Hvordan Sonya Rapoport Brukte Abstraksjon for å Pionere Datakunst

Sonya Rapoport har et øyeblikk. Eller mer nøyaktig, siden den Berkeley, California-baserte kunstneren gikk bort i 2015, har det enorme kunstneriske arven hun etterlot seg et øyeblikk. Etter store gruppeutstillinger på SFMOMA og Hunter College Art Galleries i 2019, vil hennes arbeid bli fremhevet i år i en solopresentasjon i Frieze New York Spotlight Section, sammenfallende med Sonya Rapoport: Biorhythm, en delvis retrospektiv på San Jose Museum of Art fra 7. februar til 5. juli 2020. Rapoport begynte sin karriere som abstrakt maler og skulptør. Hennes tidlige arbeid ble feiret i 1963 i det som ironisk ble kalt en "mid-career" retrospektiv. Rett etter den utstillingen endret Rapoport fundamentalt sin praksis, og ble en pioner innen såkalt datakunst, en uttrykksform hun kontinuerlig ville utforske og redefinere i 52 år til. Mange kuratorer og skribenter liker også å kalle Rapoport en av de tidligste skaperne av internettkunst, siden hun inkorporerte elementer som personlige dataanalyser og digitale sosiale interaksjoner i sine installasjoner så tidlig som på 1970-tallet. Imidlertid kan det være mer nøyaktig å si at Rapoport selv var en slags vandrende proto-Internett. Hennes sinn var et virtuelt bibliotek av esoterisk kunnskap; hun var en kobler som brakte sammen ulike eksperter for å samarbeide om eksperimentell estetisk forskning; og hennes inspirerte prosjekter krysset pollinerte individer og organisasjoner langt utover kunstfeltet. Delvis formalist, delvis sjaman, delvis poet, delvis analytiker, delvis samler, og delvis anarkist, Rapoport skapte en av de mest komplekse kunstneriske praksisene i det forrige århundret. Å avdekke alle symbolene, betydningene og lagene i hennes arbeid kan ta en kunsthistoriker en hel livstid, og en herlig livstid ville det være. Likevel, i hastverket med å merke Rapoport med etiketter som datakunstner og internettkunstpioner, lurer jeg på om vi overser den mest essensielle aspekten av hennes arbeid: dens menneskelighet.

Digital valuta

En av de første interaktive kunstinstallasjonene Rapoport laget var Digital Mudra (1987). En mudra er en symbolsk gest eller posisjon. Ordet mudra kommer fra hinduistiske, jainistiske og buddhistiske tradisjoner, men hver kultur bruker ting som håndbevegelser som en snarvei for å formidle informasjon og mening. Digital Mudra utnyttet universialiteten av mudras ved å sammenligne tegninger av gamle mudras med bilder av moderne mennesker som fysisk uttrykker følelsene sine. Rapoport inviterte også andre kunstnere til å komponere dikt basert på mudra-ord, og deretter omtolket disse skrevne diktene til mudra-dikt som ble vist i utstillingen. Besøkende til galleriet ble deretter invitert til å delta ved å få sine egne gester analysert av en datamaskin, som deretter skrev ut deres tilknyttede mudra-symboler og ord, som deretter kunne bli analysert av en digitalisert versjon av den indiske poeten Rabindranath Tagore, noe som resulterte i et personlig epigram egnet for å henge på "mudra veggen" som "tempelskrifter."

Sonya Rapoport - Biorhythm-kalender (detalj), 1980. Multimedia-kollasje på kontinuerlig fôret datamaskin utskrift vellum på funnet kalendere 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med vennlig hilsen Estate of Sonya Rapoport

Til tross for hvor forførende det er å si at Digital Mudra var en datamaskininstallasjon, virker det for meg mer abstrakt enn det. Det virker mer som et forsøk på å undergrave vår avhengighet av det som kan bli kjent. Rapoport lekte med ideen om at folk ønsker å tro på en makt som er større enn deres egen intellekt. Digital Mudra involverte datamaskiner, men det samlet også mystikk, åndelige tradisjoner, filosofi, poesi og kunst. Viktigst av alt, det skapte en sosial situasjon der folk ble oppmuntret til å delta på grunn av deltakelsen til andre—alle andre kommer opp med sine mudra-ord, hører visdommen fra vismannen, og henger sine mystiske epigrammer på tempelveggene, så hvorfor ikke bli med? Ingen tvil, denne installasjonen høres mye ut som en tidlig sosial mediememe-quiz, men mer enn noe annet ser jeg det som en anerkjennelse av at våre digitale overherrer ikke er annerledes enn alle de andre overherrene som kom før, og som vil komme etter.

Sonya Rapoport - Biorhythmkalender (detalj), 1980. Multimedia collage på kontinuerlig datamaskin utskrift vellum på funnet kalendere 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med vennlig hilsen Estate of Sonya Rapoport

Alt er ett

Collage var et annet favorittmedium for Rapoport. Hun fant berømt en stabel med kart over undersøkelser i et gammelt skrivebord hun hadde kjøpt, og brukte dem som bakgrunn for intrikate collageverk, og utvidet deres analytiske kontekst ved å infusere dem med personlige bilder og klipp. Senere fant hun mengder av datamaskinutskrifter i søpla på campus ved University of California i Berkeley. Hun strikket arkene sammen med garn og brukte dem som grunnlag for en serie verk som utvinner hennes egen enorme rikdom av følelser, drømmer og påvirkninger. Disse verkene handlet ikke om datamaskiner, per se. De var mer som abstrakte visuelle reaksjoner på konkrete visuelle forslag. Som Rapoport sa på den tiden, "mitt arbeid er en estetisk respons utløst av vitenskapelige data." Likevel, som noen som går på en dypdykk på Internett med hundrevis av søketabber åpne samtidig, flyter disse "datamaskincollagene" over med utallige sammenkoblede utdrag av hva Rapoport tenkte på i øyeblikket. I tillegg til gjenkjennelige bilder og ord, er de fylt med formalisert abstrakt bildekunst samt referanser til hennes egen personlige "Nu Shu"-språk—et personlig, symbolsk, kvinnelig skriftspråk—som kulminerer i verk som er selvsikre, sterke, feministiske, poetiske, mystiske og uendelig fascinerende.

Sonya Rapoport - Biorhythm-kalender (detalj), 1980. Multimedia-kollasje på kontinuerlig fôret datamaskin utskrift vellum på funnet kalendere 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med vennlig hilsen Estate of Sonya Rapoport

I håp om at seerne ville se dypere inn i verkene hennes, delte Rapoport alltid ivrig de omfattende opptegnelsene hun hadde, der hun noterte alle referansene som inspirerte henne. Ettersom utallige nye seere nå får sjansen til å møte hennes arv for første gang på kunstmesser og museumutstillinger, håper jeg at kuratorer også vil ta ekstra vare på å formidle den intensjonen. En av de mer irriterende aspektene ved den digitale tidsalderen er at kunstseere hevder retten til å se på kunst raskt og overfladisk, for så å sveipe til neste bilde. Rapoport var ingen fan av den trenden, ei heller av de dehumaniserende begrensningene den pålegger kunst og dens skapere. Når denne forutseende kunstneren endelig får sin rettmessige anerkjennelse, oppfordrer jeg seerne til å skrape under overflaten av verkene hennes, og jeg oppfordrer kuratorer og skribenter til å slutte å kalle Rapoport en datakunstner eller en internettkunstner—Rapoport var en kunstner som brukte teknologi for å minne oss om de utallige måtene vi fortsatt er menneskelige.

Utvalgt bilde: Sonya Rapoport - Koch II, 1972–74. Sprayakryl og grafitt på lerret; 72 x 96 tommer. Boet etter Sonya Rapoport.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio