Ruth Asawas hengende hyllester til naturlige former

Hvis du noen gang har stått midt i en Ruth Asawa-installasjon, forstår du at det finnes en kunst utenfor kunsten; en kunst smidd ikke av teori, men av direkte uttrykk, instinkt og oppfinnsomhet. Asawa laget verk som fanget naturens luftige skjønnhet. Hun sa at hun ble inspirert av «å se lys gjennom insektvinger, se edderkopper reparere nettene sine tidlig om morgenen, og se solen gjennom vanndråper som henger fra tuppene på furunåler mens jeg vannet hagen min.» Slike naturfenomener har en poetisk eksistens: de er her, men flyktige. Asawa fanget dette paradokset i sin mest kjente verkserie—hengende, biomorfe metallformer vevd med en teknikk Asawa lærte av urfolks kurvmakere i Mexico. Formene omslutter og definerer rom, samtidig som de lar luft og lys strømme fritt gjennom grensene sine. De kan sees og berøres, men er på noen måter like uvirkelige som de skjøre skyggene de kaster. De er ikke naturlige, men de adopterer naturens visuelle og metafysiske språk. De respekterer naturen og lærer av den—noe som gjør dem til håpefulle ambassadører for vår generasjon. I løpet av sitt eget liv ble Asawa ofte nedvurdert av kvinnefiendtlige kunstkritikere som forsøkte å bagatellisere hennes vevde former, fordi hun var kvinne og laget det som for deres grunne sinn lignet håndverksgjenstander. Asawa eksisterte utenfor rekkevidden av deres smålige kritikk. Hennes arbeid trengte ikke offisiell godkjenning; det trengte bare å finne sitt publikum. Det skjer endelig nå, seks år etter hennes død. David Zwirner-galleriet har nylig skrevet kontrakt om å representere hennes bo, en støtte som vil bringe hennes arbeid den velfortjente globale oppmerksomheten. Kanskje like betydningsfullt, ble Asawa nylig hedret i en Google-doodle for å markere starten på Asian American and Pacific Islander Heritage Month i USA. Doodlen viste fem av hennes biomorfe metalskulpturer som stavet ordet Google, med Asawa på bakken som vevde den lille g-en. For en kunstner som sa i 2002 at hun ikke var moderne lenger fordi hun ikke kunne noe om teknologi, er Google-doodlen en merkelig hyllest, men en som forhåpentligvis vil hjelpe nye fans å bli kjent med arbeidet til en kunstner hvis forståelse av naturen gir inspirasjon når vi trenger det mest.

Å overleve uvitenhet

Født i 1926 i en liten jordbrukerby i California, var Asawa bare tenåring da hun ble en av 120 000 japansk-amerikanere som ble arrestert og tvangssendt til interneringsleirer da USA gikk inn i andre verdenskrig. Hun ble fengslet sammen med fem av sine seks søsken og moren sin. Hennes yngre søster, som tilfeldigvis var på besøk i Japan da resten av familien ble tatt i forvaring, ble tvunget til å bli værende alene i Japan. Faren hennes, en 60 år gammel bonde, ble arrestert av FBI og satt i en annen leir, hvor han var adskilt fra familien i to år. Mirakuløst nok bar ikke Asawa nag senere i livet for de vanskelighetene denne opplevelsen påførte henne. Hun tilskriver til og med opplevelsen forandringen i livet sitt, siden det var i interneringsleiren at hun bestemte seg for å bli kunstner.

Ruth Asawa - Uten tittel (S.069/90), 1990. Skulptur, kobbertråd. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 tommer). Michael Rosenfeld Gallery

Hennes konstruktive holdning til denne vanskelige opplevelsen gjenspeiles i hennes syn på hele krigen. Etter at hun forlot leiren, gikk hun på Milwaukee State Teachers College, men fikk ikke lov til å undervise i offentlige skoler på grunn av sin japanske bakgrunn. Den rasismen drev henne til å melde seg inn ved det eksperimentelle Black Mountain College i Nord-Carolina. Black Mountain College var stedet mange av Bauhaus-lærerne flyktet til etter å ha blitt jaget ut av Tyskland av nazistene. Asawa trente der i tre år, og arbeidet med de skarpeste hodene innen kunst, arkitektur, dans og musikk, i det som har blitt beskrevet som et kunstnerisk utopia. Asawa påpekte raskt at uten nazistenes herjinger ville en slik skole aldri ha eksistert i USA. Det var bare fordi disse lærerne ble utvist fra hjemlandet sitt at de var villige til å arbeide nesten uten lønn, dyrke jorden og lage sine egne måltider. Som med hennes egen erfaring i interneringsleirene, så hun på Black Mountain College som et eksempel på de fantastiske tingene som kan komme av å gjøre det beste ut av alle livets muligheter, selv de smertefulle.

Ruth Asawa - Uten tittel (S.454/50), 1957. Skulptur, kobbertråd. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 tommer). Michael Rosenfeld Gallery

Fontenedamen

Hennes konstruktive livssyn gjorde Asawa til en usedvanlig kunstner, fordi hun forsto nødvendigheten av at kunsten må ha verdi for menneskeheten. «Aktivisme er bortkastet,» sa hun. «Det er bedre å arbeide med en idé og bygge videre på den enn å rive ned og protestere mot noe som finnes.» En av de mest virkningsfulle måtene hun fant å være konstruktiv med sitt arbeid på, var å skape offentlig kunst. I sitt adoptivhjem San Francisco var hun kjent som «Fontenedamen» på grunn av de mange fontenene hun laget rundt i byen. Kanskje hennes mest kjente er havfruefontenen som står på Ghirardelli Square, foran det ikoniske Ghirardelli Chocolate Company. Fontenen som lokalbefolkningen elsker Asawa mest for, kalles imidlertid bare San Francisco-fontenen, og den er et ypperlig uttrykk for hennes engasjement for konstruktiv estetikk.

Ruth Asawa - Detalj av San Francisco-fontenen i Union Square.

Fontenen er bygget inn i en beskjeden trapp som leder til en liten lommepark nær Union Square. For å lage den samarbeidet Asawa med barn fra hele byen, og inviterte dem til å lage leiremodeller som viste deres favorittaspekter ved San Francisco. Etter at barna hadde laget modellene, fikk Asawa leireformene støpt i bronse for å danne fontenens lavrelieff-utsmykning. Asawa sa: «Når jeg jobber med store prosjekter, som en fontene, liker jeg å inkludere folk som ennå ikke har utviklet sin kreative side — folk som lengter etter å slippe løs sin skaperevne.» San Francisco-fontenen er noe hvem som helst kan komme over. Den er lett å forstå, og uttrykker at vi alle er i dette sammen. Selv om den ikke ligner på det arbeidet Asawa er mest kjent for, er det kanskje det mest perfekte uttrykket for hennes kunst: et direkte, håpefullt estetisk uttrykk, styrt ikke av akademisk teori, men av en forståelse av vår natur—at vi alle er i dette sammen.

Fremhevet bilde: Ruth Asawa - Uten tittel (S.383, veggmontert bundet tråd, åpent senter, sekskantet stjerne med seks grener), 1967. Hengende skulptur—bronsetråd. 116,8 x 116,8 x 15,2 cm (46 x 46 x 6 tommer). Vist på David Zwirner Gallery, 2017.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio