6 Eksempler på offentlig abstrakt kunst på randen av det representasjonelle

Noen ganger omfavner folk abstrakt offentlig kunst, og noen ganger gjør de absolutt ikke det. Noen abstrakte offentlige kunstverk blir elskede deler av det offentlige landskapet; andre blir misforstått, eller til og med hatet av de som lever med dem hver dag. Uansett hva som skjer, er det ofte slik at for å forstå hvorfor og hvordan et nytt abstrakt offentlig kunstverk har okkupert hjemmet deres, skaper publikum en tilpasset fortelling om hva verket er, hva det representerer, eller hva det betyr. Noen av de mest vellykkede abstrakte offentlige kunstverkene kan lett tolkes i representasjonelle termer, og gir seerne muligheten til å relatere til dem på flere forskjellige nivåer. Her er seks kjente verk av offentlig kunst som er elsket av samfunnene de befinner seg i, og som eksisterer på grensen til å bli ansett som representasjonelle og abstrakte.

Isamu Noguchi - Rød kube (New York)

Ligger på 140 Broadway i New York City, er "Red Cube" (1968) av Isamu Noguchi ikke egentlig en perfekt kube. Den røde, malte stålformen er litt forvrengt, som om den har blitt strukket. Gjennom midten går en hul, sirkulær tunnel. Verket er lett å relatere til i figurative termer siden en kube er en så vanlig geometrisk form. Likevel er det mange abstrakte og symbolske elementer i verket også. Abstrakt sett motsetter det seg omgivelsene siden linjene til alle de omkringliggende strukturene er vertikale og horisontale, mens hver kant av "Red Cube" er diagonal. Det sirkulære hullet utfordrer voyeurismen til de tallrike omkringliggende vinduene, og tilbyr et kikkhull gjennom hvilket man kan se den nærliggende høyhuset. Symbolsk sa Noguchi: "Kuben betyr sjanse, som å kaste terninger," en referanse til den nærliggende Wall Street. Kunstneren bemerket også at formen relaterer til "menneskeskapte" blokker, mens det sirkulære hullet relaterer til "solstråling."

Isamu Noguchi - Rød kube, Broadway, Manhattan, New York. Foto kreditering Николай Максимович

Sol LeWitt - Firkantet pyramide (Washington)

Ligger i National Gallery of Art Sculpture Garden i Washington, D.C., er "Fire-sidet pyramide" (1999) typisk for mange av LeWitts verk, ettersom "strukturen" som han kalte det, ble designet men ikke bygget av ham. Et team av steinhuggere og ingeniører konstruerte det basert på hans detaljerte instruksjoner. Symbolsk har LeWitt sagt at formen refererer til "tilbakeholdte" skyskrapere, en arkitektonisk trend som var vanlig på midten av 1900-tallet og som etterligner pyramideformen. Figurativt kan hvem som helst se på dette verket og anta at det refererer til de egyptiske pyramidene. Abstrakt er det dypt konseptuelt, siden LeWitt hadde til hensikt at det skulle kunne gjenskapes når som helst, hvor som helst, av hvem som helst. I en formell abstrakt forstand tilbyr verket et endeløst skiftende samspill av linjer, former, mønstre og former, ettersom det utviklende naturlige lyset interagerer med de mange betong- og mørteloverflatene.

Sol LeWitt - Firkantet pyramide. første installasjon 1997, fabrikert 1999 betongblokker og mørtel. totalt: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 in.). Gave fra Donald Fisher-familien 1998.149.1. Utsikt: Skulpturhage. © National Gallery of Art

Henry Moore - Store To Former (Toronto)

Opprinnelig installert i 1973 på fortauet foran Art Gallery of Ontario, "Large Two Forms" av Henry Moore befinner seg nå i et nærliggende åpent område kalt Grange Park. De to bronseformene epitomiserer interessen Moore hadde for biomorf abstraksjon. De fremkaller referanser til bein, så vel som til et par menneskekropper som interagerer med hverandre i rommet. De ligner også naturlige fjellformer som kan være skåret av erosjon. Da dette verket ble flyttet til sin nye plassering, endret de abstrakte kvalitetene seg betydelig, siden det for første gang kunne sees fra 360 grader. Ikke lenger flankert av en høy bygning, var det fritt til å uttrykke sine naturlige organiske kvaliteter mer fullt. Omgitt av gress og trær ligner det langt mindre på to menneskefigurer, og langt mer inviterer til rent abstrakt tolkning.

Henry Moore - Store to former. Kunstgalleri i Ontario. Foto kreditering M. Readey

Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)

Et av de mest åpenbare eksemplene på en abstrakt offentlig skulptur som får en representativ tolkning av publikum, er "Cloud Gate" (2006) av Anish Kapoor. Installert i Millennium Park i Chicago, er den 33 fot høye skulpturen laget av rustfritt stål inspirert av de visuelle kvalitetene til flytende kvikksølv. Dens abstrakte tendenser inkluderer dens biomorfe tilstedeværelse blant en tårnende jungel av produserte geometriske strukturer, samt dens evne til å forvrenge refleksjonene den tilbyr av himmelen, byen og forbipasserende. Til tross for disse aspektene har folk i Chicago berømt gitt den et nytt navn, og kaller den "The Bean", basert utelukkende på dens nyrebønneform.

Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Foto kreditering Nyx Ning

Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, Tråd og Knute (Milano)

Designet av Claes Oldenburg og hans kone Coosje van Bruggen, "Nål, Tråd og Knute" (2000) ble installert i Milano, Italia, som en del av renoveringen av en nærliggende jernbanestasjon. Fargene gjenspeiler de omkringliggende bygningene, og bildene, sier Oldenburg, representerer et tog som går gjennom en tunnel. Denne i hovedsak figurative skulpturen har opplevd det motsatte av reaksjonen som "Cloud Gate" i Chicago. I stedet for å reagere på dens figurative kvaliteter, beundrer lokalbefolkningen den for måten linjene, fargene og formene står i kontrast til de visuelle elementene i den omkringliggende arkitekturen. Dens tilstedeværelse fremhever de formelle abstrakte visuelle kvalitetene i hele det offentlige rommet, og gir gaten, gatebelysningen og de omkringliggende bygningene en ny, distinkt ikke-figurativ stil.

Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, Tråd og Knute, 2000. Milano, Italia. Rustfritt stål, forsterket plast, polyester gelcoat, polyuretan emalje. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Foto kreditering MarkusMark

Alexander Calder - Ørnen (Seattle)

Opprinnelig reist i Fort Worth, Texas, "The Eagle" (1974) av Alexander Calder ligner tydelig en rovfugl. Den 39 fot høye, røde, malte stålformen ser ut til å ha to ben, to vinger, en hale og et nebb. Likevel, i sin opprinnelige plassering foran en glasshøyhus, ble dens figurative aspekter tapt. Midt i den tårnende stål- og glassbakgrunnen, ga dens livlige farge, biomorfe kurver og mange flater stykket dramatiske formelle abstrakte kvaliteter. Men på 1990-tallet ble bygningen solgt og skulpturen ble kjøpt av en investeringsgruppe. Den ble kort tid utstilt ved Philadelphia Museum of Art, før kunstsamlerne Jon og Mary Shirley fra Seattle-området kjøpte den for Seattle Art Museum. Den befinner seg nå i den havnære Olympic Sculpture Park, hvor den har fått en helt annen visuell tilstedeværelse. Uten andre høye strukturer å konkurrere med, kommer de representasjonelle aspektene av "The Eagle" umiddelbart i forgrunnen, spesielt med tanke på de tusenvis av innfødte sjøfugler, hvis grasiøse, urformede former så vakkert gjenspeiles i verket.

Alexander Calder - Ørnen, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Eier: Seattle Art Museum

Fremhevet bilde: Isamu Noguchi - Rød kube, Broadway, Manhattan, New York. Fotokreditter Ken Lund.

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio