6 Eksempler på offentlig abstrakt kunst på randen av det representasjonelle

Noen ganger omfavner folk abstrakt offentlig kunst, og noen ganger gjør de absolutt ikke det. Noen abstrakte offentlige kunstverk blir kjære deler av det offentlige landskapet; andre blir misforstått, eller til og med hatet av dem som lever med dem hver dag. Uansett hva som skjer, er det ofte slik at for å forstå hvorfor og hvordan et nytt abstrakt offentlig kunstverk har tatt plass i deres hjem, skaper publikum en egen fortelling om hva verket er, hva det representerer, eller hva det betyr. Noen av de mest vellykkede abstrakte offentlige kunstverkene krysser lett over til å bli tolket i gjenkjennelige termer, og gir betrakterne mulighet til å knytte seg til dem på flere ulike nivåer. Her er seks kjente offentlige kunstverk som er elsket av lokalsamfunnene de befinner seg i, og som befinner seg på grensen mellom å bli sett på som gjenkjennelige og abstrakte.

Isamu Noguchi - Rødt kube (New York)

Plassert på 140 Broadway i New York City, er «Rødt kube» (1968) av Isamu Noguchi ikke egentlig en perfekt kube. Den røde, malte stålformen er litt forvrengt, som om den har blitt strukket. Gjennom midten går en hul, sirkulær tunnel. Verket er lett å knytte til i figurative termer siden en kube er en så vanlig geometrisk form. Likevel finnes det mange abstrakte og symbolske elementer i verket også. Abstrakt sett står det i kontrast til omgivelsene siden linjene i alle de omkringliggende bygningene er vertikale og horisontale, mens hver kant på «Rødt kube» er diagonal. Det sirkulære hullet utfordrer voyeurismen til de utallige vinduene rundt, og tilbyr et kikkhull hvor man kan se den nærliggende skyskraperen. Symbolsk sa Noguchi: «Kuben symboliserer tilfeldighet, som terningkast,» en henvisning til den nærliggende Wall Street. Kunstneren bemerket også at formen relaterer til «menneskeskapte» blokker, mens det sirkulære hullet relaterer til «solstråling».

 

Isamu Noguchi - Rødt kube, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Николай Максимович

 

Sol LeWitt - Fyrsidet pyramide (Washington)

Plassert i National Gallery of Art Sculpture Garden i Washington, D.C., er «Fyrsidet pyramide» (1999) typisk for mange av LeWitts verk, ettersom «strukturen» som han kalte det, ble tegnet men ikke bygget av ham. Et team av steinhoggere og ingeniører bygde det basert på hans detaljerte instruksjoner. Symbolsk har LeWitt sagt at formen refererer til «tilbaketrukne» skyskrapere, en arkitektonisk trend vanlig på midten av 1900-tallet som etterligner pyramideformen. Figurativt kunne hvem som helst se på dette verket og anta at det refererer til de egyptiske pyramidene. Abstrakt er det dypt konseptuelt, siden LeWitt hadde til hensikt at det skulle kunne gjenskapes når som helst, hvor som helst, av hvem som helst. I en formell abstrakt forstand tilbyr verket et uendelig skiftende samspill av linjer, former, mønstre og figurer, ettersom det skiftende naturlige lyset samspiller med de utallige betong- og mørteloverflatene.

 

Sol LeWitt - Fyrsidet pyramide. første installasjon 1997, laget 1999 betongblokker og mørtel. totalt: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 tommer). Gave fra Donald Fisher-familien 1998.149.1. Utstilt: Skulpturhage. © National Gallery of Art

 

Henry Moore - Store to former (Toronto)

Opprinnelig plassert i 1973 på fortauet foran Art Gallery of Ontario, befinner «Store to former» av Henry Moore seg nå i et nærliggende åpent område kalt Grange Park. De to bronseformene er et ypperlig eksempel på Moores interesse for biomorf abstraksjon. De vekker assosiasjoner til bein, samt til et par menneskekropper som samhandler i rommet. De ligner også naturlige steinformer som kan være formet av erosjon. Da dette verket ble flyttet til sin nye plassering, endret dets abstrakte egenskaper seg betydelig siden det for første gang kunne sees fra 360 grader. Ikke lenger flankert av en høy bygning, fikk det frihet til å uttrykke sine naturlige organiske kvaliteter mer fullt ut. Omgitt av gress og trær ligner det langt mindre på to menneskefigurer, og inviterer i mye større grad til rent abstrakt tolkning.

 

Henry Moore - Store to former. Art Gallery of Ontario. Foto: M. Readey

 

Anish Kapoor - Skyporten (Chicago)

Et av de mest åpenbare eksemplene på at en abstrakt offentlig skulptur får en gjenkjennelig tolkning av publikum, er «Skyporten» (2006) av Anish Kapoor. Plassert i Millennium Park i Chicago, er den 33 fot høye skulpturen i rustfritt stål inspirert av de visuelle egenskapene til flytende kvikksølv. Dens abstrakte tendenser inkluderer dens biomorfe tilstedeværelse midt i en tårnende jungel av menneskeskapte geometriske strukturer, samt dens evne til å forvrenge refleksjonene den gir av himmelen, byen og forbipasserende. Til tross for disse aspektene har innbyggerne i Chicago berømt gitt den et nytt navn, og kaller den «Bønna», basert helt og holdent på dens nyreform.

 

Anish Kapoor - Skyporten, 2006. Millennium Park, Chicago. Foto: Nyx Ning

 

Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, tråd og Knot (Milan)

Designet av Claes Oldenburg og hans kone Coosje van Bruggen, ble «Nål, tråd og Knot» (2000) plassert i Milano, Italia, som en del av renoveringen av en nærliggende jernbanestasjon. Dens farger gjenspeiler de omkringliggende bygningene, og dens billedspråk, sier Oldenburg, representerer et tog som kjører gjennom en tunnel. Denne i hovedsak figurative skulpturen har opplevd motsatt reaksjon av «Skyporten» i Chicago. I stedet for å reagere på dens figurative kvaliteter, beundrer lokalbefolkningen den for måten dens linjer, farger og former står i kontrast til de visuelle elementene i den omkringliggende arkitekturen. Dens tilstedeværelse fremhever de formelle abstrakte visuelle kvalitetene i hele det offentlige rommet, og gir gaten, lyktestolpene og de omkringliggende bygningene en ny, tydelig ikke-figurativ glans.

 

Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, tråd og Knot, 2000. Milano, Italia. Rustfritt stål, forsterket plast, polyester gelcoat, polyuretan emalje. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 fot × 65 fot × 123 fot). Foto: MarkusMark

 

Alexander Calder - Ørnen (Seattle)

Opprinnelig reist i Fort Worth, Texas, ligner «Ørnen» (1974) av Alexander Calder tydelig på en rovfugl. Den 39 fot høye, røde, malte stålformen ser ut til å ha to ben, to vinger, en hale og et nebb. Likevel gikk de figurative aspektene tapt på dens opprinnelige plassering foran en glasskledd skyskraper. Midt i det tårnende stålet og glasset fikk dens sterke farge, biomorfe kurver og utallige flater verket dramatiske formelle abstrakte kvaliteter. Men på 1990-tallet ble bygningen solgt og skulpturen kjøpt av en investeringsgruppe. Den ble kort utstilt ved Philadelphia Museum of Art, før kunstsamlerne Jon og Mary Shirley fra Seattle kjøpte den for Seattle Art Museum. Den befinner seg nå i det havnære Olympic Sculpture Park, hvor den har fått en helt annen visuell tilstedeværelse. Uten andre høye bygninger å konkurrere med, kommer de gjenkjennelige aspektene ved «Ørnen» umiddelbart til syne, spesielt med tanke på de tusenvis av sjøfuglene som bor der, hvis grasiøse, urgamle former så vakkert gjenspeiles i verket.

 

Alexander Calder - Ørnen, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 fot 9 tommer × 32 fot × 32 fot 6 tommer). Seattle, Washington. Eier: Seattle Art Museum

 

Forsidebilde: Isamu Noguchi - Rødt kube, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Ken Lund.

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio