18 samtidsabstrakte kunstnere åpner seg om sin arv

Det er farlig og umulig å undervise i kunst. Likevel er det også nødvendig. For at kunst skal eksistere, må kunstnere lære å bli det de nå enn måtte komme til å bli, og å skape det de nå enn måtte komme til å skape. Noen lærer på skolen, av andre ufullkomne mennesker som dem selv, og som av en eller annen grunn har påtatt seg den farlige, umulige og nødvendige oppgaven det er å dele med andre det de har lært. Andre kunstnere finner lærere utenfor klasserommet. De lærer kanskje hva det vil si å være kunstner ved å henge sammen med andre kunstnere på vernissasjer eller i barer. De lærer kanskje hva det vil si å lage kunst ved å se videoer på nettet eller ved å dekonstruere kunsten de ser på museer eller i bøker. Noen kunstnere lærer kanskje seg selv hvem de er ved å følge inspirasjonen de får fra arkitektur og design, ganske enkelt ved å reagere på tankene og følelsene de opplever når de samhandler med det hverdagslige, bygde miljøet og dets utallige produkter og rom. Atter andre lærer kanskje å være kunstnere ganske enkelt ved å omfavne - og deretter nære - sin indre trang til å skape. Prosessen med å lage kan lære oss hvordan vi skal lage. Prosessen med å være kan lære oss hva vi ønsker å være. Til syvende og sist vil alle som kommer seg gjennom læringsprosessen til det øyeblikket da de kan si setningen «Jeg er kunstner» uten å føle at det er en løgn, ha en historie å fortelle om lærerne sine. I dag bringer vi deg en samling av slike historier fra kunstnere som er modige nok til å dele sine læringslinjer. De er modige fordi det å kunngjøre sin estetiske eller konseptuelle arv utsetter dem for en fryktelig trussel. Du som leser, kan innse at én kunstner var elev av en annen kunstner, eller ble inspirert av dette eller hint, og forveksle det med en snarvei. Du kan si: «Aha! Nå ser jeg hvem de kopierer», eller «Nå forstår jeg kunsten deres!» La i stedet informasjonen utvide oppfatningen din mens du leser disse anekdotene om hvordan disse 18 kunstnerne ble det de er. Følg hver tråd og grav dypere. Kanskje får du et glimt av den farlige, umulige og nødvendige skjønnheten i hva det egentlig vil si å undervise i og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var student av Wayne Thiebaud ved University of California i Davis. Om de andre lærerne sine sier hun:

«En stor innflytelse for meg var å se Hieronymus Bosch’ triptyk, «Lystenes hage», på Prado-museet da jeg var tenåring. Jeg ble slått av ikonografien, så vel som de frodige fargene og de intrikate komposisjonene i verkene hans. Jeg reagerte umiddelbart på dualiteten i Boschs verk: den skarpe og lysende paletten hans: nyanser av blekksvart, umbra, blekrosa, benfarge, vermilion og asurblått; kurvene i de gjennomskinnelige nytelseskapslene hans i Edens hage, satt opp mot den gjennomtrengende psykologiske og fysiske nedstigningen til et hallusinatorisk helvete. Boschs visjonære geni gjenga menneskenaturen i alle dens former, med en direkte nærhet og kraft som jeg finner utrolig sjelden selv i dag.»

Anya Spielman - Ultrafiolett, 2015. Olje på plate. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerte med Louis Finkelstein som hovedfagsstudent ved Queens College, City University of New York. Ved den samme skolen studerte hun med Benny Andrews, som utdannet seg som abstrakt ekspresjonist ved School of the Art Institute of Chicago på 1950-tallet; Clinton Hill, som var studioassistent for Mark Rothko; kunstkritikeren og Artforums assisterende redaktør Robert Pincus-Witten, som hun sier «hjalp meg med mitt kritiske blikk»; og Charles Cajori, som var elev av Hans Hofmann. Sirlin sier:

«[Lineage] er virkelig et komplisert spørsmål. Forbindelsene til kunstnere går også på kryss og tvers. Anne Truitt var viktig for meg da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var også der den sommeren [1983]. Erin Lawlor var atelierkollegaen min ved The Rothko Centre i Latvia. Jose Heerkens var ved Rothko Centre samtidig som oss [2016]. Kara Walker var student da jeg underviste ved The Atlanta College of Art, og Kara og jeg stilte ut på den samme Atlanta-biennalen i 1992. Så er det de andre kunstnerne - forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf for Frida Kahlo og Arshile Gorky] var mentoren min som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var på Yaddo sammen ... Jeg var nær venn med dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusforfatter for Warhol ... Jeg håper jeg ikke gjorde dette mer forvirrende for deg i dette ekstra svaret.»

Deanna Sirlin - Undring, 2015. Blandet teknikk på lerret. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

«Da jeg begynte å male, var jeg sterkest påvirket av Picasso. Jeg ble tiltrukket av hans bruk av farger og måten han satte merker på, særlig i «Girl Before A Mirror» (1932). Senere, da jeg begynte å male mer i en abstrakt ekspresjonistisk stil, ble jeg mer tiltrukket av Joan Mitchell og Willem De Kooning. Jeg begynte imidlertid først virkelig å se på arbeidene deres etter at jeg hadde malt på denne måten, ikke før.»

Brenda Zappitell - Akkurat nå, 2017. Flashe og akryl med kaldvoks på plate. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I et intervju fra 2006 for Minus Space NY spurte maleren Chris Ashley Göttin hvor han begynner som kunstner. Göttin svarte:

«Kunsthistorien later noen ganger som om en bestemt kunstretning er en fullstendig enhet. Bruken av begrepet «konkret» sammenfaller ikke nødvendigvis med den ideologiske bakgrunnen til Konkrete Kunst, som også var basert på ideer om samfunn og politikk. Det jeg er opptatt av, er en enhet som også kan romme motsetninger – et ja og et nei, og til og med et kanskje. Utgangspunktet mitt er en syntese av ulike syn eller posisjoner samtidig, noe som for meg er et romlig perspektiv. Det kan være åpenbart eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge deler samtidig, med eller uten motsetning. Det kan være regel og avvik sammen. Noen av de tidligere arbeidene jeg laget, var collager knyttet til Kurt Schwitters’ arbeid (Merz), der alt mulig funnet materiale grovt ble limt på et stykke papp – fysisk, direkte, improvisert, tilfeldig, fargerikt, til og med dadaistisk. Senere ble jeg interessert i minimalisme, der kunstverket ofte er nøye planlagt og perfekt og tydelig konstruert med en definert bruk av materialer og oppmerksomhet på detaljer. Begge retningene er viktige for meg, og noen ganger ser jeg at arbeidet mitt bærer deler av begge, og befinner seg mellom disse to kunsthistoriske posisjonene.»

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

«Det er ganske vanskelig å forstå sine egne påvirkninger, i hvert fall for meg, siden jeg i stor grad arbeider ut fra intuisjon og ikke så mye ut fra bevissthet. Jeg tror at de formative årene mine som kunststudent ved UCLA (BA 74, MFA 77) utgjorde en stor del av den jeg er. På den tiden var UCLA i stor grad en malerskole med en europeisk/modernistisk dreining. Til min første malerklasse ble jeg meldt på introduksjonskurset i maling med Richard Diebenkorn (jeg hadde ingen anelse om hvem han var), men han og fakultetsledelsen hadde noen problemer, og stillingen hans ble avsluttet før kurset begynte. Så jeg studerte med Richard Joseph, en nyrealist, som ga meg et solid grunnlag. Det var ikke før seks måneder senere, da jeg arbeidet i en mer avansert malerklasse med Charles Garabedian, at jeg begynte å eksperimentere med abstraksjon. Gjennom årene var professoren som trolig hadde størst innflytelse på meg, William Brice. Bill var en svært velformulert, verdig, generøs, omtenksom og morsom lærer og venn. Som en hardtarbeidende og produktiv kunstner snakket han ofte om nødvendigheten av å tilbringe tid i atelieret med å arbeide seg gjennom ting, og at alt annet er mindre viktig. Jeg tenker ofte på ham og føler meg så heldig som fikk kjenne ham i lang tid. Det tok riktignok flere år å frigjøre meg fra ideen om å være student og fra å høre stemmene til mine gamle professorer i hodet hver gang jeg malte, men med tiden har jeg fått en klar følelse av hvem jeg er og hvilket ansvar jeg har for å skape verk som oppfyller visjonen min. Jeg ser ofte sider ved andre kunstnere i arbeidene mine, noen ganger med en følelse av at det virkelig finnes en forbindelse gjennom de samme ideene, og andre ganger virker det bare som om enhver likhet er overfladisk. Til syvende og sist får kunstskribentene snakke om påvirkningene.»

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blekk på papir. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var læreren min i grafikk for 25 år siden. Vi møttes første gang da jeg bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael holdt et ukelangt verksted i grafikk. Så mange ting skiller seg ut ved vår første kontakt: Michael var en utrolig empatisk og sosialt bevisst person, ikke bare i de valgte motivene sine (tegninger og trykk av lidende pasienter på et psykiatrisk sykehus og dyr bak gitter i en dyrehage), men også i samtalene våre om livet, ansikt til ansikt. Han lærte meg å være sjenerøs gjennom sitt eksempel, som en måte å balansere studioets selvopptatthet på. Det var ingenting ved teknikken hans eller jakten på en kunstnerkarriere som Michael ikke ville dele. Michael tilbrakte tid i Kina på slutten av 80-tallet, og gjennom hans kjærlighet til det asiatiske landskapet lærte jeg å forenkle bevegelsene mine, å male med et sparsommelig uttrykk - noe jeg holder svært nær hjertet. Jeg vil aldri glemme humoren hans når han sa til meg: «Tracey, dette er ungepatchke!», et jiddisk ord som betyr for overfylt og dekorert."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafitt og blekk på Rives-papir. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee nevner en akvarell av Paul Cezanne som hun så da hun var 11 år, som sin første inspirasjonskilde. Den gjorde «et uforglemmelig inntrykk». Hun fortsetter:

"Professoren min, Klaus Stümpel, sto naturen så nær at han nesten fikk kallenavnet «en bonde». Han anbefalte at jeg studerte Frantisek Kupka. Jeg studerte prosessen hans med å abstrahere og hans kosmiske og mystiske perspektiv. Fremfor alt lærte jeg mer enn noe annet om hans kjærlighet til livet og hans vilje til å holde fast ved tankene sine. Da jeg kom tilbake til Korea, tenkte jeg igjen på Kandinsky. Jeg tror hans ønske om å finne en objektiv, universell sannhet i kunsten er en umulig utfordring. Jeg mener at kunst først og fremst er subjektiv og personlig. Når jeg søker inn til min dypeste indre side, kan jeg kommunisere med andres indre. Jeg tror at kunsten kan være et medium som knytter sammen mikrokosmos (mennesket) og makrokosmos (verden). Farge er særlig et tema for forskningen min. Jeg leter etter fargen som adjektiv. Jeg liker Richters holdning til arbeidet, hans lidenskap for maleriet og eksperimenteringsånden. Kanskje On Kawara? Jeg liker arbeidene hans, som han ønsket å bevise var levende, og gjennom å arbeide hver dag ønsker jeg å bevise for meg selv at jeg fortsatt lever, følelsesmessig og sanselig. Tankene mine om Wassily Kandinsky og mange andre minimalister er svært forskjellige fra det generelle perspektivet. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Bilde med hvitt, 2008. Akryl på lerret, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nevner kunstnere som påvirkningskilder (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun snakker også om de personlige måtene kulturen har påvirket kunsten hennes på, slik den følgende anekdoten viser:

"Faren min drev med skiltproduksjon. Som de fleste urbane barn i Amerika vokste jeg opp i baksetet på en bil, hyperbevisst på reklametavler og neonlys. Oppmerksomhetsskapende, direkte visuell stimulering var en del av psyken min. For kort tid siden besøkte jeg MoMA i New York og ble igjen slått av Barnett Newmans maleri «Vir Heroicus Sublimis» (Menneskelig, heroisk og sublimt) (1950-51). Min kroppslige reaksjon på verkets kraft, umiddelbarhet og enkelhet var overveldende og bekreftet min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlaget khadipapir. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"For meg var det Mondrian. De abstrakte kunstnerne på den tiden arbeidet mer konseptuelt med abstraksjon, det vil si at de likte ideen om den, mens Mondrian arbeidet baklengs gjennom mekanikken og kom ut på den andre siden med en nyoppfunnet billedflate. Ikke mange har gjort det siden. Så begynte jeg å tenke at det måtte finnes flere måter å trenge inn i dette merkelige rommet som Mondrian hadde så godt grep om. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måter å uttrykke dette «andre» rommet på. Erfaringen med disse kunstnerne ga meg rom til virkelig å verdsette mine samtidiges arbeid og til å strebe etter å komme forbi den neste konvolutten."

Brent Hallard - Skyer, 2013. Akryl på papir. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og ofte tenkt på verkene til Vija Celmins. Hennes intense observasjon og rolige utførelse er svært inspirerende for meg. Louise Bourgeois har alltid inspirert meg med sin besluttsomhet til å uttrykke seg gjennom det mediet som passer best for ideene hennes. En mer åpenbar inspirasjonskilde er Agnes Martin; jeg elsker hennes selvsikre tilbakeholdenhet, og Mark Rothko for den følelsesmessige kraften arbeidene hans kan fremkalle."

Audrey Stone - Nr. 61, 2011. Tråd, blekk og grafitt på papir. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville nevner de tyske bunkerne fra andre verdenskrig som ligger langs den franske atlanterhavskysten. Han sier: «De fleste oppfatter dem som stygge arr. I mine øyne var substansen deres en del av landskapet; tiden smeltet dem sammen med sanden, dynene og havet, eller med maleriene som gatekunstnere malte på dem.» I tillegg ble Auville preget av denne opplevelsen fra ungdommen:

«Da jeg var seks eller sju år gammel, hadde jeg det privilegium å besøke Lascaux-grotten sørvest i Frankrike. Det var et sjokk for meg. Foreldrene mine kjøpte noen faksimiler som suvenirer, og jeg tilbrakte timevis med å se på dem i kjelleren hjemme og undret meg over hva som utgjorde forskjellen mellom bildene og det ekte kunstverket. Forskjellen var åpenbar, men jeg strevde med å forstå hva den egentlig besto i. Jeg slo lyset av og på, limte sand på bildene i et forsøk på å gjenskape substansen i Lascaux-maleriene, men nådde aldri frem til det jeg mente var sjelen deres.»

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentert sement på skumplater. Strukturell og opphengt ramme på baksiden. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nevner påvirkninger fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), albumdesignere (Hipgnosis, Peter Saville) og musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han sier:

"I årene før puberteten min fikk Piet Mondriaans visuelle språk mye oppmerksomhet i Nederland. Jeg var for ung til å tenke i kunstneriske termer, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det fortsatt! Litt senere ble jeg kjent med suprematistene, som i likhet med meg tok geometriske former som utgangspunkt. Siden søstrene mine er omtrent fem år eldre enn meg, oppdaget jeg tidlig i tenårene «progressiv» musikk og den tilhørende coverdesignen (via kjærestene deres). Ikke overraskende ønsket jeg å bli coverdesigner. Hvis jeg måtte velge én billedkunstner som endret måten jeg ser ting på, ville det vært Ellsworth Kelly. På midten av 80-tallet kjøpte Stedelijk Museum i Amsterdam «Blue Curve VI» (1982). Jeg dro dit regelmessig for å se på det og studerte det visuelle språket. Men nå, kanskje enda viktigere, lar jeg meg også lede av min egen reaksjon på kunst ... Jeg begynte å tenke på kunst ... formålet, betydningen, å du verden."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-blekk på Hahnemühle-papir. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Undervisningen til Josef Albers påvirker hvordan jeg tenker på å plassere farger i ulike kontekster. Og James Turrells skyspaces påvirket hvordan jeg tenker på å plassere atmosfæriske farger i ulike kontekster. Generelt er estetikken i Paper Skies- og Moving Pictures-seriene mine sterkt påvirket av moderne amerikanske malere som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella osv."

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Dye-sublimasjonstrykk på aluminium (matt/glanset overflate). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"For mer enn 20 år siden oppdaget jeg kapellet i Ronchamp, et sent verk av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kjent som Le Corbusier. Verken før eller siden har jeg opplevd en slik fornemmelse av det riktige i mulighetene mellom massivitet og høyde. Da begynte denne lange søken for meg, en søken som fortsatt gir meg næring i dag, med mål om å nærme meg det mest passende forholdet mellom det fulle og det tomme."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundum og koldnålsradering på kobber. Trykk på bfk rives-papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gjerne snakke om kunstneren som har inspirert meg i flere tiår, mer enn noen annen kunstner: Matisse, en kunstner man kunne studere livet ut. Arbeidet hans tok så mange retninger på grunn av eksperimenteringen og utforskningen av nye muligheter innen maleri. De er vakre, oppløftende og komplekse, til tider nydelige og fredfulle, til tider vanskelige og utfordrende – en gjenspeiling av hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papir. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

I stedet for å liste opp inspirasjonskildene sine nevner Cantrick kunstnerne hvis arbeid interesserer henne mest, enten det finnes en direkte forbindelse til hennes eget arbeid eller ikke. Hennes korte liste over moderne og samtidskunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke uttømmende liste, men det de har til felles, er klarhet, kompleksitet og vitalitet - mine egne hovedinteresser - uttrykt gjennom sterke farger og strukturer, tydelige former og et grunt billedrom. Når det gjelder førmoderne kunst, står Vermeer, Degas og Manet øverst på listen min, igjen på grunn av denne trioen av egenskaper: klarhet, kompleksitet og vitalitet. I tillegg: Spenningen i Vermeers solide gjengivelse formidler en utrolig håndgripelig stillhet - tidens suspensjon. Degas' særegne måte å punktere rommet sitt med «stille», uanimerte områder og/eller et sterkt vertikalt element på, fremmer en langvarig, rytmisk betraktning. Og hos Manet finnes det en umiddelbarhet og friskhet som, bortsett fra all den øvrige mesterskapen, på sitt beste er fengslende."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt tilfelle var jeg ikke påvirket av én bestemt kunstner, men snarere av kunstnermiljøet der jeg vokste opp i Chicago. Det bodde kunstnere overalt i nabolaget mitt, kalt Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg viste interesse for å tegne som førtenåring, ble jeg oppmuntret til å gå på skolen som var tilknyttet det fantastiske Art Institute of Chicago for å tegne etter levende modell. Der fikk jeg gå direkte gjennom museet med den berømte impresjonistsamlingen for å komme inn på skolen. Jeg tror dette i bunn og grunn formet interessen min for linje, gest og farge."

Anne Russinof - Se, 2014. Olje på lerret. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske arv finnes hos kunstnere som kombinerer en «reduktiv» tilnærming til å skape bilder/objekter med oppmerksomhet på overflate og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt dukker opp i tankene. I tillegg fortsetter det skulpturelle arbeidet til Richard Serra, Carl Andre og Fred Sandback, med deres særegne bruk av tredimensjonalt rom, å inspirere min tilnærming til maleri."

Macyn Bolt- Skyggebokser (B.2), 2015. Akryl på lerret. 122 x 96.9 cm

Kilder

• Triptyket Hagens gleder, Museo Nacional del Prado: Understøtter beskrivelsen av triptykets paneler med paradiset, jordiske gleder og helvete.