Neo Supports/Surfaces: Et manifest for materiell realisme i det 21. århundre
I kunsthistoriens kartografi har kunstretninger som regel en tydelig begynnelse og slutt. De brenner sterkt, falmer og havner etter hvert i museenes stille arkiver. Supports/Surfaces, som oppsto i 1966 i en teoretisk ildprøve, er det sjeldne unntaket som nektet å slukne.
Selv om bevegelsen opprinnelig ble drevet fram av den politiske radikalismen i mai 1968, og til slutt ble oppslukt av voldelige stridigheter mellom de maoistiske og marxistiske fraksjonene, har den sanne arven vist seg å være langt mer levedyktig enn det ideologiske opphavet. Kjerneoppdagelsen til Supports/Surfaces var ikke politisk, men ontologisk: Ved å skille støtten (blindrammen) fra overflaten (lerretet) avdekket disse kunstnerne maleriets fysiske sannhet. De viste at et maleri ikke er et vindu inn til en illusjon, men en materiell gjenstand i den virkelige verden.
Når vi beveger oss gjennom kunstverdenen i januar 2026, har dette konseptet utviklet seg til det kritikerne kanskje vil kalle bevegelsen «Neo-Supports/Surfaces»: Noen av grunnleggerne, som nå alle er i 80- eller 90-årene, skaper fortsatt aktivt sine mest vitale verk, side om side med en voksende generasjon arvtakere som har lagt den gamle politikken bak seg for å rette oppmerksomheten utelukkende mot mediets kunstneriske kraft.
For den kunstkyndige er dette ingen historietime, men en levende tidslinje som knytter 1960-årenes radikale nedmontering til den materielle «sannheten» som dagens samlere søker.
I. De levende søylene: Grunnleggerne arbeider fortsatt
Det er et sjeldent privilegium å være vitne til at pionerene innen en historisk avantgardebevegelse fortsatt arbeider på høyden av sin skaperkraft. Dette er mennene som for femti år siden etablerte bevegelsens grammatikk.
Claude Viallat - Separatutstilling på Galerie Ceysson Bénétière, 2023 - Installasjonsfoto
Fortellingen begynner med Claude Viallat (f. 1936), bevegelsens utrettelige patriark. I 1966 tok Viallat den radikale beslutningen om å frigjøre lerretet fra trerammen og innlede epoken med toile libre. I dag, 89 år gammel, er han fortsatt gruppens mest synlige skikkelse, drevet av en legendarisk arbeidsmoral som får ham til å arbeide hver dag. Han gjentar ikke bare fortiden; han går dypere i et livslangt spor og viser at uendelig variasjon kan finnes innenfor den ene begrensningen som ligger i hans karakteristiske «bønneform».
Daniel Dezeuze, «Nylige verk 2020-2015» på Musée Paul Valéry (Sète, Frankrike), 2026
Hvis Viallat hevdet lerretet, hevdet Daniel Dezeuze (f. 1942) tomrommet. Dezeuze er kjent for å stille ut tomme trerammer og fleksible stiger lent mot vegger, og brukte flere tiår på å avdekke det vestlige maleriets «skjelett». I 2026 fortsetter verkene hans å rive ned illusjonen om «vinduet» og insistere på kunstens kompromissløse «objektkarakter». Hans intellektuelle stringens er fortsatt et viktig referansepunkt for bevegelsen.
Noël Dolla - separatutstilling ved Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne, 2025 - installasjonsbilde
Noël Dolla (f. 1945) er blant de siste av bevegelsens opprinnelige arkitekter. Dolla er kjent for sin dristige bruk av farger og utradisjonelle materialer, og har stadig utvidet abstraksjonens formspråk utover lerretet. De tidlige verkene hans, blant annet fargede kjøkkenhåndklær, strukket snor og land art-inngrep, utfordret konvensjonelle hierarkier og brakte Supports/Surfaces’ materialistiske grunnholdning inn i både private og offentlige rom. De siste årene har praksisen hans vært like oppfinnsom som før, med en veksling mellom monumentale utendørsinstallasjoner og finstemte, prosessbaserte verk som utforsker rom, arkitektur og betrakterens egne bevegelser. Evnen hans til å fornye tilnærmingen samtidig som han holder fast ved en gjennomarbeidet konseptuell kjerne, gjør ham til en viktig kraft innen moderne abstraksjon og et levende bindeledd til bevegelsens opphav.
Bernard Pagès - separatutstilling på galleriet Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - installasjonsbilde
Bernard Pagès (f. 1940) representerer Supports/Surfaces-bevegelsens skulpturelle avantgarde. Helt fra starten skilte Pagès seg ut ved å dekonstruere grensene mellom maleri og skulptur og sette sammen enkle materialer - tre, stein, metall, betong - til verk som fremhever prosess, sammenstilling og materialenes iboende egenskaper. Praksisen hans kjennetegnes av stor oppmerksomhet på forholdet mellom objekt, rom og betrakter, samt en vedvarende utforskning av kunstnerisk opphav og verdi. De senere utstillingene hans har bekreftet posisjonen hans som en sentral nyskaper og vist hvordan bevegelsens prinsipper stadig kan aktiveres på nytt gjennom nye former og materialer. Den kontinuerlige utforskningen hans av struktur, rytme og fysisk nærvær sørger for at den eksperimentelle ånden i Supports/Surfaces fortsatt lever og utvikler seg.
II. Galleriet som drivkraft: Ceysson & Bénétières avgjørende rolle
Alle de fire grunnleggerkunstnerne stilles fortsatt aktivt ut, og er særlig representert i primærmarkedet av Ceysson & Bénétière. Galleriets vedvarende engasjement har vært avgjørende for å sikre at Supports/Surfaces-kunstnerne forblir synlige og tilgjengelige.
Blant de mange aktørene som former Supports/Surfaces’ skjebne, skiller Ceysson & Bénétière seg ut. Galleriet ble grunnlagt i 2006 og har vokst fra et regionalt visningssted i Saint-Étienne til en multinasjonal aktør, med ni utstillingssteder i Europa, Nord-Amerika og Asia, inkludert den betydningsfulle åpningen av Tokyo-galleriet i 2025. Denne ekspansjonen utover, med røtter i et solid intellektuelt og logistisk grunnlag utenfor de tradisjonelle kunstmetropolene, har gjort det mulig for Ceysson & Bénétière å skrive om reglene for det moderne kunstmarkedet.
«Supports/Surfaces»-utstilling, Galerie Ceysson Bénétière, Tokyo 2025 - installasjonsbilde
Helt fra starten satset galleriet dristig på Supports/Surfaces' historiske og kunstneriske verdi. Ved å løfte fram kunstnere som lenge hadde vært undervurdert i markedet, som Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour og mange andre, spilte Ceysson & Bénétière en avgjørende rolle i å revurdere og sikre bevegelsens ettermæle. Den strenge kuratoriske praksisen, det faglige publiseringsprogrammet og den internasjonale utstillingsstrategien har sørget for at verkene til disse kunstnerne fortsatt er synlige, samles på og diskuteres på høyeste nivå.
Galleriets engasjement handler ikke bare om å bevare kulturarven. Med utstillinger som åpningen i Tokyo i 2025 (se installasjonsbildet ovenfor), med en stor oversiktsutstilling om Supports/Surfaces som hovedattraksjon, har Ceysson & Bénétière løftet fram bevegelsen som en levende kraft med global relevans. Evnen deres til å balansere historisk dybde med samtidens dynamikk kommer tydelig fram i støtten til nye kunstnere som viderefører Supports/Surfaces-bevegelsens materialistiske og prosessorienterte tilnærming på nye områder.
III. Skolen bak bevegelsen: Revolusjonære som lærere
For en kunstnerisk revolusjonær finnes det en særegen form for anerkjennelse utover museumsretrospektivet: muligheten til å undervise i revolusjonen man selv har bidratt til å skape. Kunstneren som utfordret de vedtatte reglene for maleri, får ansvar for å forme dem som kommer etter. Den tidligere utfordringen mot institusjonen blir en kraft innenfor den. I Supports/Surfaces-historien bød kunstskolene på nettopp denne muligheten: ikke bare å studere en radikal bevegelse, men å få direkte tilgang til kunstnerne som hadde gjort dens oppdagelser.
Claude Viallat fylte denne rollen med enestående autoritet. Lærergjerningen hans begynte i 1963, før den gjentatte formen hans kom til syne i 1966, og fortsatte gjennom dannelsen av Supports/Surfaces og den videre utviklingen av bevegelsen. Etter stillinger blant annet i Nice, Limoges og Marseille kom han til Nîmes i 1979, før han senere begynte ved École des Beaux-Arts i Paris i 1991. I Nîmes underviste han altså ikke i en omveltning som ennå ikke hadde funnet sted: Han kunne formidle en tilnærming han selv hadde vært med på å etablere, samtidig som han fortsatte å utforske mulighetene i sitt eget arbeid. Studentene møtte opphavsmannen til ideen, ikke bare dens fortolker.
Dette gir Beaux-Arts i Nîmes en særskilt plass i bevegelsens institusjonelle etterliv. Skolen var en ramme der spørsmål om underlag, overflate, farge og prosess kunne gå direkte fra kunstnerisk nyskaping til undervisning. Viallats undervisning, dokumentert i intervjuarkivet Histoire de la pédagogie artistique, la vekt på materialpraksis og dialog, blant annet spørsmålet om hvordan man unngår å bli en modell studentene etterligner. Privilegiet innebar et ansvar: å videreføre friheten revolusjonen åpnet for, ikke bare dens gjenkjennelige former.
Alain Clément brakte en beslektet, men selvstendig erfaring til institusjonen. Han underviste i Nîmes før han ledet skolen fra 1985 til 1990. Han sto nær medlemmer av Supports/Surfaces uten selv å være en av grunnleggerne, hadde deltatt i den kunstneriske nytenkningen på slutten av 1960-tallet og utviklet egne konseptuelle undersøkelser. Hans senere arbeid med lyrisk gest og kromatisk konstruksjon gjør bidraget hans særlig betydningsfullt. Her var en kunstner som kunne undervise ut fra erfaringen med radikale endringer uten å behandle et tidligere ståsted som en varig forpliktelse.
Cléments dialog mellom maleri og skulptur gir denne selvstendigheten et fysisk uttrykk. Gest blir til konstruksjon; farge antyder volum; en buet linje kan bevege seg fra lerretet og ut i rommet. Verkene hans viser at en kunstnerlærers autoritet ikke trenger å bygge på å forsvare en fast doktrine. Den kan også bygge på å vise hvordan et språk stadig fornyes.
Prestasjonen rommer likevel sitt eget paradoks. Da Clément snakket om undervisningsprogrammet i en samtale med forfatteren av denne artikkelen, spøkte han med faren for å utdanne for mange kunstnere som arbeidet i samme stil. «Vi måtte stoppe», sa han med et bredt smil. Bemerkningen fanger øyeblikket da en vellykket videreføring risikerer å bli en formel. Den revolusjonæres høyeste anerkjennelse, å kunne undervise i det han bidro til å muliggjøre, innebærer også faren for at gårsdagens frigjøring blir morgendagens konvensjon.
Institusjonell anerkjennelse når imidlertid ikke alle deltakerne like mye. For artikkelforfatteren fortjener André-Pierre Arnal, som en gang var en kjær venn, en mer fremtredende plass i denne historiefortellingen. Denne personlige vurderingen minner oss om at synligheten til de ledende skikkelsene ikke kan stå som mål på mottakelsen av en hel generasjon. En revolusjon kan finne veien inn på skolen og museet samtidig som deler av dens bidrag fortsatt blir utilstrekkelig anerkjent.
André-Pierre Arnal - Uten tittel (Rød trekant) - 1973
(Samling tilhørende F.Berthomier)
Nîmes’ betydning ligger i dette møtet mellom kunstnerisk nyskaping, institusjonell anerkjennelse og direkte videreformidling. De som hadde bidratt til å velte maleriets konvensjoner, fikk mulighet til å utdanne en ny generasjon. Den mest varige belønningen var ikke at oppdagelsene deres ble gjenskapt, men muligheten for at studentene kunne bruke dem til å oppdage noe annet.
IV. De «rene» arvtakerne: strenghet og autonomi
Bevegelsen «Neo Supports/Surfaces» føres videre av «mellomgenerasjonen», kunstnere som ble utdannet direkte av mesterne, og som har foredlet 60-tallets rå dekonstruering til en presis, kontemplativ vitenskap.
Frédéric Prat - Soloutstilling på Galerie Richard, 2025 - Installasjonsbilde
Frédéric Prat (f. 1966) står for bevegelsens «klassiske» vending. Prat, som studerte under Claude Viallat og Toni Grand ved École des Beaux-Arts i Paris, har brukt karrieren på å rendyrke bevegelsens grammatikk. Han avviser konsekvent naturalistiske assosiasjoner og søker i stedet ekstremt etter «ikke-former». De store, kvadratiske lerretene hans har monokrome bakgrunner avbrutt av autonome «billedhendelser», løkker og linjer som nekter å representere noe utenfor seg selv. Der Viallat brukte gjentakelse for å ødelegge komposisjonen, bruker Prat «ikke-bildet» til å konstruere et objekt av ren tanke. Han representeres av Galerie Richard i Frankrike, og hans strenge formalisme representeres i den globale digitale konteksten av IdeelArt.
Stéphane Bordarier - Soloutstilling på Galerie ETC, 2023 - Installasjonsbilde
I Nîmes arbeider Stéphane Bordarier (f. 1953) som gruppens teolog. Praksisen hans kjennetegnes av en kompromissløs begrensning: bruk av colle de peau (animalsk hudlim). Fordi dette mediet tørker raskt, tvinges Bordarier til å male sine «falske monokromer» i et kappløp med tiden, uten mulighet for subjektiv nøling. Denne prosessen samsvarer perfekt med bevegelsens vektlegging av prosedyre fremfor ego.
Guillaume Moschini - Separatutstilling på Galerie Oniris, 2023 - Installasjonsbilde
Guillaume Moschini (f. 1970), som fikk veiledning av trekløveret Viallat, Saytour og Bioulès, har mildnet lærernes aggressive dekonstruksjon. Han arbeider med ubehandlet lerret og «imbibisjonsteknikken», der han lar fortynnet akrylmaling trekke direkte inn i fibrene. Resultatet er en «dydig sirkel» av lys og transparens, en «myk geometri» som vibrerer av farger i stedet for å konfrontere betrakteren. Moschini er en sentral skikkelse på den franske abstrakte kunstscenen gjennom Galerie Oniris, og verkene hans når internasjonale samlere gjennom IdeelArt.
V. Fornyerne
Bevegelsen overlever også fordi den blir utfordret. Den yngste generasjonen bruker Supports/Surfaces' verktøy til å kritisere eller utvide bevegelsens tankegang til nye medier.
No 1113 av Jean-Daniel Salvat, 2020
Jean-Daniel Salvat (f. 1969), som var student i Viallats klasse i 1992, snudde i praksis bevegelsen på hodet og skapte «Post-Supports/Surfaces». Mens mentoren hans hyllet lerretets rustikke vev, maler Salvat på den vrange siden av gjennomsiktig vinyl. Betrakteren ser verket gjennom plasten, noe som gir en jevn, industriell «faksimile» av et maleri som speiler glattheten til en digital skjerm. Han viderefører bevegelsens besettelse av objektet, men bytter ut det rustikke med det syntetiske. Verkene hans er også tilgjengelige gjennom IdeelArt.com.
Nicolas Chardon - Separatutstilling på Galerie Jean Broly, 2014 - Installasjonsbilde
Nicolas Chardon (f. 1974) går i konseptuell dialog med Patrick Saytours tekstiler fra hjemmet. Chardon maler på «Vichy»-stoffer (gingham), men med en vri: Når han spenner dem opp, blir rutenettet naturlig forvrengt av spenningen. Han maler de geometriske firkantene sine langs disse forvrengte linjene og viser at sinnets «ideelle» geometri alltid må bøye seg for underlagets fysiske realitet.
Adrien Vescovi - Separatutstilling på Ceysson & Bénétiere St Etienne, 2017 - Installasjonsbilde
Til slutt har arven også flyttet seg utendørs med Adrien Vescovi (f. 1981), arvtakeren etter «Intérieur/Extérieur»-utstillingene fra 1970. Vescovi tar toile libre helt ut av atelieret. Ved hjelp av naturlige fargestoffer lar han lerretene ligge ute i sol, vind og regn i månedsvis, og flytter bevegelsens fokus fra «marxistisk materialisme» til «økologisk materialisme». I 2026 står han bak store institusjonelle prosjekter, og han har også stilt ut hos Ceysson & Bénétière, det samme kraftsenteret som forsvarer bevegelsens grunnleggere.
VI. Parallelle historier og det universelle språket i vestlig kultur
Hvis Supports/Surfaces begynte som et spesifikt fransk opprør, var spørsmålene det stilte universelle. Det viste seg at trangen til å demontere maleriet ikke var unik for Nîmes; den var et globalt tidsfenomen.
For samleren viser denne delen ikke en slektslinje av «arvtakere», men snarere en konstellasjon av beslektede ånder. Dette er vestlige kunstnere som, med utgangspunkt i ulike hovedsteder og ulike tiår, kom fram til de samme «Supports/Surfaces»-konklusjonene og viste at søken etter materiell sannhet er et behov på tvers av kulturer.
"La Couleur en Fugue" ved Fondation Louis Vuitton , 2022. Sam Gilliam - Drape Paintings-serien
Det amerikanske motstykket: Sam Gilliam (1933–2022).
Dette er et tilfelle av historisk synkronisitet: I nøyaktig samme øyeblikk som Claude Viallat bredte ut lerretene sine i Sør-Frankrike, fjernet Sam Gilliam blindrammene i Washington, D.C. Hans berømte «Drape Paintings» - store, fargemettede lerreter som henger fritt i rommet - er ikke etterkommere av den franske skolen, men dens åndelige tvilling. I likhet med de franske grunnleggerne forsto Gilliam at når fargen frigjøres fra rammens stive struktur, kan den fylle det virkelige rommet. Enten verkene henger i løse, skulpturelle folder eller er farget med intenst pigment, behandler han lerretet som en fysisk hud snarere enn et vindu, og bekrefter dermed den materialistiske søken på den andre siden av Atlanteren.
"La couleur en fugue" ved Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino
Punkens motstykke: Steven Parrino (1958–2005).
Steven Parrino er internasjonalt anerkjent for å tøye maleriets grenser gjennom radikal dekonstruksjon. Hans ikoniske verk, store, sirkulære lerreter som er vridd, brettet eller krøllet, ofte malt med kraftige striper eller i monokrome metalliske farger, behandler lerretet som et skulpturelt objekt og fremhever materialets fysiske karakter og motstand. Krøllede metalliske former på gulvet gjenspeiler disse gestene og visker ut skillet mellom maleri og skulptur.
Parrinos inngrep handler ikke bare om ødeleggelse, men også om energien og spenningen som oppstår når konvensjonene for maleri snus på hodet. Selv om han utviklet sin tilnærming uavhengig av andre, har Parrinos verk mye til felles med Supports/Surfaces-tankegangen: Begge løfter fram prosessen, materialiteten og det malte objektets autonomi. Praksisen hans er et kraftfullt sidestykke til, snarere enn en direkte videreføring av, bevegelsen, og viser hvordan den radikale nytenkningen rundt maleriets grenser har utspilt seg på begge sider av Atlanteren.
Sergej Jensen på PS1 MOMA, 2011. Installasjonsfoto.
Den samtidige dialogen: Sergej Jensen (f. 1973) og Wyatt Kahn (f. 1983).
I dag fortsetter kunstnere fra Berlin til New York å utvide denne tankegangen. Jensens «malerier uten maling» (sydd av lin og strie) gjenspeiler Patrick Saytours bruk av tekstiler fra hjemmet. Wyatt Kahn lager på sin side puslespillaktige sammenstillinger av ubehandlet lerret og formede rammer, som skaper et arkitektonisk svar på Daniel Dezeuzes tomme stiger. De kopierer ikke franskmennene; de snakker det samme materielle språket.
Wyatt Kahn - Untitled (Grayscale City-Paintings) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. Globale gjenklanger: Supports/Surfaces og Asia
Selv om Supports/Surfaces oppsto i Frankrike, finner den radikale nytenkningen av maleriets materialer og konvensjoner slående paralleller i asiatisk etterkrigskunst. Selv om det ikke finnes noen direkte asiatisk parallell eller formell forbindelse, har kunstnere og bevegelser som Dansaekhwa i Sør-Korea og Gutai i Japan uavhengig av hverandre utforsket mange av de samme problemstillingene som preger Supports/Surfaces.
Dansaekhwa-kunstnere som Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (f. 1935) og Lee Ufan (f. 1936) setter lerretets materialitet, den gjentatte bevegelsen og underlagets autonomi i forgrunnen. De prosessdrevne, meditative verkene deres innebærer ofte å manipulere, skrape eller veve lerretet, noe som gjenspeiler materialeksperimentene og dekonstrueringen som kjennetegner Supports/Surfaces.
«Lee Ufan and Claude Viallat , Encounter» på Pace London, 2023. Installasjonsfoto.
På samme måte Gutai-gruppen i Japan banet vei for en eksperimentell tilnærming til maleri på 1950- og 60-tallet, med ukonvensjonelle underlag, performative bevegelser og integrering av kroppen og tilfeldigheten i den kreative handlingen. Kunstnere som Kazuo Shiraga (1924–2008), med sine dynamiske, fotmalte lerreter, og Shozo Shimamoto (1928–2013), kjent for sine radikale materialeksperimenter og performative «flaskekastende» malerier, legemliggjør en materialitet og prosessorientering som ligger tett opp til Supports/Surfaces-ideologien. De utfordrer maleriets hierarki som illusjon og insisterer på kunstverkets objektkarakter og fysiske tilstedeværelse.
I dag anerkjennes disse slektskapene stadig oftere av kuratorer og kritikere, som stiller Supports/Surfaces, Dansaekhwa og Gutai sammen i utstillinger for å fremheve en bredere, global bevegelse mot materialitet, prosess og oppløsning av maleriets tradisjonelle grenser. Denne konvergensen understreker at jakten på materiell sannhet i kunsten ikke begrenses av geografi, men gir gjenklang på tvers av kontinenter og kulturer.
«Action» - Shozo Shimamoto og Kazuo Shiraga på Whitestone gallery, 2023. Installasjonsbilde
VIII. IdeelArts konstellasjon: materiell realisme i praksis
«Neo Supports/Surfaces»-bevegelsen er ikke bare en historisk fotnote; den er en levende frekvens som fortsatt vibrerer gjennom samtidens kunstpraksis. Hos IdeelArt er denne linjen forankret i de direkte arvtakerne vi allerede har omtalt, Frédéric Prat, med sin grundige renselse av «ikke-formen»; Jean-Daniel Salvat, som stiller spørsmål ved selve maleriets hud gjennom arbeidet sitt med vinyl; og Guillaume Moschini, hvis prosessuelle påføring av farge fjerner egoet for å avdekke underlagets vibrasjon.
Likevel strekker jakten på «materiell sannhet» seg utover disse direkte etterkommerne. Den kommer til syne i en mangfoldig samling internasjonale kunstnere som bevisst eller intuitivt har kommet til samme konklusjon: at et kunstverk først må være et objekt i den virkelige verden før det kan bli et bilde.
Jean Feinberg - «Minimal/Maximal»-utstilling i Ed Rothfarb studio, 2025 - Installasjonsbilde
Jean Feinberg (USA) legemliggjør bevegelsens insistering på «maleriet som objekt». Verkene hennes avviser det rektangulære vinduet i tradisjonelt maleri til fordel for «konstruksjoner» satt sammen av gjenbrukstre, lerret og maling. I likhet med Bernard Pagès' tidlige eksperimenter er Feinbergs verk ikke bilder av noe; de er selvstendige enheter som stikker ut i betrakterens rom. Ved å integrere funnet avfall og konstruksjonsvirke underbygger hun tesen om at objektets fysiske spenning er kunstens egentlige motiv.
Louise Blyton - «Mulooning» - Separatutstilling på Five Walls gallery, Melbourne, 2025 - Installasjonsbilde
Louise Blyton (Australia) går inn i en dyptgående dialog med «underlagets sannhet». I Claude Viallats åndelige frigjøring av lerretet løfter Blyton ubehandlet lin fra å være en passiv bakgrunn til å bli et aktivt, synlig materiale. Hennes reduktive teknikk - å vikle lin over formede balsaformer og påføre endeløse, egoløse pigmentlag - skaper verk som verken er maleri eller skulptur, men hybride objekter. De skjuler ikke hvordan de er laget; de feirer den vevde virkeligheten i overflaten.
Anthony Frost i atelieret sitt (2023)
Anthony Frost (UK) uttrykker bevegelsens avvisning av «skjønnkunst»-dyrkelse gjennom sin radikale bruk av beskjedne materialer. Akkurat som Noël Dolla tok i bruk kjøkkenkluter og tarlatan, lager Frost sine kraftfulle abstraksjoner av seilduk, fruktnett og strie. Dette er ikke nøytrale flater for illusjoner, men røffe, industrielle realiteter som hevder sin egen historie. Arbeidene hans viser at «Neo Supports/Surfaces»-ånden trives overalt der en kunstner setter materialets rå ærlighet foran representasjonens bedrag.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, Victoria & Albert Museum, 2025
Richard Caldicott (UK) anvender bevegelsens dekonstruerende logikk på fotografiet. Akkurat som Daniel Dezeuze reduserte maleriet til blindrammen for å avdekke skjelettet, reduserer Caldicott fotografiet til dets grunnleggende mekanismer: lys og papir. Gjennom fotogrammene og papirnegativene sine går han utenom kameraets dokumentariske funksjon for å skape bilder som er fysiske avtrykk av verden. Han avdekker fotografiets «ontologiske sannhet» og forvandler det fra et speil av virkeligheten til en generator for konkret form.
Vi mener at bevegelsen "Neo Supports/Surfaces" er langt større enn sitt franske opphav; den er et globalt søk etter materiell sannhet. Enten den kalles "Provisional Painting," "Casualism," "New Materialism," eller kommer til uttrykk i Dansaekhwa og Gutai, er kunstnere fra Brooklyn til Seoul aktivt engasjert i den samme søken.
Dette er ikke nostalgi, men en gyldig, universell metode for det 21. århundret. Det som begynte i atelierene i Nîmes, finner gjenklang i draperiene i Washington D.C., tekstilkunsten i Danmark, minimalismen i New York og de meditative lerretene i Asia.
Grunnleggerne brøt maleriet fra hverandre for å finne dets sannhet; den institusjonelle broen bevarte denne sannheten; og en global generasjon kunstnere bruker den til å bygge nye strukturer. De politiske pamflettene fra 1968 har kanskje falmet, men den estetiske oppdagelsen står fortsatt fast: maleriets gjenstand er maleriet selv.
Av Francis Berthomier
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". Hotel des Arts de Toulon. Des. 2025.
Denne artikkelen er inspirert av et nylig besøk på Viallat-utstillingen ved Hôtel des Arts i Toulon (Frankrike), der en samtale med Claude Viallat selv bekreftet at han fortsatt lager tre verk om dagen, et varig vitnesbyrd om hans vedvarende vitalitet og bevegelsens levende energi.
Utvalgt bilde: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" på Carré d'Art (Nîmes, Frankrike) 2018. Installasjonsfoto.
Verker av Ideelarts Neo-Supports/Surfaces-kunstnere
