Lettheten og Gjennomsiktigheten til Gina Werfel

I et intervju i Huffington Post i 2013 ble Gina Werfel og hennes ektemann Hearne Pardee, begge livslange malere og mangeårige lærere ved UC Davis, spurt om hvor deres praksiser krysset hverandre og hvor de skilte lag. Svaret Werfel ga var opplysende. Det kokte ned til ideen om at hun er interessert i ting som er organiske, mens Pardee er interessert i ting som er arkitektoniske. Men det som var enda mer avslørende enn det hun sa, var måten hun sa det på. Hun forklarte at både hun og Pardee «ble utdannet i arven etter Hofmanns undervisning om “push-pull” plan i rommet», men at Pardee også var påvirket av «Sewell Sillman, en elev av Albers.» Selv om det for noen kan høres ut som noen bare nevner navn for moro skyld, erklærte Werfel faktisk at hun tror på konseptet kunstnerisk tradisjon. Ved å plassere både seg selv og sin ektemann i tradisjonen etter Hans Hofmann, formidlet hun at begge er abstrakte malere som begynner med observasjoner av virkeligheten. Men ved å plassere Pardee i slektskapet til Josef Albers, en kunstner kjent for geografisk, repeterende, prosessbasert, høyt strukturert, hardkantet abstraksjon, sa hun at det finnes flere forskjellige, utfyllende veier en kunstner kan ta innenfor Hofmann-universet av abstrakt maleri. Albers-tradisjonen, som hennes ektemann tilhører, er en konkret formalisme. Samtidig er tradisjonen hun tilhører lyrisk, åpen, instinktiv, kroppslig – eller som hun uttrykte det, «nesten fullstendig kaos.» Ved å definere seg selv som en kunstner som tror på tradisjon og slektskap, tok Werfel et standpunkt. Hun avviste den kyniske samtidens iver etter å bryte ned og gjenoppfinne, og omfavnet i stedet at det finnes noe tidløst og verdifullt ved de eldgamle slektslinjene kunstnere tilhører. Dette perspektivet gjenspeiles i hennes nyeste verk, som inkorporerer nye (for henne) medier og metoder, og strekker røttene til hennes estetiske tradisjon mer enn 400 år tilbake.

Å skape rom

Nye malerier av Gina Werfel ble nylig vist ved The American University i Paris i en utstilling med tittelen Recollections. Noen av ordene som raskt faller en inn for å beskrive tilstedeværelsen i disse siste verkene, er enormhet, storhet og romslighet. Sammenlignet med hennes tidligere verkserier utvider disse bildene seg i alle mulige retninger. Det illusoriske rommet i bildene synes å strekke seg uendelig bakover, og synes også å projisere fremover. Mangfoldet av lag og merker bytter påvirkning, trekker oss inn og rundt bildet, og tvinger oss til å se lenger og stirre dypere, men ikke på noen bestemt form, farge eller område. Den beste måten å beskrive fenomenet på er å si at Werfel på en eller annen måte har funnet en måte å skape mer rom på. Hun har gjort bildene sine mindre flate; åpnet dem opp; blåst dem ut. Det er som om et stort smell har skjedd, og nå strekker hennes visuelle univers seg ut i panoramisk, flerfarget uendelighet.

Effekten, forklarer hun, har sine røtter ikke i modernismen, men i barokken. Werfel hadde nylig muligheten til å være gjestekunstner ved American Academy i Roma. Det var hennes tredje stipend eller opphold i Italia, men noe unikt skjedde under dette besøket. Hun la spesielt merke til det hun kaller «romlig kompleksitet i barokke takmalerier.» Et raskt Google-søk på uttrykket barokke takmalerier viser akkurat hva hun mener. Formene, fargene, linjene og figurene i disse ekstraordinære verkene har all glansen og prakten til et Hubble-teleskopbilde av en supernova. Werfel innså at det som gjør disse maleriene til så kraftige hallusinasjoner av himmelen, ikke er motivet, men deres formale estetiske kvaliteter. Måten farger, strukturer og former fyller overflaten og samspiller med hverandre – det er nøkkelen til å skape rom.

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (venstre) og Dragon Dance, 2017 (høyre)

Å skape lys

I tillegg til den romlige kompleksiteten som Werfel har tilført sine nye malerier, har verkene også en ny, økt følelse av letthet og gjennomsiktighet. Werfel skapte denne kvaliteten ved å introdusere to nye medier og metoder i sin prosess: collage og spraymalte sjablonger. Collage lar henne dekke over elementer på en måte som tilfører fysisk dimensjon, en handling som endrer hvordan lyset samspiller med overflaten på verket. De spraymalte sjablongene skaper en uhyggelig eteriskhet: de formidler gjenkjennelige mønstre og former, men de spøkelsesaktige overflateegenskapene til spraymaling lar bakgrunnsbildet trenge gjennom fargepartiklene. Disse metodene forvirrer øyet akkurat nok til å fjerne enhver følelse av at en del av bildet dominerer. Det finnes dybde og perspektiv, eller «push pull» som Hofmann ville sagt, men det er umulig å vite hva som er foran og hva som er bak.

Denne superladede lettheten og gjennomsiktigheten som Werfel har introdusert i sine nye malerier, kombineres med hennes økte romfølelse og gir verkene en symfonisk følelse av åpenhet. Bildene braker løs og klinger. De gjaller utover sine egne grenser. De er musikalske verk, noe som ikke bare betyr at de formidler en følelse av drama eller bevegelse, men også at de har en unik tone. De skaper sin egen atmosfære, en som har en viss klarhet, bortsett fra at meningen og potensialet forblir åpent. Dette er det modne arbeidet til en som arbeider i tradisjonen som strekker seg tilbake til kunstnere som Helen Frankenthaler, Joan Miró og Wassily Kandinsky. Men som Werfel nå også har lært oss, er det en tradisjon som strekker seg mye lenger tilbake, minst til barokkens mestre, og uten tvil enda lenger, til de eldste opprinnelsene av lyrikk og kunstnerisk intuisjon.

Gina Werfel - Island, 2017 (venstre) og Orange Explosion, 2017 (høyre)

Utvalgt bilde: Gina Werfel - Borders, 2017, akryl på lerret, 40 x 34 tommer.

Alle bilder © Gina Werfel

Av Phillip Barcio