Betydningen av Adolph Gottliebs Burst-serie

Adolph Gottlieb sa en gang: «Kunstnerens rolle har selvsagt alltid vært som billedskaper. Ulike tider krever ulike bilder.» Gottlieb opplevde flere klart forskjellige tider, og endret sin metode betydelig tre ganger for å svare på kulturens utvikling. Hans verk nådde sitt høydepunkt med hans Burst-malerier, en serie han begynte på i 1957 og fortsatte å utvide frem til sin død i 1974. Det visuelle språket i Burst-maleriene er enkelt og direkte—lerretet er delt i to soner: topp og bunn. Den øvre sonen befolkes av en eller flere sirkulære former i et begrenset fargespekter; den nedre sonen befolkes av et hektisk, gestuelt utbrudd av kakofonisk, virvlende energi, vanligvis malt i svart. For Gottlieb betydde Burst-maleriene det ultimate uttrykket for hans store idé: at det samtidig eksisterer polariteter i universet, som mørke og lys. Tradisjonell visdom beskriver slike krefter som om de er todelte—som om lys er fundamentalt motsatt av mørke. Gottlieb forsto at lys og mørke er punkter på et spekter, og laget av samme stoff, bare fordelt i ulik mengde. Han anså polariteter som så like at den ene kan bli den andre med bare et lite dytt fra de styrende krefter, og de to sonene i hans Burst-malerier fungerer på lignende måte. De sirkulære formene ser ut til å ha kontroll, svevende selvsikkert over det som ser ut som et kaos. Men begge er del av samme bilde, og ingen av dem er i en fast tilstand. Det som er oppe kan komme ned, og det som virker kaotisk, kan under riktige omstendigheter samles og bli ett.

De store Burst-maleriene

Eksempler på Burst-malerier pryder noen av verdens mest ærede kunstsamlinger. Det massive «Blast I» (1957), som måler 228,7 x 114,4 cm, henger på MoMA i New York. På det svever en enorm rød kule stoisk over en like truende klynge av svarte, gestuelle merker. Dette ikoniske bildet startet serien, og en poetisk ladet gjentakelse av dens ikonografi dukket opp igjen i 1973, bare ett år før Gottlieb døde. I «Burst» (1973), et av de siste maleriene kunstneren laget før han døde, har den røde kulen myknet og begynt å gå i oppløsning, og sender rosa solstråler ut i eteren. Samtidig har den kaotiske klyngen av gestuelle merker brutt opp i en slags familie av former, som synker under horisontlinjen og tilsynelatende sender ut tråder og frø ut i rommet.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Oljemaleri på lerret. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson-fondet. © Adolph og Esther Gottlieb-stiftelsen/Lisensiert av VAGA, New York, NY. MoMA-samlingen.

Blant andre kjente Burst-malerier er «Blues» (1962), nå i samlingen til Smithsonian American Art Museum. Dets blå og svarte palett er dyster og rolig, mørket leses som en formørkelse, eller et solarisert etterbilde. «Trinity» (1962), et annet monumentalt Burst, henger i den faste samlingen ved Crystal Bridges Museum of American Art. Dette 203,2 x 469,9 cm store lerretet utvider det visuelle feltet horisontalt. Tre solide kuler—en blå, en rød og en svart—flyter i rommet over en elegant samling kalligrafiske penselstrøk. Strøkene ser ut til å kaste en grå skygge mens en mild gul kule svever i mellomsonen mellom øvre og nedre del. Variasjonsbredden som «Blues» og «Trinity» viser, demonstrerer den enorme variasjonen Gottlieb utforsket i sitt relativt enkle tema, og gir hvert verk i Burst-serien en særegen mening helt for seg selv.

Adolph Gottlieb-Icon, 1964. Oljemaleri på lerret. 144 x 100". ©Adolph og Esther Gottlieb-stiftelsen.

Forberedelse til utbrudd

Selv om han begynte å male på 1920-tallet, startet reisen Gottlieb tok for å nå den enkle genialiteten i sine Burst-malerier på 1930-tallet. Det var da han tok til seg surrealistenes omfavnelse av det underbevisste. Han innså at de mest essensielle estetiske uttrykk er tidløse fordi de relaterer til grunnleggende eksistensielle realiteter som makt, frykt, fødsel og død: stoffet i myter. Hans forskning i denne tankegangen førte ham til å utvikle sin første store serie malerier, som han kalte Piktogrammer. Basert på et symbolsk, intuitivt språk av abstrakte former, var hans Piktogrammer strukturert innenfor rutenett—et forsøk på å formidle oppdelte uttrykk for virkeligheten. Selv om de ofte regnes som abstrakte, beskrev Gottlieb sine Piktogrammer som realistiske siden de uttrykte den sanne, engstelige, mystiske menneskelige tilstand. Han malte dem til 1951, da han bestemte at tiden krevde noe nytt. På jakt etter en forenklet metode, forkastet han rutenettet og delte lerretet i to—en topp og en bunn med en horisontlinje mellom. Han kalte denne nye serien Imaginary Landscapes, fordi de formidlet det indre landskapet av tilværelsen, inkludert følelsesmessige, intellektuelle, intuitive og underbevisste tilstander.

Adolph Gottlieb - Mann som ser på kvinne, 1949. Oljemaleri på lerret. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Gave fra kunstneren. © Adolph og Esther Gottlieb-stiftelsen/Lisensiert av VAGA, New York, NY. MoMA-samlingen.

Burst-serien utviklet seg ut av Imaginary Landscapes, og representerer destilleringen av samme idé. Gottlieb forenklet det som skjedde i de øvre og nedre delene av Imaginary Landscapes, og sluttet å bruke en faktisk horisontlinje for å dele lerretet i to deler. Men Burst-maleriene representerer også en slags tillegg—tillegget av rom. Enkelt sagt innså Gottlieb at når horisontlinjen ble fjernet, var det eneste mellom de øvre og nedre formene på lerretet rom, og jo større lerretet var, desto mer spredte og episke ble formene, og desto mer rom syntes det å være. Men han tenkte ikke på rom bare som avstand som kan måles. Det hadde mer å gjøre med helheten av det visuelle og følelsesmessige universet i maleriet. Formene bebor samme rom, men opptar likevel særskilte områder innenfor rommet. Deres fargerom er distinkt; deres formrom er distinkt; deres linjerom er unikt; og deres intellektuelle rom er unikt. Til syvende og sist er dette rombegrepet som var avgjørende for hvordan Gottlieb oppfattet sine Burst-malerier, fordi han forsto det som et hevet uttrykk for helheten av tilværelsen, og myten om dens tilsynelatende individuelle deler.

Fremhevet bilde: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Oljemaleri på lerret. 80 x 185". ©Adolph og Esther Gottlieb-stiftelsen.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio