Betydningen av Adolph Gottliebs Burst-serie

Adolph Gottlieb sa en gang: “Kunstnerens rolle har selvfølgelig alltid vært å være bildeprodusent. Ulike tider krever ulike bilder.” Gottlieb var vitne til flere distinkt forskjellige tider, og han endret tre ganger betydelig sin metode for å svare på kulturens utvikling. Hans verk nådde sitt høydepunkt med hans Burst-malerier, en serie han begynte i 1957 og fortsatte å utvide til sin død i 1974. Det visuelle språket i Bursts er enkelt og direkte—lerretet er delt inn i to soner: topp og bunn. Topp-sonen er bebodd av en eller flere sirkulære former i et begrenset fargespekter; bunn-sonen er bebodd av et frenetisk, gestikulerende utbrudd av kakofonisk, virvlende energi, vanligvis malt i svart. For Gottlieb betydde Burst-maleriene den ultimate uttrykkelsen av hans store idé: at det finnes samtidig eksisterende polariteter i universet, som mørke og lys. Konvensjonell visdom har en tendens til å beskrive slike krefter som om de er dikotomiske—som om lys er fundamentalt motsatt av mørke. Gottlieb forsto at lys og mørke er punkter på et spektrum, og laget av det samme stoffet fordelt i ulik grad. Han anså polariteter som så like at den ene kan bli den andre med bare den minste dytt fra maktene som er, og de to sonene i hans Burst-malerier fungerer på en lignende måte. De sirkulære formene ser ut til å ha det sammen, svevende selvsikkert over det som ser ut til å være en kamp. Men begge er en del av det samme bildet, og ingen av dem er i en fast tilstand av å være. Det som er oppe kan komme ned, og det som ser ut til å være kaotisk, under de rette omstendighetene, kan samle seg og bli ett.

Majoren brister

Eksempler på Burst-malerier pryder noen av de mest ærverdige kunstsamlingene i verden. Den massive "Blast I" (1957), som måler 228,7 x 114,4 cm, henger på MoMA i New York. På den svever en gigantisk rød kule stoisk over en like truende haug av svarte, gesturalte merker. Dette ikoniske bildet startet serien, og en poetisk ladet revisjon av dens ikonografi dukket opp igjen i 1973, bare ett år før Gottlieb døde. I "Burst" (1973), et av de siste maleriene kunstneren laget før han døde, har den røde kulen myknet og begynt å oppløses, og sender rosa solstråler ut i eteren. I mellomtiden har den kaotiske haugen av gesturalte merker brutt sammen til en slags familie av former, som synker under horisontlinjen, tilsynelatende utsendende tentakler og frø ut i rommet.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olje på lerret. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fond. © Adolph og Esther Gottlieb Foundation/Licensed by VAGA, New York, NY. MoMA Samling.

Blant andre kjente Burst-malerier er "Blues" (1962), nå i samlingen til Smithsonian American Art Museum. Dens blå og svarte palett er dyster og rolig, mørket leses som en formørkelse, eller et solarisert etterbilde. "Trinity" (1962), en annen monumental Burst, henger i den permanente samlingen til Crystal Bridges Museum of American Art. Dette 203,2 x 469,9 cm lerretet utvider det visuelle feltet horisontalt. Tre solide kuler—en blå, en rød, og en svart—flyter i rommet over en elegant samling av kalligrafiske penselstrøk. Strøkene ser ut til å kaste en grå skygge mens en mild gul kule svever i mellomgrunnen mellom de øvre og nedre sonene. Variasjonsområdet eksemplifisert av "Blues" og "Trinity" demonstrerer den enorme variasjonen Gottlieb utforsket i sitt relativt enkle tema, og gir hvert verk i Burst-serien en idiosynkratisk følelse av mening som er helt egen.

Adolph Gottlieb-Ikon, 1964. Olje på lerret. 144 x 100". ©Adolph og Esther Gottlieb Foundation.

Forbereder på å sprekke

Selv om han begynte å male på 1920-tallet, begynte reisen Gottlieb tok for å nå den enkle genialiteten i hans Burst-malerier på 1930-tallet. Det var da han tok til seg den surrealistiske omfavnelsen av det underbevisste. Han kom til erkjennelsen av at de mest essensielle estetiske uttrykkene er tidløse fordi de relaterer seg til grunnleggende eksistensielle realiteter som makt, frykt, fødsel og død: stoffet i mytene. Hans forskning på denne tankegangen førte ham til å utvikle sin første store serie malerier, som han kalte Pictographs. Basert på et symbolsk, intuitivt språk av abstrakte former, var hans Pictographs strukturert innenfor rutenett—et forsøk på å formidle compartmentaliserte uttrykk for virkeligheten. Selv om de ofte ble ansett som abstrakte, beskrev Gottlieb sine Pictographs som realistiske siden de uttrykte den sanne, engstelige, mystiske menneskelige tilstanden. Han malte dem frem til 1951, da han bestemte seg for at tidene krevde noe nytt. I søken etter en forenklet metode, forlot han rutenettet og delte lerretet i to—en topp og en bunn med en horisontlinje mellom dem. Han kalte denne nye serien Imaginary Landscapes, fordi de formidlet det indre landskapet av eksistens, inkludert emosjonelle, intellektuelle, intuitive og underbevisste tilstander av å være.

Adolph Gottlieb - Mann som ser på kvinne, 1949. Olje på lerret. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Gave fra kunstneren. © Adolph og Esther Gottlieb Foundation/Licensed by VAGA, New York, NY. MoMA-samlingen.

Burst-serien utviklet seg fra de Imaginære Landskapene, og de representerer destilleringen av den samme ideen. Gottlieb forenklet hva som skjedde i de øvre og nedre delene av de Imaginære Landskapene, og sluttet å stole på en faktisk horisontlinje for å dele lerretet i to deler. Men Burst-maleri representerer også en form for tillegg—tillegget av rom. Sett på den enkleste måten, innså Gottlieb at når horisontlinjen ble fjernet, var det eneste mellom de øvre og nedre formene på lerretet rom, og jo større lerretet var, jo mer spredte de episke formene seg, og jo mer rom så det ut til å være. Men han tenkte ikke på rom bare i form av avstand som kan måles. Det hadde mer å gjøre med helheten av den visuelle og emosjonelle verdenen i maleriet. Formene bebor det samme rommet, og likevel okkuperer de distinkte territorier innenfor rommet. Deres fargeområde er distinkt; deres formelle rom er distinkt; deres lineære rom er unikt; og deres intellektuelle rom er unikt. Til syvende og sist er dette begrepet rom som var avgjørende for hvordan Gottlieb oppfattet sine Burst-malerier, fordi han forsto det som et hevet uttrykk for totaliteten av eksistensen, og myten om dens tilsynelatende individuelle deler.

Fremhevet bilde: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olje på lerret. 80 x 185". ©Adolph og Esther Gottlieb Foundation.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio