Få mest mulig i den enkleste formen - Anne Truitt hos Matthew Marks

En sjelden utstilling av malerier av Anne Truitt vises nå på Matthew Marks Gallery i New York. Truitt (1921 – 2004) er mest kjent for sine skulpturer, eller strukturer som de oftest kalles. Dette er den første store amerikanske utstillingen av hennes malerier siden 1970-tallet—bare to av de 11 verkene som vises har tidligere vært vist offentlig. Det er en stor mulighet for samtidige betraktere til å gjenoppdage Truitt—hennes strukturer, hennes tegninger og hennes malerier likt. De subtile håndmalte linjene i disse todimensjonale verkene fremkaller motstridende følelser av både ensomhet og håp. De upresise, maleriske formene, bare så vidt ute av balanse, føles merkelig menneskelige: feilbarlige, men selvsikre, så annerledes enn om hun hadde laget dem som rene, skarpe geometriske former. Fargeforholdene i disse maleriene synes å få ny betydning, og får meg til å gå tilbake og se på fargeforholdene i hennes strukturer igjen. Samtidig gir formene på flatene—noen høye og vertikale, andre horisontale og lange, andre helt kvadratiske—komposisjonene et rikt mangfold av karakter. Fulle av personlighet og følelser minner disse maleriene meg om at Truitt og hennes verk altfor ofte har blitt misforstått. På 1960-tallet ble hun kalt en proto-minimalist av gutteklubben i New Yorks kunstverden, representert ved Clement Greenberg og Donald Judd. Men Truitt så ikke på sitt arbeid slik. Hun så det som en vei mot ekspresjonisme. Hun sa: «Jeg har kjempet hele livet for å få maksimal mening i den enklest mulige form.» Etter å ha sett verk av Ad Reinhardt og Barnett Newman på Guggenheim i 1961, fikk hun en åpenbaring om at hun kunne pakke nok farge og rom inn i et kunstverk til at hun kanskje endelig kunne uttrykke vidstraktheten og dybden i sine innerste følelser. Etter å ha oversatt denne erkjennelsen til fysisk form, beskrev hun «den skarpe gleden ved å se det som har vært inne i ens egen mest intime selv materialisere seg til synlighet.»

Historien om misforståelsen

Historien om hvordan Truitt har blitt misforstått av kritikere går tilbake til hennes første separatutstilling, som var i februar 1963 på André Emmerich Gallery i New York. Den viste seks håndmalte, rektangulære poppelstrukturer. Hver struktur ble designet av Truitt og deretter bygget av en møbelsnekker i rått tre. Truitt påførte så malingen, skapte abstrakte mønstre på formene og sørget for å la penselstrøkene være synlige. For Truitt var forholdet mellom formene, fargene og materialkvalitetene ment å vekke følelser og sette i gang en søken etter mening. Men plasseringen av verkene i utstillingen forstyrret disse intensjonene. Plasseringen var tydeligvis ikke gjort av Truitt, men av Kenneth Noland, som også var representert av galleriet, og Clement Greenberg. De spurte angivelig ikke Truitt om hennes mening under planleggingen av utstillingen, og foreslo til og med at hun skulle fjerne fornavnet sitt fra markedsføringen slik at folk ikke skulle vite hvilket kjønn hun hadde.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl på lerret. 96 x 8 1/2 tommer. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Med tillatelse fra Matthew Marks Gallery, New York

På fotografier ser strukturene mektige og trange ut, tett plassert i et rom med lavt tak, i noen tilfeller plassert mot en vegg. De fremstår mer som deler av en muselabyrint enn unike kunstverk. Å inkludere færre verk, eller spre verkene ut i et større rom, ville ha tillatt hver struktur å fullt ut uttrykke sine hensikter. I stedet ble verkene tolket som meningsløse og anonyme utbrudd av minimalisme. Det var akkurat slik gutteklubben ønsket det. Judd hadde vist sine første minimale strukturer bare måneder tidligere i en gruppeutstilling i samme galleri. Og det var i hans essay om Truitt-utstillingen at Clement Greenberg først feilaktig hevdet at hennes arbeid «forutsa minimalismen.» Som med nesten alt disse mennene gjorde og sa, handlet det ikke om Truitt, men om dem selv. De presset Truitt inn i en falsk kritisk boks slik at de kunne posisjonere seg som de viktigste tolkere av den lineære utviklingen i kunsthistorien, dominert av hvite menn. Siden da har betraktere vært forvirret over Truitt og intensjonene bak hennes arbeid.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl på lerret. 20 x 120 tommer. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Med tillatelse fra Matthew Marks Gallery, New York

Oppdag den ekte Truitt

Dessverre er mange kunstkritikere ikke bedre i dag. Denne utstillingen av Truitt-malerier på Matthew Marks Gallery kommer rett i kjølvannet av en annen stor utstilling kalt In The Tower: Anne Truitt, som ble avsluttet i april 2018 ved National Gallery of Art i Washington, DC. Den utstillingen fokuserte på et utvalg av Truitts verk nylig anskaffet av museet. Blant verkene som ble vist var den gripende gule og hvite vertikale strukturen «Mary’s Light» (1962), og den utenomjordiske, horisontale, totonede blå «Parva XII» (1977). Disse verkene spesielt summer av nyanser og visuell poesi. Malingen etterligner formenes stemmer; fargeforholdene samarbeider både med og mot tyngdekraften. En oppmerksom betrakter kan lett bli rørt til tårer av deres følelsesmessige kraft—det starter i øyet, men beveger seg raskt til sinnet og hjertet.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl på lerret. 48 1/4 x 48 1/8 tommer. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Med tillatelse fra Matthew Marks Gallery, New York

Men som i Greenberg og Judds dager, nedvurderte den mest innflytelsesrike skribenten som dekket den utstillingen—Philip Kennicott fra Washington Post, Pulitzerprisvinner—Truitt i stedet for å gi hennes arbeid den anerkjennelsen det fortjener. Kennicott fokuserte mest på det private livet Truitt levde. Han kom med smålige kommentarer om de sosiale kretsene hun var en del av og sladderen som gikk rundt dem. Han nevnte knapt kunsten, og når han gjorde det, var det ikke kritisk: ta for eksempel hans oppsiktsvekkende og åpenbart støtende bemerkning om at et utvalg av Truitts skulpturer «står fra hverandre med en viss WASP-aktig tilbakeholdenhet.» Hva betyr det egentlig? Uansett sier det mer om skribenten enn om kunsten. Anne Truitt: Paintings på Matthew Marks er en sjanse til å begynne på nytt med det viktige verket denne undervurderte kunstneren skapte. Det gir en inngang til nyansene og detaljene som preget alt annet arbeid hun gjorde. Hvis du får muligheten til å se det, ta bare dette rådet: ignorer kritikerne og la verket tale for seg selv. Anne Truitt Paintings vises på Matthew Marks Gallery i New York til 27. oktober 2018.

Utvalgt bilde: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl på lerret. 19 x 92 tommer. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Med tillatelse fra Matthew Marks Gallery, New York
Av Phillip Barcio