18 samtidsabstrakte kunstnere åpner seg om sin arv

Det er farlig og umulig å undervise i kunst. Likevel er det også nødvendig. For at kunst skal eksistere, må kunstnere lære hvordan de skal bli det de skal bli, og hvordan de skal skape det de skal skape. Noen vil lære på skolen, fra andre feilbarlige mennesker som dem selv som, av en eller annen grunn, har tatt på seg den farlige, umulige, nødvendige oppgaven å dele med andre det de har lært. Andre kunstnere vil finne lærere utenfor klasserommet. De kan lære hva det betyr å være kunstner ved å henge med andre kunstnere på åpninger eller i barer. De kan lære hva det betyr å lage kunst ved å se videoer på nettet, eller ved å dekonstruere kunsten de ser i museer eller i bøker. Noen kunstnere kan lære seg selv hva de er ved å følge inspirasjonen de får fra arkitektur og design, ved rett og slett å respondere på tanker og følelser de opplever mens de samhandler med det daglige bygde miljøet og dets utallige produkter og rom. Andre igjen kan lære å være kunstnere bare ved å omfavne—og deretter nære—sin indre trang til å skape. Prosessen med å lage kan lære oss hvordan vi lager. Prosessen med å være kan lære oss hva vi ønsker å være. Til slutt vil alle som kommer gjennom læringsprosessen til øyeblikket de kan si setningen, «Jeg er en kunstner,» uten å føle at det er en løgn, ha en historie å fortelle om sine lærere. I dag bringer vi deg en samling av slike historier fra kunstnere modige nok til å dele sine [Lineage] av læring. De er modige fordi det å kunngjøre sin estetiske eller konseptuelle arv utsetter dem for en fryktelig trussel. Du, leseren, kan innse at en kunstner var student av en annen kunstner, eller ble inspirert av dette eller hint, og ta det for en snarvei. Du kan si, «Aha! Nå ser jeg hvem de kopierer,» eller, «Nå forstår jeg kunsten deres!» I stedet, mens du leser disse anekdotene om hvordan disse 18 kunstnerne ble det de er, la informasjonen utvide din oppfatning. Følg hver tråd og grav dypere. Du kan få et glimt av den farlige, umulige, nødvendige skjønnheten i hva det virkelig betyr å undervise og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var student av Wayne Thiebauld ved University of California i Davis. Om hennes andre lærere sier hun:

"En stor innflytelse for meg var å se Hieronymus Boschs triptykon, “The Garden of Earthly Delights” på The Prado da jeg var tenåring. Jeg ble overveldet av ikonografien så vel som de frodige fargene og de intrikate komposisjonene i hans verk. Jeg responderte umiddelbart på dualiteten i Boschs arbeid: hans skarpe og opplyste palett: nyanser av blekksvart, umbra, blek rosa, ben, vermilion og azuritt; kurvene i hans gjennomsiktige nytelses-kapsler i Eden satt opp mot den gjennomtrengende psykologiske og fysiske nedstigningen til et hallusinatorisk helvete. Boschs visjonære geni skildret menneskets natur i alle dens former, med en direkte intimitet og kraft som jeg finner utrolig sjelden selv i dag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Oljemaleri på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerte med Louis Finkelstein mens hun var masterstudent ved Queens College, City University of New York. På samme skole studerte hun med Benny Andrews, som trente som en Abstract Expressionist ved School of the Art Institute of Chicago på 1950-tallet; Clinton Hill, som var studioassistent for Mark Rothko; kunstkritiker og Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hun sier “hjalp mitt kritiske blikk;” og Charles Cajori, som var student av Hans Hoffman. Sirlin sier:

"[Lineage] er virkelig et komplisert spørsmål. Koblingene til kunstnere går også sidelengs. Anne Truitt var viktig for meg da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var også der den sommeren [1983]. Erin Lawlor var min studio-kollega ved The Rothko Centre i Latvia. Jose Heerkins var ved Rothko Centre samtidig med oss [2016]. Kara Walker var student da jeg underviste ved The Atlanta College of Art, og Kara og jeg stilte ut på samme Atlanta Biennial i 1992. Så er det de andre kunstnerne—forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf av Frieda Kahlo og Arshile Gorky] var min mentor som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var sammen på Yaddo... Jeg var en nær venn av dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusforfatter for Warhol... Jeg håper jeg ikke forvirret deg med dette ekstra svaret."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mixed media på lerret. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Da jeg først begynte å male, var jeg mest påvirket av Picasso. Jeg ble tiltrukket av hans bruk av farge og merking, spesielt i “Girl Before A Mirror” (1932). Senere, da jeg begynte å male mer i en abstrakt ekspresjonistisk stil, ble jeg mer tiltrukket av Joan Mitchell og Willem De Kooning. Men jeg begynte virkelig å se på deres arbeid etter at jeg malte på denne måten, ikke før."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe og akryl med kaldvoks på panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I et intervju i 2006 for Minus Space NY spurte maler Chris Ashley Göttin hvor han begynner som kunstner. Göttin svarte:

"Kunsthistorien later noen ganger som om en bestemt kunstbevegelse er en komplett enhet. Bruken av begrepet “konkret” samsvarer ikke nødvendigvis med den ideologiske bakgrunnen til Konkrete Kunst, som også var basert på ideer om samfunn og politikk. Min bekymring gjelder en enhet som også kan inkludere motsetninger—et ja og et nei, og til og med et kanskje. Mitt utgangspunkt er en syntese av forskjellige synspunkter eller posisjoner samtidig, som for meg er et romlig syn. Det kan være åpenbart eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge deler sammen, med eller uten motsetning. Det kan være regel og avvik sammen. Noen av de tidligere verkene jeg laget var kollasjer relatert til Kurt Schwitters’ arbeid (Merz), hvilket som helst funnet materiale grovt limt på et stykke papp—fysisk, direkte, improvisert, tilfeldig, fargerikt, til og med dadaistisk. Senere ble jeg interessert i Minimal Art, hvor kunstverket ofte er nøye planlagt, og perfekt og klart konstruert med en definert bruk av materialer og oppmerksomhet på detaljer. Begge bevegelsene er viktige for meg, og noen ganger ser jeg at arbeidet mitt bærer deler av begge, som korresponderer mellom disse to kunsthistoriske posisjonene."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Det er ganske vanskelig å forstå sine påvirkninger, i hvert fall for meg, da jeg i stor grad jobber ut fra intuisjon og ikke så mye fra bevissthet. Jeg tror likevel at mine formative år som kunststudent ved UCLA (BA 74, MFA 77) formet en stor del av hvem jeg er. På den tiden var UCLA en ganske malerskole med en europeisk/modernistisk retning. Til min første maleklasse var jeg påmeldt den innledende maleklassen med Richard Diebenkorn (jeg hadde ingen anelse om hvem han var), men han og fakultetsledelsen hadde noen problemer, og hans stilling ble avsluttet før klassen begynte. Så studerte jeg med Richard Joseph, en ny realist, som ga meg et solid fundament. Det var ikke før seks måneder senere, da jeg jobbet i en mer avansert maleklasse med Charles Garabedian, at jeg begynte å eksperimentere med abstraksjon. Gjennom årene var professoren som sannsynligvis hadde mest innflytelse på meg William Brice. Bill var en veldig veltalende, verdig, generøs, ettertenksom, morsom lærer og venn. Som en hardtarbeidende, produktiv kunstner snakket han ofte om nødvendigheten av å tilbringe tid i atelieret med å kjempe seg gjennom ting, og alt annet er mindre viktig. Jeg tenker ofte på ham og føler meg så heldig som har kjent ham lenge. Det tok flere år å skille meg fra ideen om å være student og fra å høre lydene av mine gamle professorer i hodet hver gang jeg malte, men over tid har jeg oppnådd en klar følelse av hvem jeg er og ansvaret jeg har for å lage verk som oppfyller min visjon. Jeg ser ofte aspekter av andre kunstnere i mitt arbeid, noen ganger føler jeg at det virkelig er en forbindelse via de samme ideene, og andre ganger virker det som enhver likhet bare er overfladisk. Til slutt, la kunstskribentene snakke om påvirkningene."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blekk på papir. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) var min trykkundervisningslærer for 25 år siden. Vi møttes første gang da jeg bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael holdt en ukelang workshop i trykk. Så mange ting skiller seg ut ved vår første kontakt: Michael var en utrolig empatisk og sosialt bevisst person, ikke bare i sitt valgte tema (tegninger og trykk av lidende pasienter på et psykiatrisk sykehus og dyr bak gitter i en dyrehage), men også i våre en-til-en samtaler om livet. Han lærte meg å være generøs gjennom eksempel som en måte å balansere selvopptattheten i atelieret. Det var ingenting ved hans teknikk eller jakten på en kunstkarriere som Michael ikke ville dele. Michael tilbrakte tid i Kina på slutten av 80-tallet, og det var gjennom hans kjærlighet til det asiatiske landskapet at jeg lærte å forenkle mine bevegelser, å male med en økonomi av uttrykk, noe jeg holder veldig kjært. Jeg vil aldri glemme hans sans for humor når han sa til meg, “Tracey, dette er ungepatchke!”, et jiddisk ord som betyr for travelt og dekorert.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafitt og blekk på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nevner sin første inspirasjon som et akvarell av Paul Cezanne hun så da hun var 11, som etterlot “et uforglemmelig inntrykk.” Hun fortsetter med å si:

"Professoren min, Klaus Stümpel, var så nær naturen at han nesten fikk kallenavnet ‘en bonde.’ Han anbefalte at jeg studerte Frantisek Kupka. Jeg studerte hans prosess med å bli abstrakt og hans kosmiske og mystiske perspektiv. Fremfor alt lærte jeg mer enn noe annet om hans kjærlighet til livet og hans vilje til å bevare tankene sine. Da jeg kom tilbake til Korea, tenkte jeg på Kandinsky igjen. Jeg tror hans ønske om å finne objektiv, universell sannhet i kunst er en umulig utfordring. Jeg mener at kunst er subjektiv og personlig fremfor noe annet. Når jeg søker min dypeste indre side, kan jeg kommunisere med innsiden av andre. Jeg tror at kunst kan være et medium som forbinder mikrokosmos (mennesket) og makrokosmos (verden). Spesielt er farge temaet for min forskning. Jeg leter etter fargen som et adjektiv. Jeg liker Richters holdning til arbeidet, hans lidenskap for maling og eksperimenteringsånden. Kanskje On Kawara? Jeg liker hans arbeid, som han ønsket å bevise at var levende, og jeg vil bevise for meg selv ved å jobbe hver dag at jeg fortsatt er levende, følelsesmessig og sanselig. Mine tanker om Wassily Kandinsky og mange andre minimalister er veldig forskjellige fra det generelle perspektivet. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Akryl på lerret, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nevner påvirkninger som inkluderer kunstnere (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun snakker også om de personlige måtene kulturen har påvirket hennes kunst på, som i følgende anekdote:

"Pappaen min drev med skilt. Som de fleste urbane barn i Amerika vokste jeg opp i baksetet på en bil, hyperbevisst på reklameskilt og neon. Oppmerksomhetsfangende direkte visuelle stimuli var en del av min psyke. For ikke lenge siden besøkte jeg MoMA i New York og ble igjen slått av Barnett Newmans maleri “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Min umiddelbare reaksjon på dets kraft, umiddelbarhet og enkelhet var overveldende, og bekreftet min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlaget Khadi-papir. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"For meg var det Mondrian. De abstrakte kunstnerne på den tiden jobbet mer konseptuelt med abstraksjon, noe som betyr at de likte ideen om det, mens Mondrian jobbet baklengs gjennom mekanikken og kom ut på den andre siden med å gjenoppfinne billedplanet. Ikke mange har gjort det siden. Jeg begynte da å tenke at det må finnes flere måter å komme inn i dette merkelige rommet som Mondrian hadde så klar kontroll over. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måter å uttrykke dette ‘andre’ rommet på. Opplevelsen av disse kunstnerne ga meg rom til virkelig å sette pris på mine jevnaldrendes innsats, og å strebe etter å komme forbi neste grense."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl på papir. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og tenkt ofte på arbeidet til Vija Celmins. Hennes intense observasjon og rolige utførelse er veldig inspirerende for meg. Louise Bourgeois har alltid inspirert meg med sin besluttsomhet om å uttrykke seg i det beste mediet for sine ideer. En mer åpenbar inspirasjon ville være Agnes Martin, jeg elsker hennes selvsikre tilbakeholdenhet, og Mark Rothko for det emosjonelle slaget hans arbeid kan gi."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Tråd, blekk og grafitt på papir. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville nevner de tyske blokkhusene fra andre verdenskrig som ligger langs den franske atlanterhavskysten. Han sier, "De fleste ser på dem som stygge arr. I mine øyne var substansen deres en del av landskapet, tiden smeltet dem sammen med sanden, dynene og havet eller med maleriene som gatekunstnere la på dem." I tillegg ble Auville påvirket av denne opplevelsen fra sin ungdom:

"Da jeg var seks eller syv år gammel, hadde jeg privilegiet å besøke Lascaux-hulen i Sørvest-Frankrike. Det var et sjokk for meg. Foreldrene mine kjøpte noen faksimiler som suvenirer, og jeg tilbrakte timer med å se på dem i kjelleren i huset vårt og lurte på hva som gjorde forskjellen mellom bildene og det ekte kunstverket. Forskjellen var åpenbar, men jeg slet med å finne ut av substansen. Jeg skrudde lyset av og på, limte sand på bildene i et forsøk på å gjenskape substansen i Lascaux-maleriene, men nådde aldri det jeg trodde var deres sjel."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentert sement på skumpaneler. Strukturert og hengende ramme på baksiden. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nevner påvirkninger som spenner fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) til albumdesignere (Hipgnosis, Peter Saville), til musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han sier:

"I årene før puberteten min fikk Piet Mondriaans visuelle språk mye oppmerksomhet i Nederland. Jeg var for ung til å tenke i kunstbegreper, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det fortsatt! Litt senere ble jeg kjent med Suprematistene som, som meg, tok geometriske former som utgangspunkt. Fordi søstrene mine er omtrent fem år eldre enn meg, oppdaget jeg (via deres kjærester) tidlig i tenårene ‘progressiv’ musikk og tilhørende coverdesign. Ikke overraskende ønsket jeg å bli coverkunst-designer. Hvis jeg måtte velge en visuell kunstner som endret måten jeg ser ting på, ville det vært Ellsworth Kelly. På midten av 80-tallet kjøpte Stedelijk Museum i Amsterdam “Blue Curve VI” (1982). Jeg dro jevnlig for å se på det og studerte det visuelle språket. Men nå, kanskje viktigere, blir jeg også veiledet av min egen reaksjon på kunst...Jeg begynte å tenke på kunst...formålet, meningen, åh min."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-blekk på Hannemuhle-papir. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Læren til Josef Albers påvirker hvordan jeg tenker på å plassere farger i forskjellige kontekster. Og James Turrells skyspaces påvirket hvordan jeg tenker på å plassere atmosfærisk farge i forskjellige kontekster. Generelt er den overordnede estetikken i mine Paper Skies og Moving Pictures-serier sterkt påvirket av moderne amerikanske malere som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, osv."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Stor), 2015. Fargestoff-sublimasjonsprint på aluminium (matt/glans finish). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Jeg oppdaget, for mer enn 20 år siden, kapellet i Ronchamp, et sent verk av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kjent som Le Corbusier. Jeg følte ikke, verken før eller etter, en slik oppfatning av riktigheten i mulighetene mellom massivitet og høyde. Da begynte for meg denne lange søken, som fortsatt nærer meg i dag, med mål om å nærme meg det mest passende forholdet mellom fullt og tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum og drypoint på kobber. Trykk på bfk rives papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gjerne snakke om kunstneren som har inspirert meg i flere tiår, mer enn noen annen kunstner: Matisse, en kunstner man kunne studere hele livet. Hans arbeid tok mange retninger på grunn av hans eksperimentering og utforskning av nye muligheter med maleri. De er vakre, oppløftende, komplekse, til tider nydelige og rolige, til tider vanskelige og utfordrende—reflekterende hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papir. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

I stedet for å liste hennes påvirkninger, nevner Cantrick kunstnerne hvis arbeid interesserer henne mest, enten det er noen direkte kobling til hennes eget arbeid eller ikke. Hennes korte liste for moderne og samtidskunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke uttømmende liste, men det de har til felles er klarhet, kompleksitet og vitalitet—som er mine egne opptattheter—uttrykt gjennom sterke farger og struktur, distinkte former, og et grunt malerrom. For førmoderne er Vermeer, Degas og Manet øverst på listen min, for, igjen, den trioen av egenskaper: klarhet, kompleksitet, vitalitet. I tillegg: Spenningen i Vermeers solide gjengivelse formidler en utrolig håndgripelig stillhet—tidsoppheng. Degas’ særegne måte å markere sitt rom med "stille," uanimerte områder og/eller et sterkt vertikalt element fremmer langvarig, rytmisk betraktning. Og det er en umiddelbarhet og friskhet i Manet som, bortsett fra all annen mestring, er fengslende på sitt beste."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt tilfelle ble jeg ikke påvirket av én enkelt kunstner, men heller det kunstneriske miljøet hvor jeg vokste opp i Chicago. Det var kunstnere overalt i nabolaget mitt, kalt Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg viste interesse for tegning som før-tenåring, ble jeg oppmuntret til å gå på skolen tilknyttet det fantastiske Art Institute of Chicago for figurtegning. Der fikk jeg gå direkte gjennom museet med dets berømte impresjonistsamling for å komme inn på skolen. Jeg tror det i bunn og grunn formet min interesse for linje, gest og farge."

Anne Russinof - Look See, 2014. Oljemaleri på lerret. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske [Lineage] finnes i kunstnere som kombinerer en "reduktiv" tilnærming til bilde-/objektlaging med oppmerksomhet på overflate og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt kommer til tankene. I tillegg fortsetter det skulpturelle arbeidet til Richard Serra, Carl Andre og Fred Sandback, med deres særegne bruk av tredimensjonalt rom, å inspirere min tilnærming til maleri."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på lerret. 122 x 96,9 cm