Mens han stirret på en av disse dioramaene, lukket Sugimoto tilfeldig det ene øyet. Det fikk ham plutselig til å innse at ved å se på noe med bare ett øye, flattet han ut hele scenen, slik at den så ut akkurat som om den var fotografert med et kameralinse. Å se på dioramaet på denne måten fikk hele greia til å se mer realistisk ut. Så Sugimoto dro tilbake til museet med kameraet sitt og tok svart-hvitt fotografier av dioramaene. Utrolig nok flattet fotografiene ut alle elementene i dioramaene, ikke bare bakgrunnen, og scenene fikk en uhyggelig realisme. Hans Diorama-serie ble den første av mange verk han siden har forfulgt som involverer å fotografere noe på nytt, eller ta fotografier av noe som er falskt, som figurer i voksmuseer. Da han ble spurti et intervju med Getty Museum-direktør Timothy Potts i 2014 om sin fascinasjon for denne prosessen, sa Sugimoto: “Fotografi er å lage en kopi av virkeligheten, men når det blir fotografert to ganger, går det tilbake til virkeligheten igjen. Det er min teori.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon-fossen, 1976, Gelatin sølvtrykk, Neg. #00.001, Bilde: 47 x 58 3/4 tommer (119,4 x 149,2 cm), Ramme: 60 11/16 x 71 3/4 tommer (154,2 x 182,2 cm), Utgave av 5, (20200)

Hva du ser på

Sugimoto fulgte sin Diorama-serie med sine første Teater-fotografier. Som Diorama-serien stilte Teater-serien spørsmålet om det som er synlig i fotografiet er ekte. Hvis vi ser en Hollywood-film, vet vi at vi ikke ser noe som faktisk har skjedd. Det er skrevet, så det er falskt, ikke sant? Og likevel fanger disse fotografiene Sugimoto tar, som inneholder den visuelle informasjonen fra hele filmer, noe som faktisk skjedde—visningen av filmen. Fotografiene fanger virkeligheten, et faktum som understrekes i Drive-In Teater-versjonene av serien, som fanger lysstriper på himmelen bak skjermen mens fly passerer forbi gjennom filmen. Så er det vi ser på ekte eller falskt? Det sterke, sølvfargede lyset i sentrum av bildet er ikke bare lys—det er en historie. Og selv om det var skrevet, skjedde det. Som Sugimoto påpeker, på en eller annen måte gjør det å fotografere det to ganger det ekte igjen.

Etter å ha begynt på sin Teater-serie, startet Sugimoto sin Havlandskap-serie. Bildene i denne serien er, formelt sett, geometriske og abstrakte. Når de sees i grupper, får bildene også en typologisk tilstedeværelse i tradisjonen til Bernd og Hilla Becher. Selv om dette ikke er bilder av bilder, som var bildene i hans tidligere Diorama- og Teater-serier, utfører de likevel en lignende funksjon. Sugimoto viser oss bilder av forskjellige ting som ser like ut. Han viser dem til oss slik de fremstår på forskjellige tider av døgnet og under forskjellige atmosfæriske forhold. De er åpenbart forskjellige. Men de er også åpenbart de samme. Luften og vannet er bare en del av den fysiske verden. Men de får også en abstrakt kvalitet. Havet blir et symbol. Og vi kan igjen spørre hva vi ser på. Er disse bildene av den virkelige verden eller har de oppløst seg i allegori eller metafor?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Bilder av verden

Sugimoto kaller dette fenomenet av det virkelige som oppløses i det uvirkelige, og omvendt, i sitt verk, “en testmetode for å undersøke menneskelig persepsjon.” Og han har fortsatt denne testmetoden på flere fascinerende måter gjennom tiårene. På 1990-tallet reiste han tilbake til Japan og, etter å ha vasset gjennom syv år med byråkrati, fikk han lov til å fotografere en gammel installasjon inne i et buddhistisk tempel kalt “Den Tusen-Armede Barmhjertige Bodhisattva Avalokitesvara.” Installasjonen har en mangfoldig skulpturell representasjon av Buddha som den fysiske manifestasjonen av etterlivet. Sugimoto fotograferte installasjonen på forskjellige tider av dagen, og viste skygger og lys som belyste forskjellige elementer til forskjellige tider. Den resulterende serien, Hav av Buddha, er en abstrakt undersøkelse av form og tid.

I sin Arkitekturserie, som også ble påbegynt på 1990-tallet, tar Sugimoto helt uskarpe bilder av ikoniske arkitektoniske former, som World Trade Center-tårnene og Eiffeltårnet. I mellomtiden, for sin "Praise of Shadow"-serie, tenner han et lys hver kveld ved et åpent vindu og tar en enkelt eksponering av det som brenner med lukkeren åpen på kameraet hele tiden til lyset brenner ned eller slukker. I sin Furutre-serie tok han uskarpe bilder av perfekte furutrær i det japanske keiserpalasset, og deretter kollasjerte dem sammen i surrealistiske komposisjoner sammenlignbare med 1500-tallets Shorinzu "Furutreskjermer." Alle disse seriene viser den virkelige verden på en uskarp, drømmelignende måte. Alle har lange eksponeringer. De tar oss tilbake i tid, og lar oss knytte bånd til gamle, universelle visjoner av arkitektur, lys og natur. De hjelper oss å se disse tingene som både minner og ideer.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

Verden i svart og hvitt

I tillegg til hver av disse verkene som allerede er nevnt, har Sugimoto også flere andre serier han jobber med, hver av dem strekker seg over år, om ikke tiår. I tillegg til sitt fotografiske arbeid, lager han også skulpturer, deltar i forestillinger, og lager stedsspesifikke verk. Alt dette han gjør virker forskjellig og muligens frakoblet, men i hjertet kan de alle forstås med den samme resonnementet Sugimoto bruker når han svarer på spørsmålet om hvorfor han så ofte velger å ta bilder i svart-hvitt. Hans svar på det spørsmålet er, “Troverdighet er bedre i svart-hvitt enn i farger.”

Fargefotografier fanger aldri vår sanne opplevelse av farge. Så ved å velge svart-hvitt lager han bilder som er mer abstrakte, og mer universelle. Det er en variasjon av det japanske konseptet honka-dori, eller å imitere arbeidet til en annen kunstner. Sugimoto representerer det som allerede eksisterer i ulike former, men en perfekt kopi er ikke mulig, og det er heller ikke ønskelig. Så han viser oss virkeligheten i abstrakt form. Han refererer til våre minner og vår felles fortid. Han er, som han sier, "tar opp melodien" som en måte å fremkalle noe lignende og universelt som forhåpentligvis alle kan forstå.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Fremhevet bilde: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015 Gelatin sølvtrykk, Neg. #36.002, Bilde: 47 x 58 3/4 tommer (119,4 x 149,2 cm), Ramme: 60 11/16 x 71 3/4 tommer (154,2 x 182,2 cm), Utgave av 5, (20220)

Alle bilder © Hiroshi Sugimoto, Courtesy kunstneren og Marian Goodman Gallery

Av Phillip Barcio