Det Fulle og Det Tomme i Henry Moore Skulpturer

En menneskekropp er mer enn en enkelt masse; det er en opphopning av mindre masser. Og hver kropp er også en del av en større masse: menneskeheten. Og menneskeheten er igjen en del av en enda større masse: verden. Billedhuggeren Henry Moore uttrykte det best da han sa, «Hele naturen er en uendelig demonstrasjon av form og skikkelse.» Moore viet sin karriere til en utforskning av form og skikkelse. Til tross for hvor akademisk det høres ut, er Henry Moore-skulpturer ikke bare intellektuelle gjenstander. De er heller ikke bare skjønnhetsobjekter. De overskrider både intellektualisme og estetikk for å knytte betraktere til noe dypere. Som figurativ kunstner først, og deretter som abstraksjonist, skapte Moore verk basert på forholdet menneskekroppen har til den større naturlige verden. Hans skulpturer uttrykker ideene om at menneskeheten er en del av naturen, og at vi gjennom sansene våre kan bli knyttet til noe tidløst og universelt.

Henry Moore-skulpturer – Materialets sannhet

Når en billedhugger snakker om materialets sannhet, refererer det til hvor godt et objekt gjenspeiler egenskapene til råmaterialet det er laget av. Valnøtt har en annen materialets sannhet enn marmor, som igjen har en annen materialets sannhet enn alabast, og så videre. Henry Moore trodde på kraften i materialets sannhet. Han avviste ideen om at billedhuggere skulle lage verkene sine fra former eller støpninger. Han gikk inn for direkte utskjæring, siden det etterlot merker som avslørte objektets fysiske natur. Direkte utskjæring var ikke allment akseptert i Moores tid, selv om noen andre innflytelsesrike billedhuggere også omfavnet ideen. Men for Moore var det ikke bare en teori; det var hans natur.

Henry Moore – Liggende figur-relieff på Underground-bygningen ved St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore var ett av ni barn født inn i en arbeiderklassefamilie i Castleford, en kullgruveby i Yorkshire, England. Foreldrene hans strevde og ofret for å sende barna på skole slik at de ikke skulle måtte arbeide med hendene. Som 11-åring, etter å ha blitt kjent med Michelangelos verk, skuffet Henry dem ved å bestemme seg for at han ville bli billedhugger. Uten mulighet til å gå direkte på universitetet, kjempet Henry i et regiment i Civil Service Rifles under første verdenskrig og ble skadet i et gassangrep. Da han etter krigen hadde råd til kunstskole, var han grundig formet av sine egne materialets sannheter: han var født for hardt arbeid og å gjøre ting for hånd. Direkte utskjæring fremhevet ikke bare materialenes karakter, men også hans egen karakter.

Henry Moore – UNESCOs liggende figur, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Ekteskapet mellom Chac-mool og Cézanne

I slutten av 20-årene, i Paris, møtte Moore et estetisk objekt som forandret ham på en dyp og meningsfull måte. Det var en Chac-mool, en førkolumbiansk aztekisk skulptur av en liggende menneskefigur. Skulpturens holdning minner om menneskefigurer skåret av klassiske billedhuggere som Michelangelo, men den oppsto uavhengig av slike påvirkninger, og langt borte. Figurens væremåte og menneskelighet inspirerte Moore, og han omfavnet formen som noe universelt han kunne arbeide med.

Henry Moore – Fire-delt komposisjon: Liggende figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore forente Chac-moolens vesen med figurativ inspirasjon hentet fra et av hans mest elskede malerier, Cézannes Badende. Resultatet ble en ikonisk, modernistisk skulpturform han kalte en «liggende figur». Han utforsket liggende figurer gjennom hele sin karriere, og vendte stadig tilbake til dette som grunnlag for oppdagelser om volum og rom. I dag finnes Moores liggende figurer over hele verden, i skulpturparker, naturområder og museer på seks kontinenter. Hans første offentlige oppdrag var en liggende figur skåret i relieff på Underground-bygningen ved St James’s i London. Hans mest kjente pryder UNESCOs hovedkvarter i Paris.

Cézanne – Badende, 1898-1905, olje på lerret, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA

Formens reduksjon

De fleste av Moores liggende figurer var abstrakte. Han reduserte stadig menneskefigurens form til dens essensielle elementer, og abstraherte dem deretter til å ligne former funnet i naturen. Hans biomorfe, abstraherte liggende figurer virket analoge med det naturlige landskapet, og inspirerte mange til å finne humanistiske budskap i dem. Selv om han foretrakk å snakke så lite som mulig om meningen med verkene sine, passer denne tolkningen godt med Moores filosofi om sammenhengen mellom kunst, menneskehet og natur.

Henry Moore – Liggende figur. © The Henry Moore Foundation.

I tillegg til å abstrahere den liggende figuren, dissekerte Moore den også. Han laget hull i figurene, og bemerket, «Det første hullet laget gjennom et steinstykke er en åpenbaring.» Han utfordret også oppfatninger av volum og rom ved å trekke figurene fra hverandre til samlinger av løst tilknyttede former som hver for seg var abstraherte, men som samlet antydet en menneskelig form.

Henry Moore – Mor og barn, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Beskytt den indre formen

På høyden av Moores produktivitet brøt andre verdenskrig ut, og han ble innrullert som krigskunstner. Han laget en serie tegninger som dokumenterte borgere samlet i masser under bakken under bombeangrep. Tegningene fanger frykten når menneskefigurer pakker seg inn i et skjulested, og deretter pakker hverandre inn i hauger av sammenkrøpne kropper. Etter krigen manifesterte denne ideen, om en form som beskyttes innenfor en annen, seg overalt i skulpturene hans. Han laget flere verk med tittelen Mor og barn, noen som antydet et barn innenfor morens form, og andre som viste to former atskilt, men samlet i en klynge.

Henry Moore – Hjelmhode nr. 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Han utforsket også denne ideen med en serie kalt Hjelmhode, der han skapte hjelmformer som noen ganger rommet ingenting annet enn tomrom, og andre ganger inneholdt sekundære former beskyttet inni dem. Disse beskyttende skulpturene bruker masse og rommet rundt som sitt tema. Formelt sett undersøker de fylden og tomheten i rommet. Humanistisk sett viser de vår mest grunnleggende virkelighet: behovet for trygghet.

Henry Moore – Tre former ryggvirvel, 1978-79, utenfor rådhuset i Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Øvelser i form

I 1947 skrev en samtid av Moore, den franske forfatteren Raymond Queneau, en bok kalt «Øvelser i stil», der han fortalte den samme korte anekdoten i 99 forskjellige litterære stiler. Det kan sies at Henry Moore tok en lignende tilnærming til sin karriere. Han fulgte noen få temaer på mange forskjellige måter, med fokus på et lite spekter av spørsmål, som form, skikkelse og hvordan de samspiller med rom. Men hvis det var alt han gjorde, ville han ikke ha satt et så legendarisk preg på abstrakt kunst i det 20. århundre.

Moores store idé var alltid menneskeheten; et poeng som er mest tydelig når man ser på hans offentlige skulpturer, som i dag finnes i 38 land. Moore ønsket at de skulle berøres, klatres på, utforskes og bebos. De eksisterer for alle våre sanser. Moore sa en gang, «Vår kunnskap om form og skikkelse er generelt en blanding av visuelle og taktile erfaringer... Et barn lærer om rundhet ved å håndtere en ball langt mer enn ved å se på den.» Fra Moores verk lærer vi om rundhet, og om materialitet, form, rom og mange andre formelle, taktile ting. Men vi lærer også noe viktigere: noe om vår sammenheng med landskapet, med hverandre, med naturen og med oss selv.

Utvalgt bilde: Chac-mool, en skulpturell figur funnet over hele forhistoriske Mexico
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio