Betydningen av tekstur i abstrakt kunst

Generelt sett er det to kategorier av tekstur i kunst, akkurat som i livet: grov og glatt. Begge kan være harde eller myke, våte eller tørre, organiske eller syntetiske, osv. Og uendelige grader av grovhet og glatthet er mulige. Men en viktig forskjell skiller funksjonen tekstur har i livet fra funksjonen av tekstur i kunst. I livet kan tekstur være et spørsmål om overlevelse. Vår oppfatning av om noe er glatt, slimete, skjellaktig eller lodden kan bety forskjellen mellom liv og død. Tekstur i kunst er mindre alvorlig. De fleste kunstverk er ikke engang ment å bli berørt. Og selv når et kunstverk kan berøres, relaterer teksturen seg mer til vår estetiske opplevelse enn vår fortsatte eksistens. Likevel er tekstur en viktig del av vår interaksjon med kunst. Det er et av de syv formelle kunstneriske elementene, sammen med linje, farge, form, verdi og rom. Det kan påvirke humøret, fremkalle psykologiske assosiasjoner, bringe oppmerksomhet til et medium, eller avlede fokuset vårt mot materialene som brukes i et verk. Brukt dyktig kan tekstur til og med utfordre vår oppfatning av hva som er virkelig.

Drama og lys

En av de tidligste måtene abstrakte malere eksperimenterte med tekstur på, er gjennom en prosess kalt impasto. Når vi sier at et maleri er impasto, mener vi at maleren har påført malingen på overflaten i tykke lag. Et impasto-verk anses som malerisk, siden det gir fremtredende vekt på de fysiske sporene laget av maleren. Post-impressionistiske malere som Van Gogh brukte impasto for å skape drama, og for å påvirke måten lys interagerte med overflaten av bildene deres, siden impasto-lag skaper skygger og høydepunkter. Abstrakte ekspresjonistiske malere som Jackson Pollock bruker tykt lagdelt maling for å bringe oppmerksomhet til malingshandlingen og for å avdekke personligheten og den individuelle teknikken til kunstneren.

Det motsatte av impasto-tekstur er flathet. Kunstnere som Helen Frankenthaler og Kenneth Noland farget lerretene sine, og helte tynnet maling direkte på ubehandlede lerret for å smelte overflaten sammen med malingen. Deres flate teksturer avledet fokus fra de fysiske gestene til kunstneren, og oppmuntret til kontemplasjon av andre elementer som farge, overflate og rom. Tidlige abstrakte kunstnere som Kazimir Malevich malte også flate, ikke-maleriske bilder. Interessant nok har mange av de ikoniske flate maleriene Malevich malte, som Black Square, med alderen fått teksturer som er mye forskjellig fra det kunstneren hadde til hensikt. Det er fascinerende å reflektere over om meningen seerne oppfatter i slike verk har blitt endret av endringen i tekstur.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Fysisk vs. Visuell Tekstur

Tekstur i kunst kan oppfattes på minst to måter: gjennom berøring (fysisk tekstur) og gjennom syn (visuell tekstur). Fysisk tekstur gir et kunstverk en følelse av objekt-het. Det assosierer det med den konkrete fysiske verden. Den italienske kunstneren Alberto Burri brukte funnede materialer for å skape fysiske teksturer i verkene sine som kunne fremkalle primale følelsesmessige responser hos betrakterne. Koreanske Dansaekhwa-kunstnere og kunstnere tilknyttet den japanske avantgarden Gutai-gruppen la også vekt på materialitet, og trodde, som det ble uttalt i Gutai-manifestet, “at ved å smelte sammen menneskelige egenskaper og materielle egenskaper, kan vi konkret forstå abstrakt rom.”

Andre kunstnere er mer interessert i mulighetene for visuell tekstur. Maleriene til den britiske Op Art-malerinnen Bridget Riley er helt flate, men lurer øyet til å oppfatte teksturerte bølger og dimensjonale lag. Abstrakte fotografer leker også med visuell tekstur. Den kanadiskfødte abstrakte fotografen Jessica Eaton bygger tredimensjonale objekter og fotograferer dem med flere filtre. Hennes flate trykk ser ut til å være uten tekstur, men ved nærmere ettersyn kommer de fysiske teksturene til objektene hun bygde frem, og forvirrer øyet om det oppfatter teksturer som er virkelige eller imaginære.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Tekstur i Abstrakt Skulptur

Abstrakte kunstnere som arbeider i tredimensjonalt rom, har flere muligheter til å håndtere elementet tekstur fordi arbeidet deres oftere er ment å bli berørt. Jesús Rafael Soto lager storskalige, tredimensjonale skulpturer kalt Penetrables, som seerne går gjennom, noe som lar den glatte, syntetiske teksturen av tentaklene omslutte dem som en del av deres estetiske opplevelse. Og kunstnere som Henry Moore, som laget mange offentlige, utendørsskulpturer, har muligheten til å demonstrere hvordan tid, menneskelige hender og elementene forvandler den essensielle karakteren av et kunstverk over tid.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

Tekstur er av avgjørende betydning for vår forståelse av abstrakt kunst. Hva ville Specific Objects laget av Donald Judd bety for oss hvis det ikke var for deres glatte, høyglansede, industrielle tekstur, som var integrert i deres status som minimal, moderne verk? Og hvordan ville den beryktede Object, et pelsdekket kaffesett av den tyskfødte sveitsiske kunstneren Meret Oppenheim, ha blitt et ikon for surrealisme uten sin merkelige tekstur? Enten de er ment å bli sett, berørt, eller begge deler, ved å reflektere over teksturen av abstrakt kunst kan vi relatere til den på nye nivåer, noe som kan påvirke vår forståelse, utdype vår verdsettelse, og transformere meningen vi oppfatter i verket.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Fremhevet bilde: Alberto Burri - Cretto (detalj), 1975. Akrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Roma
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio