Den Evige Forposten—6 Ekstraordinære Kvinne Abstrakte Kunstnere fra Latin-Amerika

Jeg snakker ofte om avantgarden i form av dens feil, det vil si at det er et tema jeg forankrer i fortiden, fullt av fortidige historier om eksperimentelle ting kunstnere en gang skrev, en gang laget, eller en gang prøvde. I dag håper jeg å rette oppmerksomheten mot seks kvinnelige latinamerikanske abstrakte kunstnere som jeg mener omdefinerer avantgarden, ikke som noe forankret i historien, men som noe evig friskt og udefinert. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo og Noemi Escandell har alle på et tidspunkt blitt hyllet som representanter for den estetiske forkanten i sin tid. Likevel motstår de alle å bli begravet under tidens gang, fordi relevansen av deres ideer strekker seg utover deres individuelle generasjoner. Deres verk forblir like friske og nysgjerrige i dag som noen gang. Jeg foreslår at dette ikke bare skyldes verket i seg selv, men også hvordan de nærmet seg sin praksis som kunstnere og lærere. De fleste avantgardekunstnere defineres av den enestående, forkantposisjonen de skaper for seg selv, en posisjon som kan forklares eller styrkes gjennom skrift, og deretter demonstreres gjennom et unikt visuelt språk, og så kanoniseres som en bevegelse. (Jeg tenker på Andy Warhol og Popkunst, Picasso og kubismen, Mondrian og neoplastisismen, osv.) De seks kvinnelige latinamerikanske abstrakte kunstnerne jeg skriver om i dag unngår denne skjebnen fordi deres strategier for estetisk framstilling ikke er faste, verken i tid (et kulturelt øyeblikk) eller i teori. I stedet for å fremheve et bestemt sett ideer, utforsker deres arbeid det som kanskje aldri kan forstås, for ikke å si sies: det ukjente. Deres flytende, udefinerbare verk oppmuntrer betraktere til å undersøke mørket, i stedet for å trekke oppmerksomhet til det som har blitt brakt frem i lyset.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasil)

Lygia Clark kalte seg selv en «forslår». Hun oppfattet sin kunst som løsrevet fra historien, knyttet i stedet til det evig skiftende nåtidsøyeblikket. Hennes arbeid har ingen forhåndsbestemt mening eller formål annet enn det som tillegges av den enkelte betrakter som samhandler med det på en personlig måte. Hun frigjorde seg fra kunsthistorien, og sikret sin plass i den evige forkanten, da hun sa: «Objektet er ikke lenger der for å uttrykke noe som helst begrep, men for at tilskueren skal kunne nå, dypere, sitt eget selv.»

Gego (1912 - 1994, Tyskland/Venezuela)

Født og utdannet i Tyskland, Gertrude Goldschmidt, også kjent som Gego, flyktet til Caracas, Venezuela, i 1939, ved starten av andre verdenskrig. Det var der i Sør-Amerika at hun oppdaget sin skjebne som kunstner. Selv om hun også malte, tegnet og skulpturerte, er Gego mest kjent for sine nettaktige installasjoner, som viser nettverk av punkter og linjer som smelter sammen til geometriske universer av tenkte flater. Mange forfattere sier at hennes arbeid handler om linje, men for meg handler det mer om søken etter stadig å uttrykke kumulativ handling. Mengdene av punkter og linjer i hennes verk er projeksjoner ut i rommet, og inn i tiden, som trekker betraktere uendelig inn i det ukjente.

Carmen Herrera (f. 1915, Cuba)

Carmen Herrera solgte sitt første maleri som 89-åring. Som 100-åring hadde hun sin første museumsretrospektiv på Whitney Museum of American Art i New York. Mange kritikere, kuratorer og forhandlere har siden forsøkt å klassifisere henne innen ulike kunsthistoriske bevegelser, som minimalisme, geometrisk abstraksjon og konkret kunst. Det som likevel gjør at Herrera motstår, og faktisk overskrider, disse merkelappene, er hennes totale hengivenhet til personlig visjon. Hun spøkte en gang med at hun ikke ville tillate en Picasso-bok i huset sitt, fordi å se på Picasso er å ønske å kopiere ham. Hennes eneste mål, sier hun, er å følge sitt eget ønske om forenkling, eller det hun kaller «en prosess med å ta bort det som ikke er essensielt.» Spenningen i hennes arbeid kommer ofte fra det glimt inn i det rommet hvor vi konfronterer ikke det som er der, men det som mangler.

Rondo (Blå og gul), 1965 Akryl på lerret av Carmen Herrera, amerikansk, født i Havana, Cuba, 1915. Kilde: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (f. 1926, Cuba)

Født på Cuba, har Zilia Sanchez bodd og arbeidet i Puerto Rico siden 1970-tallet. Hennes formede lerreter buler ut fra veggen, som om gjenstander—eller krefter—forsøker å bryte gjennom bakfra. Denne poetiske gesten fremhever mysterium, og antyder følelsen av at det som er synlig og tilsynelatende så avgjørende i nåtidsøyeblikket samtidig blir forandret rett foran øynene våre. Dette verket er en ikonisk framstilling av den evige forkanten, da det understreker at alt stadig blir omformet av det som ellers er i ferd med å tre frem.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Mange kunstnere snakker om sitt arbeid som undersøkelser. Mercedes Pardo skilte seg ut ikke ved å søke, men ved å skape personlige møter for sine betraktere. Kjent for en rekke geometriske og biomorfe abstrakte malerier hun arbeidet med i flere tiår gjennom sin karriere, arbeidet hun faktisk i en rekke ulike medier, inkludert kostymedesign, bokillustrasjon, kollasj og storskala offentlig kunst. Pardo anså personlige møter med kunst som det motsatte av—eller kanskje motgiften mot—forbrukerkultur. Hun unngikk pålegg av mønstre, og satte i stedet unike betrakteropplevelser med renset materiale i sentrum.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Elsket av sine elever og andre kunstnere, og fryktet av politiske autoriteter, trodde Noemi Escandell sterkt på at politiske og kunstneriske gester er ett og det samme. Hun er nå kjent etter sin død for de abstrakte, romlige skulpturene og tegningene hun begynte å lage på 1960-tallet, som visuelt knytter seg til minimalismen. Escandell omfavnet imidlertid en utrolig variasjon av visuelle strategier gjennom sin karriere for å uttrykke sin sentrale idé, som var frihet. Kanskje hennes mest kraftfulle oppfinnelse var det hun kalte «hånd til hånd»—kunstverk som må sendes rundt mellom betraktere på en utstilling før de henges opp på veggen. Hennes arbeid var basert på det ukjentes skjønnhet, og det lovpriste den nære forbindelsen som må finnes mellom mennesker og kunst for at noen av dem skal nå sitt fulle potensial.

Utvalgt bilde: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 86 x 66 x 36 cm. Bergamin & Gomide, São Paulo
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio