Hvordan Sonya Rapoport Brukte Abstraksjon for å Pionere Datakunst

Sonya Rapoport er i vinden. Eller mer presist, siden den Berkeley, California-baserte kunstneren gikk bort i 2015, har det enorme kunstneriske arven hun etterlot seg fått sin tid i rampelyset. Etter store gruppeutstillinger ved SFMOMA og Hunter College Art Galleries i 2019, vil hennes verk i år bli fremhevet i en soloutstilling i Frieze New York Spotlight-seksjonen, samtidig med Sonya Rapoport: Biorhythm, en delvis retrospektiv utstilling ved San Jose Museum of Art fra 7. februar til 5. juli 2020. Rapoport begynte sin karriere som abstrakt maler og billedhugger. Hennes tidlige arbeider ble feiret i 1963 i det som ironisk nok ble kalt en «midtveis»-retrospektiv. Rett etter den utstillingen endret Rapoport sin praksis fundamentalt, og ble en pioner innen det såkalte datakunstfeltet, en uttrykksform hun kontinuerlig utforsket og omdefinerte i 52 år til. Mange kuratorer og skribenter liker også å kalle Rapoport en av de tidligste skaperne av Internett-kunst, siden hun allerede på 1970-tallet innlemmet elementer som personlige dataanalyser og digitale sosiale interaksjoner i sine installasjoner. Det kan imidlertid være mer presist å si at Rapoport selv var en slags vandrende proto-Internett. Hennes sinn var et virtuelt bibliotek av esoterisk kunnskap; hun var en bindeledd som samlet ulike eksperter for å samarbeide om eksperimentell estetisk forskning; og hennes inspirerte prosjekter krysspollinerte individer og organisasjoner langt utenfor kunstfeltets grenser. Delvis formalist, delvis sjaman, delvis poet, delvis analytiker, delvis samler og delvis anarkist, skapte Rapoport en av de mest komplekse kunstneriske praksiser i det forrige århundret. Å nøste opp alle symbolene, betydningene og lagene i hennes verk kunne ta en kunsthistoriker et helt liv, og et herlig liv ville det være. Likevel, i hastverket med å merke Rapoport med etiketter som datakunstner og pioner innen Internett-kunst, lurer jeg på om vi overser det mest essensielle ved hennes arbeid: dens menneskelighet.

Digital Mudra

En av de første interaktive kunstinstallasjonene Rapoport laget var Digital Mudra (1987). En mudra er en symbolsk gest eller positur. Ordet mudra kommer fra hinduistiske, jainistiske og buddhistiske tradisjoner, men alle kulturer bruker håndbevegelser som snarveier for å formidle informasjon og mening. Digital Mudra utnyttet mudras universelle karakter ved å sammenligne tegninger av gamle mudraer med bilder av moderne mennesker som fysisk uttrykte sine følelser. Rapoport inviterte også andre kunstnere til å komponere dikt basert på mudra-ord, som hun deretter tolket på nytt til mudra-dikt som ble vist i utstillingen. Besøkende i galleriet ble deretter invitert til å delta ved å få sine egne gester analysert av en datamaskin, som så skrev ut deres tilknyttede mudra-symboler og ord, som deretter kunne analyseres av en digitalisert versjon av den indiske poeten Rabindranath Tagore, noe som resulterte i et personlig epigram egnet til å henges opp på «mudra-veggen» som «tempelskrifter.»

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-kollasje på kontinuerlig dataskriverspor vellum på funnede kalendere, 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med tillatelse fra arven etter Sonya Rapoport

Selv om det er fristende å si at Digital Mudra var en datainstallasjon, virker det for meg mer abstrakt enn som så. Det virker mer som et forsøk på å undergrave vår avhengighet av det som kan kjennes. Rapoport lekte med ideen om at folk ønsker å tro på en kraft som er større enn deres egen forstand. Digital Mudra involverte datamaskiner, men brakte også sammen mystikk, åndelige tradisjoner, filosofi, poesi og kunst. Viktigst av alt skapte det en sosial situasjon der folk ble oppmuntret til å delta på grunn av andres deltakelse—alle andre kom opp med sine mudra-ord, hørte visdommen fra vismannen og hengte sine mystiske epigrammer på tempelveggene, så hvorfor ikke bli med? Det er ingen tvil om at denne installasjonen høres mye ut som en tidlig sosial mediememe-quiz, men mer enn noe annet ser jeg det som en anerkjennelse av at våre digitale herrer ikke er annerledes enn alle de andre herrene som kom før, og som vil komme etter.

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-kollasje på kontinuerlig dataskriverspor vellum på funnede kalendere, 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med tillatelse fra arven etter Sonya Rapoport

Alt er ett

Kollasje var et annet yndlingsmedium for Rapoport. Hun fant berømt en bunke kart i et gammelt skrivebord hun kjøpte, og brukte dem som bakgrunn for intrikate kollasjearbeider, og utvidet deres analytiske kontekst ved å tilføre personlige bilder og utklipp. Senere fant hun store mengder dataskriverspor i søpla på campus ved University of California i Berkeley. Hun sydde arkene sammen med garn og brukte dem som grunnlag for en serie arbeider som utforsket hennes eget store følelsesliv, drømmer og påvirkninger. Disse arbeidene handlet ikke om datamaskiner i seg selv. De var mer som abstrakte visuelle reaksjoner på konkrete visuelle forslag. Som Rapoport sa på den tiden, «mitt arbeid er et estetisk svar utløst av vitenskapelige data.» Likevel, som en som går på et dypt Internett-dykk med hundrevis av søkefaner åpne samtidig, flommer disse «datakollasjene» over av utallige sammenknyttede utdrag av hva Rapoport tenkte på da. I tillegg til gjenkjennelige bilder og ord, er de fylt med formalistisk abstrakt billedspråk samt referanser til hennes egen personlige «Nu Shu»-språk—et personlig, symbolsk, kvinnelig skriftspråk—som kulminerer i verk som er selvsikre, sterke, feministiske, poetiske, mystiske og uendelig fascinerende.

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-kollasje på kontinuerlig dataskriverspor vellum på funnede kalendere, 31,75 tommer x 45,25 tommer hver. Med tillatelse fra arven etter Sonya Rapoport

I håp om at betraktere ville se dypere inn i hennes verk, delte Rapoport alltid ivrig de omfattende arkivene hun førte over alle referansene som inspirerte henne. Ettersom utallige nye betraktere nå får muligheten til å møte hennes arv for første gang på kunstmesser og museumsutstillinger, håper jeg kuratorer også vil ta ekstra hensyn til å formidle denne intensjonen. En av de mer irriterende sidene ved den digitale tidsalderen er at kunstbetraktere mener de har rett til å se på kunst raskt og overfladisk, for så å sveipe videre til neste bilde. Rapoport var ikke begeistret for den trenden, heller ikke for de avmennesklende begrensningene den pålegger kunsten og dens skapere. Nå som denne fremsynte kunstneren endelig får sin rettmessige plass, oppfordrer jeg betraktere til å skrape under overflaten av hennes verk, og jeg oppfordrer kuratorer og skribenter til å slutte å kalle Rapoport en datakunstner eller en Internett-kunstner—Rapoport var en kunstner som brukte teknologi for å minne oss om de utallige måtene vi fortsatt er mennesker på.

Utvalgt bilde: Sonya Rapoport - Koch II, 1972–74. Sprayakryl og grafitt på lerret; 72 x 96 tommer. Arven etter Sonya Rapoport.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio