Kubisme av Sonia Delaunay og utforskning av farge

Mye kunne vært, og har blitt skrevet om de profesjonelle prestasjonene til Sonia Delaunay. Hun var en av de mest innflytelsesrike kunstnerne på 1900-tallet. I 20-årene førte hennes visjonære tilnærming til abstraksjon henne til å bli en av de første modernistiske kunstnerne. I 30-årene forvandlet hun sin studio-praksis til manifestasjonen av et Gesamtkunstwerk, eller totalverk, og demonstrerte Bauhaus-idealet to år før Bauhaus eksisterte. Hun skapte et unikt og innflytelsesrikt kunstverk av malerier i løpet av livet sitt, og arbeidet kontinuerlig frem til kort tid før hennes død i en alder av 94. I tillegg til maling arbeidet hun også med mote, teater, film, publisering og engasjerte seg i alle former for designaktiviteter. I en alder av 79 ble hun bare den andre levende kunstneren som noen gang har hatt en retrospektiv utstilling på Louvre, og den første kvinnelige kunstneren som oppnådde denne milepælen. Det kan til og med lett argumenteres for at Sonia Delaunay var den første kunstneren som effektivt gjorde sin personlighet til et merke, i den moderne konteksten av ordet. Men å fokusere utelukkende på disse eksterne prestasjonene ville antyde at det var hennes mål hele tiden å oppnå slike ting. Men faktisk hadde Delaunay ingen slike mål. Hennes eneste mål var i alvor, å utforske farge, form og komposisjon, og å avsløre for resten av verden gjennom kunsten sin den ukjente essensen av hva det var hun søkte innen seg selv.

Å bli Sonia Delaunay

Historien om Sonia Delaunays tidlige liv kan resonere med enhver forelder. Hvor enkelt det er å skape, eller miste en mulighet, og hvordan den minste endringen i omstendighetene kan påvirke sjansene for et barn til å lykkes. Sonia Delaunay ble født Sarah Ilinitchna Stern i en arbeiderklassefamilie i det som nå er Ukraina. Hennes muligheter i hjembyen var sterkt begrenset, men hun hadde en velstående onkel og tante i St. Petersburg ved navn Henri og Anna Terk. Terks kunne ikke få barn selv, og de ba om å adoptere Sarah fra hennes slitne foreldre. Moren hennes motsto i begynnelsen. Men da Sarah var fem år gammel, ga moren endelig etter, og lot henne flytte til St. Petersburg for godt for å bo med onkelen og tanten.

Da hun ankom St. Petersburg, endret Sarah navnet sitt til Sonia Terk. Sammen med det nye navnet kom et nytt sett med opplevelser og langt mer varierte muligheter. Livet med tante og onkel inkluderte verdensreiser, den beste utdannelsen, og regelmessige besøk til museer og biblioteker. Hun kunne bla i kunstbøker hjemme og delta i intellektuelle diskusjoner om en rekke emner. Ved 16-årsalderen hadde hun utviklet en interesse for å bli kunstner. Terks oppmuntret henne til interessen, og ved 18-årsalderen sendte de henne til Tyskland for å studere kunst. To år senere, i 1905, flyttet hun igjen, denne gangen til Paris, episenteret for avant-garde kunst i Europa.

En bok av den modernistiske poeten Blaise Cendrars, bundet og illustrert av Sonia Delaunay i 1913

Oppdage farger

I Paris fortsatte Sonia Delaunay å studere kunst på skolen, men erfaringen hun hadde med lærerne sine var for akademisk og formell for hennes disposisjon. Hun oppdaget at hun fikk mye mer inspirasjon i galleriene, som viste arbeider av eksperimentelle europeiske kunstnere som postimpresjonistene. Hun hadde kommet til Paris på det perfekte tidspunktet. Hun befant seg i hjertet av avantgarde-samfunnet ved daggry av kubismen, da geometriske plan først ble tatt i bruk i et forsøk på å formidle en fire-dimensjonal virkelighet. Og hun var der da futurist-manifestet først ble trykt i de franske avisene, noe som brakte ideen om bevegelse til forgrunnen av den kunstneriske samtalen. Og fauvismene, som var på høyden av sin innflytelse da hun ankom byen, inspirerte henne dypt. Hun ble visceralt berørt av måten øynene hennes oppfattet, og følelsene hennes opplevde, forholdene mellom deres strålende og lysende farger.

De tidlige maleriene Sonia Delaunay laget etter å ha ankommet Paris, utforsket mange av ideene fra disse andre bevegelsene på en figurativ måte. Men hun søkte etter noe annet. Spesielt ønsket hun en måte å utforske fargeelementet for sin egen verdi. Men hun ønsket også å være intuitiv og fri. Hun hadde liten interesse for de akademiske teoriene som ble utvekslet av hennes samtidige, som hun mente var, “For sofistikerte. Jeg er nærmere naturen og livet,” forklarte hun en gang, nær slutten av livet sitt. “Jeg søkte etter noe innen meg selv, og litt etter litt ble det abstrakt maleri.”

Sonia Delaunay - Gul Akt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Finne abstraksjon

Gjennombruddet som endelig førte Sonia Delaunay til å fullt ut omfavne non-objektiv maleri kom på en mest uventet måte. Som hennes avreise fra hjembyen til St. Petersburg, oppsto det fra et dristig valg hun gjorde for å skape sin egen skjebne. Da hun først ankom Paris, hadde hun blitt venn med en gallerieier og forfatter ved navn Wilhelm Uhde, som viste de ledende avantgarde-kunstnerne. Hun og han var beslektede sjeler, som hun sa, “begge på jakt etter noe abstrakt.” De giftet seg, ikke på grunn av romantisk tiltrekning, men fordi ordningen ga praktiske fordeler for dem begge. For Sonia frigjorde det henne fra presset hun fikk fra sin biologiske mor om å gi opp karrieren som kunstner.

Så en natt i galleriet mindre enn et år senere, møtte Sonia en meningsfull, lidenskapelig ung kunstner ved navn Robert Delaunay. De to fikk umiddelbar kontakt og de ble forelsket. Sonia ba Uhde om skilsmisse, som han vennlig innvilget, og året etter giftet hun seg med Robert. Da de to fikk sitt første barn, laget Sonia en quilt for babyen for hånd, ved å bruke teknikker basert på russiske folkeartstradisjoner fra hjemlandet hennes. Da quilten var ferdig, så hun i den inspirasjonen hun hadde søkt. Formene minnet henne om kubistiske plan, men fargeforholdene mellom formene brakte hele komposisjonen til liv. Den quilten som Sonia Delaunay laget ut fra instinkt for barnet sitt, ble grunnlaget for alt hennes fremtidige abstrakte arbeid.

Teppet Sonia Delaunay laget til babyen sin i 1911, nå en del av samlingen ved Nasjonalmuseet for moderne kunst i Paris, Frankrike.

Orfisk kubisme

Om kveldene i Paris ville Sonia Delaunay og hennes mann Robert Delaunay gå sammen gjennom byen og snakke om kunst. På turene ville de beundre de elektriske lysene som nettopp begynte å bli installert. De ville diskutere hvordan fargene i byen ble påvirket av det syntetiske lyset, og glede seg over formene og mønstrene lyset skapte. Når de kom hjem fra turene, ville hver av dem forsøke å fange opplevelsen sin på lerret, ved å bruke språket av abstrakt farge og form inspirert av teppet Sonia hadde laget.

De kalte sin unike visuelle tilnærming simultanéisme. Ordet var en referanse til forholdet mellom farger og former, og den samtidige eksistensen av flere realiteter i komposisjonene deres. Da Sonia og Robert stilte ut disse maleriene, kalte vennen deres, kunstkritikeren Guillaume Apollinaire, deres nye stil Orfisk kubisme, eller Orfisme. Selv om referansen aldri ble gjort helt klar, relaterer begrepet seg til den mytiske greske musikeren og poeten Orfeus, hvis legendariske musikk skulle ha hatt evnen til å sjarmere alle skapninger og ting.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olje på lerret. 182 x 149 cm. Nasjonalmuseet for moderne kunst, Paris, Frankrike

Fargenes poesi

Selv om referansen til Orfeus virker passende for arbeidet til Sonia Delaunay, er sammenligningen med kubisme feil. Kubisme var like akademisk som det var estetisk. Mens Robert Delaunay var en ivrig teoretiker og analytiker, foretrakk Sonia å arbeide intuitivt og legge vekt på utforskning og eksperimentering. Om denne dikotomien sa hun en gang: “Han snakket, men jeg innså.” Selv om Sonia brukte et språk av former som lignet på kubistenes, hadde hun ingen intellektuelle mål til felles med dem. Hennes former var bare fartøy for farge. “Hvis det er geometriske former,” forklarte hun en gang, mens hun talte ved Sorbonne, “er det fordi disse enkle og håndterbare elementene har vist seg å være passende for distribusjonen av farger hvis relasjoner utgjør det virkelige objektet for vår søken.”

Sonia sammenlignet ofte maleri med poesi. Sonia Delaunay så på seg selv som en som søkte etter kombinasjoner av farger som kunne fremkalle en mengde mulige tolkninger, og skape samtidige betydninger. Det var helt naturlig for henne å utvide sine kunstneriske aktiviteter inn i designverdenen, siden hun opplevde at det ikke var noen skillelinje mellom kunst og liv. Enten komposisjonene hennes befant seg på siden av en bil, på en pelsovercoat, på et kostyme for et teaterstykke eller på overflaten av et lerret, så hun ingen forskjell. Hun trodde at, "farger er ord, deres relasjoner rytmer", og at uansett hvilken kapasitet hun valgte å bringe dem sammen, ble de, gjennom hennes innsats, "et fullført dikt."

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Litografi. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 tommer)

Fremhevet bilde: Sonia Delaunay - Synkoperte rytmer, såkalt Den svarte slangen (detalj), 1967
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio