Utviklingen av den optiske abstraksjonen eller hvordan Victor Vasarely fant sin egen stil

Det antas noen ganger at når vi snakker om «kunst og vitenskap» snakker vi om to klart forskjellige ting. Vitenskap handler tross alt om å studere ting, mens kunst handler om å skape ting. Men skaper ikke også vitenskapsfolk, og studerer ikke også kunstnere? Og er ikke fantasi en integrert del av begge? Victor Vasarely var både vitenskapsmann og kunstner. Faren til en modernistisk abstrakt kunstretning kjent som Op-Art, han befant seg trygt i begge verdener. Opprinnelig utdannet innen medisin, nærmet Vasarely seg kunsten fra et systematisk perspektiv. Han analyserte de formelle egenskapene som utgjorde et estetisk objekt. Han studerte naturen på jakt etter byggesteinene i det visuelle universet. Og han analyserte hvordan betraktere oppfattet det visuelle universet for å finne ut hvordan kunsten kunne bidra til å avdekke grunnleggende sannheter. Fra 1920-tallet da han gjennomførte sine tidligste estetiske eksperimenter, gjennom 1960-tallet da han viste sin endelige skapelse, «Alphabet Plastique», og fram til slutten av sitt liv som 90-åring, nærmet Vasarely seg kunsten med et syn som samtidig inkluderte skaperevne og analyser. Underveis endret han hvordan mennesker oppfatter todimensjonalt rom og skapte et verk som selv tiår etter hans død fortsetter å inspirere kunstnere, kunstelskere, formgivere og vitenskapsfolk.

Victor Vasarely vitenskapsmannen

I 1906, da Victor Vasarely ble født, ble kunstnere og vitenskapsfolk like mye respektert. I Budapest, hvor Vasarely gikk på universitetet, ville det ikke vært uvanlig at medlemmer av begge fagfeltene samhandlet, særlig i de travle kafeene langs Donau, som var sentre for den europeiske intellektuelle scenen. Da Vasarely først begynte på universitetet, var det for å studere til lege ved Universitetet i Budapests medisinske fakultet. Men to år inn i studiet endret han brått retning og bestemte seg for å vie seg til å studere kunst.

Men selv om fagfeltet hans endret seg, gjorde ikke hans tilnærming til læring det. I 1927, som 21-åring, meldte Vasarely seg inn på en privat kunstskole hvor han fikk formell opplæring som maler. Han utmerket seg som kunststudent, og mens han finpusset sine estetiske ferdigheter fortsatte han også å lese bøker av tidens ledende vitenskapsfolk. En av hans favorittforfattere på denne tiden var Niels Bohr, som i 1922 mottok Nobelprisen for sin studie av atomstruktur. I kvantefysikken viser Bohr-modellen atomets struktur som lik solsystemets struktur. Visuelt ligner det en sirkel omgitt av større sirkler, et mønster Vasarely gjentatte ganger utforsket i sin kunst.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Silketrykk. 97,8 × 72,4 cm. Opplag på 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Bygger sin sak

Gjennom sin doble studie av kunst og vitenskap begynte Vasarely å formulere en teori om at de to tankemåtene krysset hverandre på en måte som, når de ble oppfattet sammen, kunne, som han sa, «danne en tenkt konstruksjon som stemmer overens med vår følsomhet og samtidens kunnskap.» I 1929 meldte han seg inn ved Muhely-akademiet i Budapest, som på den tiden var Ungarns svar på Bauhaus. Studiene hans der fokuserte på konseptet total kunst basert på geometri. Han eksperimenterte med geometrisk abstraksjon og begynte å forstå hvordan optiske illusjoner kunne skapes gjennom oppsettet av geometriske former og farger på en todimensjonal flate. En sammenligning av et av hans Muhely-akademi-malerier med tittelen Etudes Bauhaus C med et maleri han laget i 1975 med tittelen Vonal-Stri viser Vasarelys livslange og målbevisste fokus på geometrien som uttrykk for skjæringspunktet mellom vitenskap og kunst.

Etter å ha forlatt Muhely-akademiet flyttet Vasarely til Paris, giftet seg og fikk to barn. Han forsørget familien som grafisk kunstner, mens han drev med sin kunst om kvelden. Mens hans dagjobb krevde en ren, presis stil, var hans kunstneriske praksis åpen for fantasien. Han utviklet en personlig stil som var dypt forankret i begge deler. Den kom til uttrykk i hans «Zebra» og «Harlequin»-malerier, serier han vendte tilbake til gjennom hele livet, og i malerier som «Skakbrettet».

Victor Vasarely - Skakbrettet, 1975. Silketrykk. 80 × 76,2 cm. Opplag på 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Feil vei

Etter 14 år med to karrierer i Paris fikk Vasarely endelig sin første store utstilling. Den ble så godt mottatt at han var overbevist om at han kunne vie seg helt til kunsten. Det var omtrent da han tok et avvik fra den visuelle stilen han hadde skapt. Mens han ferierte på en øy i Bretagne, la han merke til hvordan bølgene påvirket landskapet, særlig hvordan de endret kystlinjen og formet steinene. Denne observasjonen førte ham inn på en vei mot en slags biomorf geometrisk abstraksjon da han forsøkte å knytte seg til en visuell framstilling av den naturlige geometrien i den organiske verden.

Selv om Vasarely senere kalte denne perioden i livet sitt «feil vei», førte den til en viktig utvikling i hans arbeid. Den tilføyde mer avrundede elementer til maleriene hans. Da han vendte tilbake til sin tidligere geometriske stil, var det med inkludering av dynamiske, avrundede former som så ut til å bule ut fra maleriet eller kollapse innover fra flaten. Måten disse formene lurte øyet på, gjorde at bildet så ut til å bevege seg. Den kinetiske illusjonen, kombinert med tredimensjonaliteten i Vasarelys lerreter, ble grunnlaget for det ikoniske uttrykket vi nå kaller Op-Art.

Victor Vasarely - Untitled #8 (rosa og turkis kule). Silketrykk. 33 × 25,4 cm. Opplag på 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Det gule manifest

I 1955 stilte Vasarely ut noe av sitt arbeid i en utstilling av kinetisk kunst kalt «Le Movement» i Paris. Til arbeidet sitt publiserte han et essay kalt Notes for a Manifesto. Trykt på gult papir har essayet siden blitt kjent som Det gule manifest. Der erklærte Vasarely: «Vi står ved begynnelsen av en stor tid.» Han insisterte på at betegnelser som maleri og skulptur var foreldet, siden kunstnere som Arp, Kandinsky, Mondrian og Calder hadde ødelagt de kunstige skillet mellom de plastiske kunstene. Han erklærte at siden alle estetiske fenomener er uttrykk for samme impuls, var det på tide å betrakte alle kunstneriske prestasjoner som en del av «en enkelt plastisk følsomhet i forskjellige rom.»

Vasarelys bidrag til denne «store tiden» er tydelig når man ser på maleriene han laget i denne perioden. Hans arbeid omdefinerte fullstendig betrakterens opplevelse av et todimensjonalt kunstverk. Han skapte opplevelsen av at rom eksisterte der det ikke fantes rom. Opplevelsen ble fullstendig forankret i betrakterens sinn. Formene på et av Vasarelys lerreter er formelle og vitenskapelige, men når øyet tolker dem, får de egenskaper som ser ut til å trosse de vitenskapelige fakta om romlig virkelighet.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Silketrykk på Arches-papir. 78,4 × 96,2 cm. Opplag på 250. © Victor Vasarely

Det plastiske alfabetet

På høyden av sin popularitet på 1960-tallet skapte Vasarely det som skulle bli kulminasjonen av hans livsverk. Han beskrev det han kalte Det plastiske alfabetet, et symbolsk visuelt språk basert på geometriske former og farger. Alfabetet besto av 15 former, alle basert på variasjoner av sirkel, trekant og firkant, og hver form fantes i 20 forskjellige nyanser. Hver form ble framstilt innenfor en firkantet ramme, og formen og rammen rundt ble vist i ulike farger. Det plastiske alfabetet kunne settes sammen i tilsynelatende uendelige kombinasjoner og brukes til å skape et tilsynelatende uendelig mangfold av bilder.

Konseptet Vasarely eksplisitt antydet med sitt plastiske alfabet, var at den skapende handlingen kunne gjennomføres gjennom en rent vitenskapelig prosess. På den ene siden var det avmenneskende, da det representerte en form for programmering, som en proto-kunstig intelligens som kunne overta kunstskapingens prosess. På den andre siden var det menneskeliggjørende, da det demokratiserte og avmystifiserte den skapende prosessen, slik at alle kunne delta i en skapende estetisk aktivitet.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Silketrykk. 55,9 × 59,7 cm. Opplag på 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst for alle

Det er passende at det bidraget Vasarely er mest husket for, er en form for forstyrrelse. Ikke bare forvrengte hans visuelle verk flaten i todimensjonal kunst, men hans ideer og hans plastiske alfabet forvrengte også kulturen. Vasarelys venner, kolleger og tilhengere minnes entusiastisk at et av hans mottoer var «kunst for alle.» Han var begeistret over å se kunsten sin på klær, postkort, handelsvarer og reklamer. Han forutsa at i framtiden ville den eneste måten kunsten kunne forbli relevant på, være at alle mennesker kunne delta i dens glede.

Vi kan ikke bare se ekko av Vasarelys kunst i samtidskunst og design, men også ekko av hans filosofi i det digitale fellesskapet og den globale kulturen det har bidratt til. Ved å skape en stil innen billedkunst som kunne ha universell appell på tvers av kunstige sosiale skiller, skapte Vasarely noe unikt: en oppriktig og gledelig estetisk opplevelse som, selv om den er abstrakt, lett kan nytes av alle som kan se. Og kanskje enda mer verdifullt delte han en visjon om en framtid der kunst og vitenskap samarbeider for en mer interessant og rettferdig verden.

Utvalgt bilde: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio