18 samtidsabstrakte kunstnere åpner seg om sin arv

Det er farlig og umulig å undervise i kunst. Likevel er det også imperativt. For at kunst skal eksistere, må kunstnere lære hvordan de skal bli det de skal bli, og hvordan de skal skape det de skal skape. Noen vil lære på skolen, fra andre feilbarlige mennesker som dem selv, som av en eller annen grunn har påtatt seg den farlige, umulige, imperativ oppgaven med å dele med andre det de har lært. Andre kunstnere vil finne lærere utenfor klasserommet. De kan lære hva det betyr å være kunstner ved å henge med andre kunstnere på åpninger eller i barer. De kan lære hva det betyr å lage kunst ved å se videoer på nettet, eller ved å dekonstruere kunsten de ser på museer eller i bøker. Noen kunstnere kan lære seg selv hva de er ved å følge inspirasjonen de får fra arkitektur og design, ved ganske enkelt å respondere på tankene og følelsene de opplever mens de interagerer med det hverdagslige bygde miljøet og dets utallige produkter og rom. Andre kan lære hvordan de skal være kunstnere bare ved å omfavne – og deretter nære – sin indre trang til å skape. Prosessen med å lage kan lære oss hvordan vi skal lage. Prosessen med å være kan lære oss hva vi ønsker å være. Til slutt vil alle som kommer seg gjennom læringsprosessen til det øyeblikket de kan si setningen, "Jeg er en kunstner," uten å føle at det er en løgn, ha en historie å fortelle om sine lærere. I dag bringer vi deg en samling av slike historier fra kunstnere som er modige nok til å dele sine læringslinjer. De er modige fordi å kunngjøre sitt estetiske eller konseptuelle arv utsetter dem for en forferdelig trussel. Du, leseren, kan innse at en kunstner var student av en annen kunstner, eller ble inspirert av dette eller hint, og forveksle det med en snarvei. Du kan si, "Aha! Nå ser jeg hvem de kopierer," eller, "Nå forstår jeg kunsten deres!" I stedet, mens du leser disse anekdotene om hvordan disse 18 kunstnerne ble det de er, la informasjonen utvide din oppfatning. Følg hver tråd og grav dypere. Du kan få et glimt av den farlige, umulige, imperativ skjønnheten av hva det virkelig betyr å undervise og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var student av Wayne Thiebauld mens hun var ved University of California i Davis. Om sine andre lærere sier hun:

"En stor innflytelse for meg var å se Hieronymus Boschs triptyk, "Hage av de jordiske gleder" på Prado da jeg var tenåring. Jeg ble slått av ikonografien så vel som de frodige fargene og de intrikate komposisjonene i hans verk. Jeg reagerte umiddelbart på dualiteten i Boschs arbeid: hans skarpe og opplyste palett: nyanser av blekk svart, umbra, lys rosa, bein, vermilion og azuritt; kurvene av hans gjennomsiktige nytelsespodder i Eden satt opp mot den gjennomtrengende psykologiske og fysiske nedstigningen til en hallusinatorisk helvete. Boschs visionære geni skildret menneskets natur i alle dens former, med en direkte intimitet og kraft som jeg finner utrolig sjelden selv i dag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olje på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerte med Louis Finkelstein mens hun var masterstudent ved Queens College, City University of New York. Ved samme skole studerte hun med Benny Andrews, som ble utdannet som en abstrakt ekspresjonist ved School of the Art Institute of Chicago på 1950-tallet; Clinton Hill, som var studioassistent for Mark Rothko; kunstkritiker og Artforum-assistentredaktør Robert Pincus-Witten, som hun sier "hjalp mitt kritiske blikk;" og Charles Cajori, som var student av Hans Hoffman. Sirlin sier:

"[Lineage] er faktisk et komplisert spørsmål. Koblingene med kunstnere går også på tvers. Anne Truitt var viktig for meg da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var også der den sommeren [1983]. Erin Lawlor var min studio venn på The Rothko Centre i Latvia. Jose Heerkins var på Rothko Centre samtidig med oss [2016]. Kara Walker var student da jeg underviste ved The Atlanta College of Art, og Kara og jeg stilte ut på den samme Atlanta Biennalen i 1992. Så er det de andre kunstnerne—forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf av Frieda Kahlo og Arshile Gorky] var min mentor som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var på Yaddo sammen... Jeg var en nær venn av dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusforfatter for Warhol... Jeg håper jeg ikke forvirret deg med dette tilleggs svaret."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Blandet media på lerret. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Da jeg først begynte å male, var jeg mest påvirket av Picasso. Jeg ble tiltrukket av hans bruk av farge og merking, spesielt i "Jente foran et speil" (1932). Senere, da jeg begynte å male mer i en abstrakt ekspresjonistisk stil, ble jeg mer tiltrukket av Joan Mitchell og Willem De Kooning. Imidlertid begynte jeg virkelig å se på arbeidet deres etter at jeg malte på denne måten, ikke før."

Brenda Zappitell - Akkurat nå, 2017. Flashe og akryl med kald voks på panel. 127 x 127 cm

Daniel Götin

I et intervju fra 2006 for Minus Space NY, spurte maleren Chris Ashley Göttin hvor han begynner som kunstner. Göttin svarte:

"Kunsthistorie later noen ganger som om en bestemt kunstbevegelse er en komplett enhet. Å bruke begrepet "konkret" samsvarer ikke nødvendigvis med den ideologiske bakgrunnen til Konkrete Kunst, som også var basert på ideer om samfunn og politikk. Min bekymring er en enhet som også kan inkludere motsetninger—et ja og et nei, og til og med et kanskje. Mitt utgangspunkt er en syntese av forskjellige synspunkter eller posisjoner samtidig, som for meg er et romlig syn. Det kan være åpenbart eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge deler sammen, med eller uten motsetning. Det kan være regel og avvik sammen. Noen av de tidligere verkene jeg laget var collager relatert til Kurt Schwitters' arbeid (Merz), alt funnet materiale grovt limt på et stykke papp—fysisk, direkte, improvisert, tilfeldig, fargerikt, til og med dadaistisk. Senere ble jeg interessert i Minimal Art, hvor kunstverket ofte er nøyaktig planlagt, og perfekt og klart konstruert med en definert bruk av materialer og oppmerksomhet på detaljer. Begge bevegelsene er viktige for meg, og noen ganger ser jeg at arbeidet mitt bærer deler av begge, som korresponderer mellom disse to kunsthistoriske posisjonene."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Pallets

"Det er ganske vanskelig å forstå ens påvirkninger, i det minste for meg, ettersom jeg i stor grad jobber ut fra intuisjon og ikke så mye fra bevissthet. Jeg tror at mine formative år som kunststudent ved UCLA (BA 74, MFA 77) utgjorde en stor del av hvem jeg er. På den tiden var UCLA ganske en malerskole med en europeisk/modernistisk vri. For mitt første malerkurs, var jeg påmeldt til å ta det innledende malerkurset med Richard Diebenkorn (jeg hadde ingen anelse om hvem han var), men han og fakultetsledelsen hadde noen problemer, og hans stilling ble avsluttet før kurset begynte. Så jeg studerte med Richard Joseph, en ny realist, som ga meg et solid grunnlag. Det var ikke før seks måneder senere, da jeg jobbet i et mer avansert malerkurs med Charles Garabedian, at jeg begynte å eksperimentere med abstraksjon. Gjennom årene var professoren som sannsynligvis hadde mest innflytelse på meg, William Brice. Bill var en veldig veltalende, verdig, generøs, tankefull, morsom lærer og venn. Som en hardtarbeidende, produktiv kunstner, snakket han ofte om nødvendigheten av å tilbringe tid i studioet med å bearbeide ting, og alt annet er mindre viktig. Jeg tenker ofte på ham og føler meg så heldig som har kjent ham i lang tid. Det tok en del år å skille meg fra ideen om å være student og fra å høre lydene av mine gamle professorer i hodet mitt hver gang jeg malte, men over tid har jeg oppnådd en klar forståelse av hvem jeg er og ansvaret jeg har for å lage arbeid som oppfyller min visjon. Jeg ser ofte aspekter av andre kunstnere i mitt arbeid, noen ganger føler jeg at det virkelig er en forbindelse via de samme ideene, og andre ganger virker det bare som om enhver likhet er bare overfladisk. Til slutt, la kunstskribentene snakke om påvirkningene."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blekk på papir. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var min grafikk lærer for 25 år siden. Vi møttes første gang da jeg bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael tilbød en ukes workshop i grafikk. Så mange ting står ut om vår første forbindelse: Michael var en utrolig empatisk og sosialt bevisst person, ikke bare i sitt valgte emne (tegninger og trykk av lidende pasienter på et psykiatrisk sykehus og dyr bak gitter i en dyrehage), men i våre en-til-en samtaler om livet. Han lærte meg å være generøs gjennom eksempel som en måte å balansere selvopptattheten i studioet. Det var ikke noe ved hans teknikk eller jakten på en kunstkarriere som Michael ikke ville dele. Michael tilbrakte tid i Kina på slutten av 80-tallet, og det var gjennom hans kjærlighet til det asiatiske landskapet at jeg lærte å forenkle mine bevegelser, å male med en økonomi av uttrykk, noe jeg holder veldig nært til hjertet. Jeg vil aldri glemme hans sans for humor når han sa til meg: "Tracey, dette er ungepatchke!", et jiddisk ord som betyr for travelt og dekorert."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafitt og blekk på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nevner sin første inspirasjon som et akvarell av Paul Cezanne hun så da hun var 11, som etterlot "et uforglemmelig inntrykk." Hun fortsetter med å si:

"Min professor, Klaus Stümpel, var nær nok naturen til at han nesten fikk tilnavnet 'en bonde.' Han anbefalte meg å studere Frantisek Kupka. Jeg studerte hans prosess med å bli abstrakt og hans kosmiske og mystiske perspektiv. Fremfor alt lærte jeg mer enn noe annet om hans kjærlighet til livet og hans vilje til å bevare sine tanker. Da jeg kom tilbake til Korea, tenkte jeg på Kandinsky igjen. Jeg mener hans ønske om å finne objektiv, universell sannhet i kunsten er en umulig utfordring. Jeg mener at kunst er subjektiv og personlig fremfor noe annet. Når jeg søker min dypeste indre side, kan jeg kommunisere med innsiden av andre. Jeg mener at kunst kan være et medium som forbinder mikrocosmos (mennesket) og makrocosmos (verden). Spesielt er farge gjenstand for min forskning. Jeg leter etter fargen som et adjektiv. Jeg liker Richters holdning til arbeid, hans lidenskap for maleri, og eksperimenteringsånden. Kanskje On Kawara? Jeg liker hans arbeid, som han ønsket å bevise at han var i live, og jeg vil bevise for meg selv ved å jobbe hver dag at jeg fortsatt er i live, følelsesmessig og fornuftig. Mine tanker om Wassily Kandinsky og mange andre minimalister er veldig forskjellige fra det generelle perspektivet. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Bilde med hvitt, 2008. Akryl på lerret, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nevner påvirkninger som inkluderer kunstnere (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun snakker også om de personlige måtene kulturen har påvirket kunsten hennes, som i følgende anekdote:

"Min pappas virksomhet var skilt. Som de fleste bybarn i Amerika vokste jeg opp på baksetet av en bil, hyperbevisst på reklameskilt og neonskilt. Oppmerksomhetsvekkende direkte visuell stimulans var en del av psyken min. Nylig besøkte jeg MoMA i New York og ble igjen slått av Barnett Newmans maleri "Vir Heroicus Sublimis" (Mann, Heroisk og Sublim) (1950-51). Min viscerale respons på kraften, umiddelbarheten og enkelheten var overveldende, og bekreftet min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlaget Khadi-papir. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"For meg var det Mondrian. De abstrakte kunstnerne på den tiden jobbet mer konseptuelt med abstraksjon, noe som betyr at de likte ideen om det, mens Mondrian jobbet bakover gjennom mekanikken og kom ut i den andre enden og gjenoppfant bildeflaten. Ikke mange har gjort det siden. Jeg begynte å tenke at det må være flere måter å komme inn i dette merkelige rommet som Mondrian hadde så klart grep om. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måter å uttrykke dette 'andre' rommet på. Opplevelsen av disse kunstnerne ga meg rom til virkelig å sette pris på mine jevnaldrendes bestrebelser, og å strebe etter å komme gjennom neste konvolutt."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl på papir. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og tenkt ofte på arbeidet til Vija Celmins. Hennes intense observasjon og rolige utførelse er veldig inspirerende for meg. Louise Bourgeois har alltid inspirert meg med sin besluttsomhet til å uttrykke seg i det beste mediet for sine ideer. En mer åpenbar inspirasjon ville være Agnes Martin, jeg elsker hennes selvsikre tilbakeholdenhet, og Mark Rothko for den følelsesmessige kraften hans arbeid kan ha."

Audrey Stone -Nr. 61, 2011. Tråd, blekk og grafitt på papir. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville nevner de tyske blokkhusene fra andre verdenskrig som ligger langs den franske atlanterhavskysten. Han sier: "De fleste mennesker anser dem som stygge arr. I mine øyne var deres substans en del av landskapet, tiden smeltet dem sammen med sanden, dynene og havet eller med maleriene som gatekunstnere la på dem." I tillegg ble Auville påvirket av denne opplevelsen fra sin ungdom:

"I en alder av seks eller syv år hadde jeg privilegiet av å besøke Lascaux-hulen i Sørvest-Frankrike. Det var et sjokk for meg. Mine foreldre kjøpte noen fasimiler som suvenirer, og jeg tilbrakte timer med å se på dem i kjelleren i huset vårt, og lurte på hva som gjorde forskjellen mellom bildene og det ekte kunstverket. Forskjellen var åpenbar, men jeg slet med å finne ut av substansen. Jeg skrudde lyset av og på, limte sand på bildene i et forsøk på å gjenskape substansen i Lascaux-maleri, men nådde aldri det jeg trodde var deres sjel."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentert sement på skumplater. Strukturell og hengende ramme på baksiden. 120 x 120 x 6 cm

Luke de Haan

De Haan nevner påvirkninger som spenner fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) til albumdesignere (Hipgnosis, Peter Saville), til musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han sier:

"I årene før puberteten min fikk Piet Mondriaans visuelle språk mye oppmerksomhet i Nederland. Jeg var for ung til å tenke i kunstneriske termer, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det fortsatt! Litt senere ble jeg kjent med Suprematistene som, i likhet med meg, tok geometriske former som utgangspunkt. Fordi søstrene mine er omtrent fem år eldre enn meg, oppdaget jeg (via kjæresteene deres) tidlig i tenårene 'progressiv' musikk og den tilhørende coverdesignen. Ikke overraskende ønsket jeg å bli coverkunstner. Hvis jeg måtte velge én visuell kunstner som endret måten jeg ser ting på, ville det vært Ellsworth Kelly. På midten av 80-tallet kjøpte Stedelijk Museum i Amsterdam "Blue Curve VI" (1982). Jeg gikk regelmessig for å se på det og studerte det visuelle språket. Men nå, kanskje viktigere, blir jeg også guidet av min egen reaksjon på kunst... Jeg begynte å tenke på kunst... formålet, meningen, åh min."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD blekk på Hannemuhle papir. 29,7 x 21 cm

Brenda Blonde

"Læren til Josef Albers påvirker hvordan jeg tenker på å sette farger i forskjellige kontekster. Og James Turrells skyspaces påvirket hvordan jeg tenker på å sette atmosfærisk farge i forskjellige kontekster. Generelt er den overordnede estetikken i min Paper Skies og Moving Pictures-serie sterkt påvirket av moderne amerikanske malere som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, osv."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Stor), 2015. Fargestoff sublimasjonsutskrift på aluminium (matter/glans finish). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Jeg oppdaget, for mer enn 20 år siden, kapellet i Ronchamp, et sent arbeid av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kjent som Le Corbusier. Jeg følte verken før eller etter, en slik oppfatning av korrektheten i mulighetene mellom massivitet og høyde. Så begynte for meg denne lange søken, som fortsatt nærer meg i dag, med mål om å nærme meg det mest passende forholdet mellom fullt og tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundum og tørrpunkt på kobber. Trykk på bfk rives papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gjerne snakke om kunstneren som har inspirert meg i flere tiår, mer enn noen annen kunstner: Matisse, en kunstner man kan studere i en livstid. Hans arbeid tok så mange veier på grunn av hans eksperimentering og utforskning av nye muligheter med maleri. De er vakre, oppløftende, komplekse, til tider nydelige og rolige, til tider vanskelige og utfordrende—reflekterende av hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papir. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

I stedet for å liste opp sine påvirkninger, Cantrick nevner de kunstnerne hvis arbeid interesserer henne mest, uansett om det er noen direkte forbindelse til hennes eget arbeid. Hennes korte liste for moderne og samtidskunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke uttømmende liste, men det de har til felles er klarhet, kompleksitet og vitalitet—som er mine egne bekymringer—uttrykt gjennom sterke farger og struktur, distinkte former, og et grunt malerrom. For førmoderne, er Vermeer, Degas, og Manet øverst på listen min, for igjen, den trioen av egenskaper: klarhet, kompleksitet, vitalitet. I tillegg: Spenningen i Vermeers solide gjengivelse formidler en utrolig håndgripelig stillhet—suspensjonen av tid. Degas’ spesielle måte å punktuere rommet sitt med "stille", uanimerte områder og/eller et sterkt vertikalt element fremmer langvarig, rytmisk betraktning. Og det er en umiddelbarhet og friskhet i Manet som, bortsett fra all den andre mestringen, er, på sitt beste, fengslende."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt tilfelle ble jeg ikke påvirket av én artist per se, men snarere det kunstneriske fellesskapet jeg vokste opp i Chicago. Det var kunstnere overalt i nabolaget mitt, kalt Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg viste interesse for tegning som pre-teen, ble jeg oppmuntret til å gå på skolen tilknyttet det fantastiske Art Institute of Chicago for figurtegning. Der fikk jeg gå direkte gjennom museet med sin berømte impresjonistiske samling for å komme inn på skolen. Jeg tror det i bunn og grunn dannet min interesse for linje, gest og farge."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olje på lerret. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske avstamning finnes i kunstnere som kombinerer en "reduserende" tilnærming til bilde/objektproduksjon med en oppmerksomhet på overflate og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt kommer til tankene. I tillegg fortsetter det skulpturelle arbeidet til Richard Serra, Carl Andre og Fred Sandback, med deres spesielle bruk av tredimensjonalt rom, å inspirere min tilnærming til maleri."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på lerret. 122 x 96,9 cm