Betydningen av tekstur i abstrakt kunst
Generelt sett finnes det to kategorier av tekstur i kunst, akkurat som i livet: grov og glatt. Begge kan være harde eller myke, våte eller tørre, organiske eller syntetiske, osv. Og uendelige grader av grovhet og glatthet er mulige. Men én viktig forskjell skiller funksjonen tekstur har i livet fra funksjonen tekstur har i kunsten. I livet kan tekstur være et spørsmål om overlevelse. Vår oppfatning av om noe er glatt, slimete, skjellaktig eller lodden kan bety forskjellen mellom liv og død. Tekstur i kunsten er mindre alvorlig. De fleste kunstverk er ikke engang ment å berøres. Og selv når et kunstverk kan berøres, relaterer teksturen seg mer til vår estetiske opplevelse enn til vår fortsatte eksistens. Likevel er tekstur en viktig del av vår samhandling med kunst. Det er ett av de syv formelle kunstneriske elementene, sammen med linje, farge, form, volum, verdi og rom. Det kan påvirke stemning, fremkalle psykologiske assosiasjoner, trekke oppmerksomhet til et medium, eller lede vårt fokus mot materialene som er brukt i et verk. Brukt dyktig kan tekstur til og med utfordre vår oppfatning av hva som er virkelig.
Drama og lys
En av de tidligste måtene abstrakte malere eksperimenterte med tekstur på, er gjennom en teknikk kalt impasto. Når vi sier at et maleri er impasto, mener vi at maleren har påført malingen i tykke lag på overflaten. Et impasto-verk regnes som malerisk, siden det fremhever de fysiske merkene maleren har laget. Post-impresjonistiske malere som Van Gogh brukte impasto for å skape drama og for å påvirke hvordan lyset spilte på overflaten av bildene deres, siden impasto-lag skaper skygger og høylys. Abstrakte ekspresjonistiske malere som Jackson Pollock bruker tykke lag med maling for å trekke oppmerksomhet til selve malingsakten og for å avsløre kunstnerens personlighet og individuelle teknikk.
Det motsatte av impasto-tekstur er flathet. Kunstnere som Helen Frankenthaler og Kenneth Noland farget sine lerreter ved å helle tynnet maling direkte på ugrunnede lerreter for å smelte overflaten sammen med malingen. Deres flate teksturer ledet oppmerksomheten bort fra kunstnerens fysiske bevegelser og oppmuntret til ettertanke rundt andre elementer som farge, overflate og rom. Tidlige abstrakte kunstnere som Kazimir Malevich malte også flate, ikke-maleriske bilder. Interessant nok har mange av de ikoniske flate maleriene Malevich malte, som Black Square, med tiden fått teksturer som er ganske annerledes enn det kunstneren hadde til hensikt. Det er fascinerende å tenke på om meningen betrakterne oppfatter i slike verk har blitt endret av teksturendringen.
Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oljemaling på lin. 79,5 x 79,5 cm. Tretyakov-galleriet, Moskva
Fysisk vs. visuell tekstur
Tekstur i kunst kan oppfattes på minst to måter: gjennom berøring (fysisk tekstur) og gjennom syn (visuell tekstur). Fysisk tekstur gir et kunstverk en følelse av å være et konkret objekt. Det knytter det til den håndfaste, fysiske verden. Den italienske kunstneren Alberto Burri brukte funnede materialer for å skape fysiske teksturer i sine verk som kunne fremkalle grunnleggende følelsesmessige reaksjoner hos betrakterne. Koreanske Dansaekhwa-kunstnere og kunstnere tilknyttet den japanske avantgarden Gutai-gruppen la også vekt på materialitet, og trodde, som det står i Gutai-manifestet, «at ved å forene menneskelige egenskaper og materialegenskaper, kan vi konkret forstå abstrakt rom.»
Andre kunstnere er mer opptatt av mulighetene i visuell tekstur. Maleriene til den britiske Op Art-maleren Bridget Riley er helt flate, men lurer øyet til å oppfatte teksturerte bølger og tredimensjonale lag. Abstrakte fotografer leker også med visuell tekstur. Den kanadiskfødte abstrakte fotografen Jessica Eaton bygger tredimensjonale objekter og fotograferer dem med flere filtre. Hennes flate trykk ser ut til å være uten tekstur, men ved nærmere øyesyn kommer de fysiske teksturene i objektene hun har laget frem, noe som forvirrer øyet om det oppfatter teksturer som er ekte eller innbilte.
Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmenttrykk. © Jessica Eaton (venstre) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsjon på plate. © Bridget Riley (høyre)
Tekstur i abstrakt skulptur
Abstrakte kunstnere som arbeider i tredimensjonalt rom, har flere muligheter til å arbeide med elementet tekstur fordi verkene deres oftere er ment å berøres. Jesús Rafael Soto lager store, tredimensjonale skulpturer kalt Penetrables, som betrakterne går gjennom, og lar den glatte, syntetiske teksturen i trådene omslutte dem som en del av deres estetiske opplevelse. Og kunstnere som Henry Moore, som laget mange offentlige, utendørs skulpturer, har muligheten til å vise hvordan tid, menneskehender og naturkrefter forandrer et kunstverks grunnleggende karakter over tid.
Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetisk skulptur. © Jesús Rafael Soto
Tekstur er av avgjørende betydning for vår forståelse av abstrakt kunst. Hva ville Specific Objects laget av Donald Judd bety for oss uten deres glatte, høyglansede, industrielle tekstur, som var en integrert del av deres status som minimalistiske, moderne verk? Og hvordan ville det beryktede Object, et kaffestel dekket med pels av den tyskfødte sveitsiske kunstneren Meret Oppenheim, ha blitt et ikon for surrealisme uten sin uhyggelige tekstur? Enten de er ment å sees, berøres eller begge deler, kan vi ved å grunne på teksturen i abstrakt kunst knytte oss til den på nye måter, noe som kan påvirke vår forståelse, utdype vår anerkjennelse og forvandle meningen vi oppfatter i verket.
Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Rustfritt stål og rødt Plexiglas, i ti deler. © Donald Judd
Forsidebilde: Alberto Burri - Cretto (detalj), 1975. Akrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Roma
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
