Bridget Riley og filosofien om striper

Våre sanseopplevelser knytter oss til en verden av følelser. Når vi ser noe, er den sansen i seg selv en slags følelse. Men så føler vi også ting basert på det vi ser. Disse følelsene er det den britiske kunstneren Bridget Riley har brukt de siste seks tiårene på å undersøke. På 1960-tallet ble Riley kjent for sine bidrag til en kunstnerisk bevegelse kjent som Op Art, oppkalt etter de optiske illusjonene betrakterne ofte oppfatter i verkene. Op Art fikk global oppmerksomhet etter suksessen til en utstilling kalt The Responsive Eye ved Museum of Modern Art i New York i 1965. Flere malerier av Bridget Riley var med i den utstillingen. De hadde en sparsom svart-hvitt palett og gjentakende mønstre som skapte en følelse av dynamikk som fikk betrakterne til å føle seg ustabile eller ute av balanse. Mønstrene i maleriene hennes syntes å bevege seg. Men Bridget Rileys arbeid handler om mye mer enn bare å lure øyet med en optisk illusjon. Det handler om persepsjon. Det handler om hvor nøye vi ser, hvor dyrebart vi mener vår gave av syn er, og hvordan følelsene våre kan påvirkes av måten vi ser verden på.

Den unge Bridget Riley

Som ung kunstner var Bridget Riley ofte frustrert. Hun hadde satt pris på å kunne utforske miljøet rundt sine ulike barndomshjem i London, Lincolnshire og Cornwall fritt. Hun hadde en medfødt nysgjerrighet og et ønske om å eksperimentere. Men i 20-årene, mens hun studerte ved Royal Academy of Art, opplevde hun at professorene hennes motarbeidet hennes nysgjerrighet og eksperimentelle ånd. Hun ble uteksaminert usikker på seg selv. Og mangelen på retning ble raskt forverret da faren hennes kort tid etter ble innlagt på sykehus etter en bilulykke, og hun ble ansvarlig for omsorgen hans. De samlede påkjenningene førte til at hun fikk et fullstendig sammenbrudd.

Vendepunktet mot bedring kom for Riley da hun besøkte en utstilling av abstrakte ekspresjonister ved Tate i London i 1956. Deres arbeid bekreftet hennes ønske om å eksperimentere og utforske sin sanne visjon, og hun begynte snart å male igjen. Hun fikk jobb med å undervise kunst til unge jenter og tok en stilling som kommersiell illustratør. Deretter meldte hun seg på et sommerkurs med Harry Thubron, som var kjent for å fremheve kraften i elementer som romlige forhold, former og mønstre.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på hardboard. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, London. © 2019 Bridget Riley (Venstre) / Bridget Riley - Intake, 1964. Akryl på lerret. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Høyre)

Optiske realiteter

I studiet med Harry Thubron av de formale elementene i estetikk, særlig hvordan øyet oppfatter former i rom, ble Riley fornyet i sin søken etter å finne sin autentiske stemme. Hun flyttet til Italia i 1960 og studerte verkene til futuristene. Inspirert av deres utforskning av bevegelse gikk hun videre til å studere ideene til divisjonistene, spesielt Georges Seurat. Summen av disse studiene førte til at hun utviklet en særegen tilnærming til maling: en der hun utforsket måter å forvandle en todimensjonal flate for å påvirke visuell persepsjon.

Hun visste at for å utfordre måten betraktere så på et maleri, måtte hun eliminere alt representativt innhold. Representative bilder ville bare distrahere fra hennes hovedidéer. Så hun forenklet sitt visuelle språk til kun å bruke svart og hvitt og elementene linje, form og figur. I katalogen for The Responsive Eye kalte kurator William C. Seitz verk som det Riley laget for «den nye perseptuelle kunsten». Seitz hevet forventningene til hva denne kunsten kunne oppnå langt utover det rent estetiske. Han spurte: «Kan slike verk, som ikke refererer til noe utenfor seg selv, erstatte med psykisk effekt det innholdet som er forlatt? Kan en avansert forståelse og anvendelse av funksjonelle bilder åpne en ny vei fra netthinneeksitasjon til følelser og ideer?» Dette var nettopp de spørsmålene Riley stilte seg selv.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsjon på lerret, 70 x 68 1/4 tommer. © 2019 Bridget Riley (Venstre) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Akryl på lin. Uinnrammet: 6 fot 4 3/4 tommer x 6 fot 3 tommer (194,95 x 190,5 cm). Innrammet: 6 fot 7 3/8 tommer x 6 fot 5 3/4 tommer x 2 3/4 tommer (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Nelson Atkins Museum of Art Collection. Ervervet gjennom gavmildhet fra William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Alle rettigheter forbeholdt, med tillatelse fra Karsten Schubert, London (Høyre)

Det responsive publikum

Publikum reagerte ekstatisk på The Responsive Eye. De fengslende, illusoriske effektene i bildene i utstillingen gjorde betrakterne ville. Designere tok raskt i bruk de svart-hvite mønstrene og brukte dem på alle tenkelige produkter, fra kjoler til briller, matbokser og biler. Men den wow-faktoren hadde liten appell for Riley, som var mer interessert i de dypere meningene i arbeidet sitt. Ja, det så kult ut. Men hun ønsket å oppdage de mentale prosessene som ligger under overflaten.

I 1966, akkurat da hennes svart-hvite stil hadde fått internasjonal appell, begynte Riley å gå dypere inn i sin visjon ved å tilføre farge til arbeidet sitt. Hun brukte to år på å studere og gjentatte ganger kopiere Georges Seurats pointillistiske maleri Bridge of Courbevoie. I det så hun en mesterlig bruk av lineære strukturer og mønstre. Hun så også en mesterlig bruk av fargekombinasjoner, en demonstrasjon av hvordan forskjellige farger plassert ved siden av hverandre på gjennomtenkte måter skaper en følelse av bevegelse når de oppfattes av det menneskelige øyet.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Akryl på lerret. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Striper for alltid

Mens hun kompliserte fargepaletten hun brukte, forenklet Riley samtidig sitt formspråk. Hun fjernet nesten helt firkanter, trekanter og sirkler, og konsentrerte seg stort sett om striper gjennom 1970- og 1980-årene. Striper egner seg lett til en studie av gjentakelse, som Riley oppfattet som avgjørende for å få folk til virkelig å se på et bilde med hensikt. Formen til en stripe er også grunnleggende stabil. Den stabiliteten oppdaget hun er viktig for studiet av farge fordi farge i seg selv er ustabil, siden oppfatningen av den avhenger av andre faktorer som lys og omkringliggende farger.

Riley brukte en kombinasjon av rette og bølgende horisontale og vertikale striper. Hun begynte hvert verk på små papirstrimler, der hun testet fargekombinasjoner og mønstre. Når hun kom fram til en fargekombinasjon og stripe-mønster som syntes å bevege seg, overførte hun det til et stort lerret som hun deretter malte for hånd. Hver stripe i hennes fargerike stripemalerier inneholder en utvikling av forskjellige farger som smelter sammen på presise måter, slik at øyet, når det ser på hver stripe, oppfatter et hint av neste farge. Den utviklingen skaper en følelse av bevegelse når øyet beveger seg over flaten.

Musikkens syn

Mens stripenes stabilitet var avgjørende for hennes oppdagelse av farge, var det til slutt fargen som hjalp henne å oppnå sin estetiske visjon. Hun sa: «Fargenes musikk, det er det jeg vil ha.» Som så mange andre kunstnere, fra Seurat til Giacomo Balla til Sonia Delaunay til Josef Albers, hadde innsett, kan hver farge fremkalle en følelsesmessig reaksjon. Og når ulike farger brukes sammen, ser de ut til å vibrere og skape uforutsigbare følelsesmessige reaksjoner hos betrakterne. Den uforutsigbarheten hjalp Riley å nå sitt ideelle mål for et maleri, som hun sa må «tilby en opplevelse; tilby en mulighet.»

De estetiske oppdagelsene Riley har gjort gjennom sine fargede, stripete malerier kom fordi hun er en nøyaktig eksperimentator. Hun fører nøye notater over hver fargekombinasjon og mønster hun prøver, slik at det kan gjentas om nødvendig. Men selv om eksperimentene hennes med farger og striper virker vitenskapelige, er de ikke det, i hvert fall ikke i den forstand at de prøver å bevise en hypotese. Snarere er de kunstneriske, i den forstand at de søker å oppdage noe ukjent og å gi det form.

Bridget Riley - Carnival, 2000. Silketrykk i farger, på vevd papir, med fulle marger. 28 3/5 × 35 9/10 tommer. 72,7 × 91,1 cm. Opplag 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Hovedmål

I dag, i midten av 80-årene, fortsetter Riley å male. Hun utforsker nå en blanding av geometriske former, bølgende former og diagonaler. Mønstrene i hennes nyere malerier er mye bredere, noe som skaper et helt annet inntrykk og vekker helt andre følelser. Hennes stripemalerier fra tidligere tiår står som sterke uttrykk for hennes livslange søken etter forståelse av persepsjon. De går langt utover bare å lure øyet og inn i en verden av dyp, subjektiv oppfatning.

Det viktige med disse verkene er at de utfordrer ikke bare måten vi ser dem på, men også måten vi ser alt på. Stripene Riley bruker er kanskje så enkle som former kan være. Likevel virker forvandlingene som blir tydelige når man studerer dem, grenseløse. Riley sa en gang: «Gjentakelse fungerer som en slags forsterker av visuelle hendelser som sett enkeltvis knapt ville være synlige.» Hennes striper viser denne filosofien: at kompleksitet lurer under tilsynelatende enkelhet i vår visuelle verden, hvis vi bare tar oss tid til virkelig å legge merke til det. De oppfordrer oss til å se nøye og grundig, og til fullt ut å verdsette den dyrebare gaven det er å kunne se.

Utvalgt bilde: Bridget Riley - Conversation (detalj), 1992. Olje på lin. 92 x 126 cm. Abbot Hall kunstsamling. Kjøpt i 1996. © Bridget Riley
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio