Det Fulle og Det Tomme i Henry Moore Skulpturer

En menneskekropp er mer enn en enkelt masse; det er en akkumulering av mindre masser. Og hver kropp er også en del av en større masse: den av menneskeheten. Og menneskeheten er en del av en enda større masse: den av verden. Skulptøren Henry Moore sa det best da han uttalte: “Hele naturen er en endeløs demonstrasjon av form og fasong.” Moore viet sin karriere til en utforskning av form og fasong. Til tross for hvor akademisk det høres ut, er Henry Moore-skulpturer ikke bare intellektuelle objekter. De er heller ikke bare objekter av skjønnhet. De transcenderer både intellektualisme og estetikk for å knytte seerne til noe dypere. Som en figurativ kunstner først og deretter som en abstraksjonist, skapte Moore verk basert på forholdet menneskekroppen har med den større naturlige verden. Hans skulpturer uttrykker ideene om at menneskeheten er en del av naturen og at vi gjennom sansene våre kan bli knyttet til noe tidløst og universelt.

Henry Moore Skulpturer - Materielle Sannheter

Når en skulptør snakker om materiell sannhet, er det en referanse til hvor godt et objekt representerer egenskapene til ressursen det er laget av. Valnøtt har en annen materiell sannhet enn marmor, som har en annen materiell sannhet enn alabaster, og så videre. Henry Moore var en troende på kraften i materiell sannhet. Han avviste ideen om at skulptører skulle lage verkene sine fra former eller støp. Han talte for direkte hugging, siden det etterlot seg merker som avslørte objektets fysiske natur. Direkte hugging var ikke allment akseptert på Moores tid, selv om noen andre innflytelsesrike skulptører også omfavnet ideen. Men for Moore var det ikke bare en teori; det var hans natur.

Henry Moore - Liggende figur relieff ved Undergrunnsbygningen på St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore var ett av ni barn født inn i en arbeiderfamilie i Castleford, en kullgruveby i Yorkshire, England. Foreldrene hans slet og ofret mye for å sende barna sine på skole, slik at de ikke måtte jobbe med hendene. I en alder av 11, etter å ha blitt kjent med Michelangelos verk, skuffet Henry dem ved å bestemme seg for å bli skulptør. Uten mulighet til å gå direkte til universitetet, kjempet Henry i et regiment av Civil Service Rifles under første verdenskrig og ble skadet i et gassangrep. Da han endelig hadde råd til kunstskole etter krigen, var han grundig formet av sine egne materielle sannheter: han var født for hardt arbeid og for å gjøre ting for hånd. Direkte carving fremhevet ikke bare karakteren til materialene hans, men det fremhevet også hans egen karakter.

Henry Moore - UNESCO Liggende Figur, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Ekteskapet mellom Chac-mool og Cézanne

I slutten av 20-årene, i Paris, møtte Moore et estetisk objekt som forandret ham på en dyp og meningsfull måte. Det var en Chac-mool, en prekolumbiansk aztekisk skulptur av en liggende menneskefigur. Skulpturens posisjon fremkaller menneskefigurer skulpturert av klassiske skulptører som Michelangelo, men det skjedde uavhengig av slike påvirkninger, og en verden unna. Figurens væremåte og menneskelighet inspirerte Moore, og han omfavnet formen som noe universelt som han kunne arbeide med.

Henry Moore -  Fire-delt komposisjon: Liggande figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore giftet Chac-mool sin essens med figurer inspirert av et av hans mest elskede malerier, Cézannes The Bathers. Resultatet var en ikonisk, modernistisk skulpturell form han kalte en "liggende figur." Han utforsket liggende figurer gjennom hele sin karriere, og kom tilbake til det gang på gang som grunnlag for oppdagelser om volum og rom. I dag kan Moores liggende figurer finnes over hele verden, i skulpturparker, naturområder og museer på seks kontinenter. Hans første offentlige oppdrag var en liggende figur hugget i relieff på Underground Building ved St James’s i London. Hans mest kjente pryder UNESCOs hovedkvarter i Paris.

Cézanne - Badende, 1898-1905, Olje på lerret, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA

Reduksjon av form

Flertallet av Moores liggende figurer var abstrakte. Han reduserte kontinuerlig formen av den menneskelige figuren til dens essensielle elementer, og deretter abstraherte han dem til å ligne former som finnes i naturen. Hans biomorfe, abstrakte liggende figurer virket analoge med det naturlige landskapet, og inspirerte mange til å finne humanistiske budskap i dem. Selv om han foretrakk å snakke så lite som mulig om betydningen av sitt arbeid, passer denne tolkningen godt inn i Moores filosofi om sammenhengen mellom kunst, menneskehet og natur.

Henry Moore - Liggende figur. © The Henry Moore Foundation.

I tillegg til å abstrahere den liggende figuren, dissekerte Moore den også. Han laget hull i figurene og bemerket: “Det første hullet laget gjennom et stykke stein er en åpenbaring.” Han utfordret også oppfatningene av volum og rom ved å dra figurene fra hverandre til samlinger av løst tilknyttede former som, hver for seg, var abstrahert, men når de ble plassert sammen, antydet en menneskelig form.

Henry Moore - Mor og Barn, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Beskytt den indre formen

På høyden av Moores produktivitet brøt andre verdenskrig ut, og han ble vervet som krigskunstner. Han laget en serie tegninger som dokumenterte borgere samlet i masser i undergrunnen under bombeangrep. Tegningene fanger frykten når menneskelige former kokonger seg selv i et tilfluktssted, og deretter kokonger hverandre i hauger av sammenkrøllede kropper. Etter krigen manifesterte denne ideen, om en form som beskyttes innen en annen, seg overalt i skulpturene hans. Han produserte flere verk med tittelen Mor og Barn, noen som fremkalte et barn innen formen av moren, og andre som viste to former separate, men som krøp sammen.

Henry Moore - Hjelmhode Nr. 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Han utforsket også denne ideen med en serie kalt Helmet Head, hvor han skapte hjelmformer som noen ganger bare inneholdt tomt rom, og andre ganger inneholdt sekundære former beskyttet innenfor dem. Disse beskyttende skulpturene bruker masse og rommet rundt som sitt emne. I en formell forstand undersøker de fylden og tomheten i rommet. I en humanistisk forstand demonstrerer de vår mest grunnleggende virkelighet: behovet for sikkerhet.

Henry Moore - Tre former vertebrae, 1978-79, utenfor City Hall, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Øvelser i form

I 1947 skrev en samtidig av Moore, den franske forfatteren Raymond Queneau, en bok kalt “Exercises in Style,” der han fortalte den samme korte anekdoten i 99 forskjellige litterære stiler. Man kan si at Henry Moore tok en lignende tilnærming til sin karriere. Han utforsket noen få emner på en rekke forskjellige måter, med fokus på et smalt spekter av bekymringer, som form, form og hvordan de interagerer med rom. Men hvis det var alt han gjorde, ville han ikke ha satt et så legendarisk preg på 1900-tallets abstrakte kunst.

Moores store idé var alltid menneskeheten; et poeng som er mest tydelig når man vurderer hans offentlige skulpturer, som i dag finnes i 38 land. Moore hadde til hensikt at de skulle berøres, klatres på, utforskes og beboes. De eksisterer for alle våre sanser. Moore sa en gang: “Vår kunnskap om form og fasong forblir, generelt sett, en blanding av visuelle og taktile opplevelser... Et barn lærer om rundhet ved å håndtere en ball mye mer enn ved å se på den.” Fra Moores arbeid lærer vi om rundhet, og om materialitet, form, rom og mange andre formelle, taktile ting. Men vi lærer også noe viktigere: noe om vår sammenkobling med landskapet, med hverandre, med naturen og med oss selv.

Utvalgt bilde: Chac-mool, en skulpturell figur som finnes over hele forhistorisk Mexico
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio