Ruth Asawas hengende hyllester til naturlige former

Hvis du noen gang har stått midt i en Ruth Asawa installasjon, forstår du at det finnes en kunst utenfor kunsten; en kunst smidd ikke fra teori, men fra direkte uttrykk, instinkt og oppfinnsomhet. Asawa laget verk som fanget den eteriske skjønnheten i naturen. Hun sa at hun var inspirert av "å se lys gjennom insektvinger, å se edderkopper reparere sine nett tidlig om morgenen, og å se solen gjennom vanndråpene som henger fra tuppene av furunåler mens jeg vanner hagen min." Slike naturlige fenomener har en poetisk eksistens: de er her, men flyktige. Asawa fanget dette paradokset i sin mest kjente verk—hengende, biomorfe, metallformer vevd med en teknikk Asawa lærte fra urfolk som laget kurver i Mexico. Formene omgir og definerer rom, samtidig som de lar luft og lys flyte fritt gjennom sine grenser. De kan sees og berøres, men er på noen måter like ubetydelige som de delikate skyggene de kaster. De er ikke naturlige, men de adopterer den visuelle og metafysiske språket til naturen. De respekterer naturen og lærer av den—noe som gjør dem til håpefulle ambassadører for vår generasjon. I løpet av sitt eget liv ble Asawa ofte nedvurdert av misogynistiske kunstkritikere som forsøkte å nedvurdere hennes vevde former, fordi hun var kvinne som laget det som for deres overfladiske sinn lignet håndverksobjekter. Asawa eksisterte utenfor rekkevidden av deres smålige kritikk. Hennes arbeid trengte ikke offisiell validering; det trengte bare å finne sitt publikum. Det skjer endelig nå, seks år etter hennes død. David Zwirner-galleriet har nylig signert for å representere hennes bo, et løft som vil bringe hennes arbeid fortjent global oppmerksomhet. Kanskje like betydningsfullt, ble Asawa nylig minnet i en Google-doodle for å starte Asian American and Pacific Islander Heritage Month i USA. Doodlen viste fem av hennes biomorfe metallskulpturer som stavet ordet Google, med Asawa på bakken som vevde den lille g. For en kunstner som sa i 2002 at hun ikke var moderne lenger fordi hun ikke visste noe om teknologi, er Google-doodlen en merkelig hyllest, men en som forhåpentligvis vil hjelpe til med å opplyse nye fans om arbeidet til en kunstner hvis forståelse av naturen gir inspirasjon når vi trenger det mest.

Å overleve uvitenhet

Født i 1926 i en liten landbrukby i California, var Asawa bare tenåring da hun ble en av 120 000 japansk-amerikanere som ble arrestert og tvunget sendt til interneringsleirer da USA gikk inn i andre verdenskrig. Hun ble fengslet sammen med fem av sine seks søsken og sin mor. Hennes yngre søster, som tilfeldigvis var på besøk i Japan da resten av familien ble tatt til fange, ble tvunget til å bli i Japan alene. Faren hennes, derimot - en 60 år gammel bonde - ble arrestert av FBI og fengslet i en annen leir, hvor han forble adskilt fra familien i to år. Mirakuløst nok, holdt imidlertid Asawa ingen bitterhet senere i livet for de vanskelighetene denne opplevelsen påførte henne. Hun krediterer til og med opplevelsen med å ha endret livet hennes, siden det var i interneringsleiren at hun viet seg til å bli kunstner.

Ruth Asawa - Uten tittel (S.069/90), 1990. Skulptur, kobbertråd. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 tommer). Michael Rosenfeld Gallery

Hennes konstruktive syn på denne vanskelige opplevelsen strekker seg til hennes syn på hele krigen. Etter å ha forlatt leiren, begynte hun på Milwaukee State Teachers College, men fikk ikke lov til å undervise i de offentlige skolene på grunn av sin japanske bakgrunn. Den rasismen drev henne til å melde seg inn på det eksperimentelle Black Mountain College i North Carolina. Black Mountain College var stedet hvor mange av Bauhaus-lærerne flyktet til etter å ha blitt jaget ut av Tyskland av nazistene. Asawa trente der i tre år, og arbeidet med de lyseste hodene innen kunst, arkitektur, dans og musikk, i det som har blitt beskrevet som en kunstnerisk utopi. Asawa var rask til å påpeke at uten nazistenes svøpe, ville en slik skole aldri ha eksistert i USA. Det var kun fordi disse lærerne ble utvist fra sitt hjemland at de var villige til å arbeide for nesten ingen lønn, dyrke jorden og lage sine egne måltider. Som med hennes egen erfaring i interneringsleirene, så hun Black Mountain College som et eksempel på de fantastiske tingene som kan komme fra å gjøre det beste ut av hver mulighet i livet, selv de smertefulle.

Ruth Asawa - Uten tittel (S.454/50), 1957. Skulptur, kobbertråd. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 tommer). Michael Rosenfeld Gallery

Fontenefruen

Hennes konstruktive syn på livet gjorde Asawa til en eksepsjonell kunstner, fordi hun forsto nødvendigheten av at kunst har verdi for menneskeheten. "Aktivisme er bortkastet," sa hun. "Det er bedre å jobbe med en idé og bygge videre på den enn å bryte ned og protestere mot noe som eksisterer." En av de mest innflytelsesrike måtene hun fant å være konstruktiv med arbeidet sitt på, var å lage offentlig kunst. I sitt adoptivhjem i San Francisco var hun kjent som "Fonten Damen," på grunn av de mange fontenene hun laget rundt om i byen. Kanskje den mest kjente er havfruefontenen som står i Ghirardelli Square, foran det ikoniske Ghirardelli Chocolate Company. Fontenen som lokalbefolkningen elsker Asawa mest, kalles imidlertid ganske enkelt San Francisco Fountain, og den epitomiserer hennes forpliktelse til konstruktiv estetikk.

Ruth Asawa- Detalj av fontenen i San Francisco i Union Square.

Fontenen er bygget inn i en beskjeden trapp som fører til en liten lommepark nær Union Square. For å lage den, jobbet Asawa med barn fra hele byen, og inviterte dem til å lage leiremodeller som skildret deres favorittaspekter av San Francisco. Etter at barna hadde laget modellene, fikk Asawa leireformene støpt i bronse for å danne den lavrelieffeksteriøret til fontenen. Sa Asawa: "Når jeg jobber med store prosjekter, som en fontene, liker jeg å inkludere folk som ennå ikke har utviklet sin kreative side — folk som lengter etter å slippe kreativiteten løs." San Francisco-fontenen er noe enhver kan komme over. Den er lett å forstå, og taler til det faktum at vi alle er i dette sammen. Selv om den ikke er noe likt det arbeidet Asawa er best kjent for, er den kanskje det mest perfekte uttrykket for kunsten hennes: det er et direkte, håpefullt estetisk uttrykk, guidet ikke av akademisk teori, men av en forståelse av vår natur — at vi alle er i dette sammen.

Utvalgt bilde: Ruth Asawa - Uten tittel (S.383, Veggmontert bundet tråd, åpen senter, seks-punkts stjerne, med seks grener), 1967. Hengende skulptur—bronse tråd. 46 x 46 x 6 tommer (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Vist på David Zwirner Gallery, 2017.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio