De menneskelige skulpturene til Jonathan Borofsky
Da han begynte sin kunstkarriere på 1960-tallet, ønsket Jonathan Borofsky å finne en måte å forene minimalisme med popkunst på; å smelte sammen i hovedsak abstrakte begreper som renhet og enkelhet med et visuelt språk som kunne ha bred appell. Gjennom årene beveget Borofsky seg gjennom mange forskjellige verkserier i jakten på dette unnvikende målet. En idé han fulgte opp handlet om tall, som han mener har en slags kvasi-åndelig kraft: de knytter mennesker, steder og ting sammen på konkrete måter og bestemmer alle aspekter av både den fysiske og metafysiske verden. I flere år skrev Borofsky ned sin økende telling hver dag og laget flere kunstverk som enkelt oppga hvilket tall han var på i et gitt øyeblikk. Han signerte andre kunstverk som ellers virket uten sammenheng med tall, ikke med sin signatur, men med sin numeriske telling fra dagen verket ble ferdigstilt. I tillegg til sin tallserie skapte Borofsky en verkserie basert på enkle, tekstbaserte erklæringer på todimensjonale flater, som skilt. En annen serie gjenskapte bilder og gjenstander som Borofsky så i drømmene sine. Hver av disse eksperimentene berørte på ulike måter begreper om abstraksjon og figurativitet. Hver på sin måte var både høyst konseptuell og helt bokstavelig. Likevel oppnådde ingen virkelig det han lengtet etter – en legemliggjøring av minimalisme og popkunst som kunne forstås umiddelbart. Borofsky nådde endelig sitt mål ved å fokusere på det som kanskje er det mest beskjedne motivet man kan tenke seg: menneskekroppen. Fra små skulpturer for gallerier, til komplekse installasjoner med hundrevis av menneskefigurer, og til slutt utvidet til det offentlige rom, har Borofsky skapt et omfattende verk av menneskeskulpturer. Mange av betrakterne som møter disse skulpturene leser dem som enkle figurative verk, og likevel, i oppfyllelsen av hans ambisjon, finner mange andre også i dem egenskaper som avslører de rike og komplekse mysteriene i den usette verden.
Materiale og billedlig kjerne
En av de mest åpenbare måtene Borofsky forente metodene til minimalisme med popkunstens, er ved å gi sine menneskeskulpturer en konsis materiell kjerne. Materialer og prosesser er nøkkelkomponenter i minimalismens ånd. Kunstnere som Donald Judd verdsatte industrielle materialer som metall, plast og betong for deres upersonlige egenskaper, som i sin natur avviste virtuositet ved å skjule «kunstnerens hånd». Industrielle prosesser foretrekkes også av minimalistiske kunstnere fordi de demokratiserer kunsten. I stedet for at et kunstverk blir tilbedt på grunn av sin sjeldenhet, kan det verdsettes for at det kan gjenskapes i det uendelige – en sann gjenspeiling av den moderne tid. Sammen med avvisningen av virtuositet og sjeldenhet, fremmer minimalismen også enkelhet, og søker å oppnå renhet gjennom å fjerne overflødige detaljer. Selv om hans menneskeskulpturer har et bredt spekter av fysiske og visuelle egenskaper, tar Borofsky alltid vare på å velge industrielle materialer og prosesser og å forenkle formene sine, slik at verkene uttrykker disse tre minimalistiske idealene: demokrati, overflod og renhet.
Jonathan Borofsky - Gående Mann, 17 meter høy, stålkjerne med ytre skall av glassfiber. Permanent installasjon, Munich Re-bygget, München, Tyskland, 1995. © Jonathan Borofsky
En vesentlig forskjell mellom popkunst og minimalisme er at minimalistiske kunstnere nesten utelukkende lager ikke-fortellende, ikke-figurative verk, mens popkunstnere gjør det motsatte, og dristig henter fortellende, figurativt innhold direkte fra populærkulturen. På det mest generelle plan kan menneskefiguren betraktes som det ultimate eksempelet på lånt kulturelt motiv. Men Borofsky stopper ikke der. For sine menneskeskulpturer søker han ut bestemte uttrykk av menneskefiguren som knytter seg til populærkulturen på andre måter, og tilfører lag til verkene som ikke bare handler om menneskeheten generelt, men om spesifikke menneskelige øyeblikk. Ofte avslører de mest fortellende elementene i verkene de mest skjulte, og noen ganger mest kyniske sider ved menneskets natur. For eksempel refererer en menneskeskulptur han en gang satte opp i Los Angeles til idrettsutøvere som omfavner hverandre etter en kamp. Som en del av serien «Molecule Men» har skulpturen hundrevis av hull gjennom formene. En kritiker tolket den grovt som et monument over skytinger fra bil, og så hullene som kulehull og antok at det mørkede metallet var en kommentar til rase.
Jonathan Borofsky - Mennesketårn. 20 meter høyt, malt stål. Permanent installasjon, Olympiaparken, Beijing, Kina, 2008. © Jonathan Borofsky
Alt handler om forhold
På noen måter kan det sies at Borofsky med sine menneskeskulpturer etterligner, eller i det minste streber etter å etterligne, hele spekteret av menneskelig potensial. Selv når han fremhever én bestemt menneskelig handling, som med sine «Hammering Man»-skulpturer som viser en person i den daglige handlingen av manuelt arbeid, klarer han å fremkalle begge ytterpunktene i menneskets kultur. I materiell forstand er «Hammering Man» svært nøktern. I forhold til skala og mulige politiske konsekvenser kan den imidlertid være prangende. Ved å presentere kombinasjonen av begge ytterpunktene innenfor menneskefigurens ramme, inviterer Borofsky betrakterne til å spekulere ikke bare på hva skulpturen er, men hva den er for dem. Denne brede samfunnskommentaren gjenspeiler ordene til Walt Whitman: «Jeg rommer mangfold.»
Jonathan Borofsky - Hammering Man, Seattle Art Museum. © Jonathan Borofsky
Det mest fascinerende er hvordan de elementene som er mest abstrakte i menneskeskulpturene ofte ender opp med å ha størst innvirkning på den offentlige fortellingen som utvikler seg rundt verket. I tilfellet med den tidligere nevnte skulpturen i Los Angeles ble farge og form – to av de mest abstrakte elementene i stykket – viktigere enn den egentlige historien bak verket. Samtidig har andre verk, som de i serien «People Walking to the Sky», massive sølvfargede diagonale stolper med små menneskefigurer som går oppover på dem. Det fortellende motivet er lett å kjenne seg igjen i, men det som gir verket kraft og tilstedeværelse, er dets sterke linjære egenskaper og metalliske overflate. Disse aspektene definerer verkets forhold til den omkringliggende arkitekturen. De definerer også forholdet til betrakterne, når vi innser at det vi egentlig ser på, er et speilbilde av oss selv. Det er vi som går over et underlag som lett kan beskrives, mens vi marsjerer lykkelig inn i det ukjente.
Utvalgt bilde: Jonathan Borofsky - Menneskelige strukturer og bevissthetens lys. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30. januar - 10. mai 2009. © Jonathan Borofsky
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
