Artikkel: Utviklingen av den optiske abstraksjonen: Hvordan Victor Vasarely fant sin egen stil
Utviklingen av den optiske abstraksjonen: Hvordan Victor Vasarely fant sin egen stil
Det antas noen ganger at når vi snakker om «kunst og vitenskap», snakker vi om to klart forskjellige ting. Vitenskap handler tross alt om å studere ting, mens kunst handler om å skape ting. Men skaper ikke også vitenskapsmenn, og studerer ikke også kunstnere? Og er ikke fantasi en integrert del av begge? Victor Vasarely var både vitenskapsmann og kunstner. Faren til en modernistisk abstrakt kunstbevegelse kjent som Op-Art, befant han seg komfortabelt i begge verdener. Opprinnelig utdannet i medisin, nærmet Vasarely seg kunsten fra et systematisk perspektiv. Han analyserte de formelle kvalitetene som utgjorde et estetisk objekt. Han studerte naturen på jakt etter byggesteinene i det visuelle universet. Og han analyserte hvordan betraktere oppfattet det visuelle universet for å finne ut hvordan kunst kunne bidra til å avsløre grunnleggende sannheter. Fra 1920-tallet, da han gjennomførte sine tidligste estetiske eksperimenter, gjennom 1960-tallet da han avslørte sin ultimate skapelse, «Alphabet Plastique», og til slutten av sitt liv som 90-åring, nærmet Vasarely seg kunsten sin med et syn som samtidig inkluderte kreativitet og analyse. Underveis endret han hvordan mennesker oppfatter todimensjonalt rom og skapte et verk som selv tiår etter hans død fortsetter å inspirere kunstnere, kunstelskere, designere og vitenskapsmenn.
Victor Vasarely: Vitenskapsmannen
I 1906, da Victor Vasarely ble født, ble både kunstnere og vitenskapsmenn like mye respektert. I Budapest, hvor Vasarely studerte ved universitetet, ville det ikke vært uvanlig at medlemmer fra begge felt samhandlet, spesielt i de travle kafeene langs bredden av Donau, som var sentre for den europeiske intellektuelle scenen. Da Vasarely først begynte på universitetet, var det for å studere medisin ved Universitetet i Budapests medisinske fakultet. Men to år inn i studiet tok han en brå vending og bestemte seg for å vie seg til å studere kunst.
Men selv om temaet hans endret seg, gjorde ikke hans tilnærming til læring det. I 1927, i en alder av 21 år, begynte Vasarely på en privat kunstskole hvor han fikk formell opplæring som maler. Han utmerket seg som kunststudent, og mens han finpusset sine estetiske ferdigheter, fortsatte han også å lese bøker av tidens ledende vitenskapsmenn. En av hans favorittforfattere på denne tiden i livet var Niels Bohr, som i 1922 mottok Nobelprisen for sin studie av atomstruktur. I kvantefysikken skildrer Bohr-modellen strukturen til et atom som lik den til solsystemet. Visuelt ligner det en sirkel omgitt av større sirkler, et mønster Vasarely gjentatte ganger utforsket i sin kunst.
Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988 - © Victor Vasarely
Bygger sin sak
Gjennom sin doble studie av kunst og vitenskap begynte Vasarely å formulere en teori om at de to tankemåtene krysset hverandre på en måte som, når de ble oppfattet sammen, kunne, som han sa, «danse en imaginær konstruksjon som er i samsvar med vår følsomhet og samtidens kunnskap». I 1929 begynte han på Mühely-akademiet i Budapest, som på den tiden var Ungarns svar på Bauhaus. Studiene hans fokuserte på konseptet total kunst basert på geometri. Han eksperimenterte med geometrisk abstraksjon og begynte å forstå hvordan optiske illusjoner kunne skapes gjennom arrangementet av geometriske former og farger på en todimensjonal flate. En sammenligning av ett av hans Mühely-akademiet viser malerier med tittelen Etudes Bauhaus C til et maleri han laget i 1975 med tittelen Vonal-Stri, som demonstrerer Vasarelys livslange og målbevisste fokus på geometrien som uttrykk for skjæringspunktet mellom vitenskap og kunst.
Etter å ha forlatt Mühely-akademiet, flyttet Vasarely til Paris, giftet seg og fikk to barn. Han forsørget familien som grafisk designer, mens han drev med kunsten sin om natten. Mens dagjobben krevde en ren, presis stil, var hans kunstneriske praksis åpen for fantasien. Han utviklet en personlig stil som var dypt forankret i begge deler. Dette kom til uttrykk i hans malerier «Zebra» (se FAQ 9) og «Harlequin» (se ovenfor), serier han vendte tilbake til gjennom hele livet, og i malerier som «Sjakkbrettet» nedenfor.
Victor Vasarely - Sjakkbrett, 1975 - © Victor Vasarely
«Feil vei» og den kinetiske oppvåkningen
Etter 14 år med to karrierer i Paris, fikk Vasarely endelig sin første store utstilling. Den ble så godt mottatt at han ble overbevist om at han kunne satse fullt på å være kunstner. Det var omtrent på denne tiden han tok et avvik fra den visuelle stilen han hadde skapt. Mens han ferierte på en øy i Bretagne, la han merke til hvordan bølgene påvirket landskapet, spesielt hvordan de endret kystlinjen og formet steinene. Denne observasjonen ledet ham mot en slags biomorf geometrisk abstraksjon mens han forsøkte å knytte seg til en visuell manifestasjon av den naturlige geometrien i den organiske verden.
Selv om Vasarely senere omtalte denne perioden i livet sitt som «feil vei», førte den til en viktig utvikling i arbeidet hans. Den tilføyde mer avrundede elementer til maleriene hans. Da han vendte tilbake til sin tidligere geometriske stil, var det med inkludering av dynamiske avrundede former som så ut til å bulte ut fra maleriet eller kollapse innover fra overflaten. Måten disse formene lurte øyet på, gjorde at det virket som om bildet beveget seg. Den kinetiske illusjonen, kombinert med tredimensjonaliteten i bildene på Vasarelys lerreter, ble grunnlaget for den ikoniske estetiske retningen vi nå kaller Op-Art.
Victor Vasarely - Untitled #8 (rosa og turkis kule) - © Victor Vasarely
Det gule manifestet: Kunst i bevegelse
I 1955 stilte Vasarely ut noen av sine verk i en utstilling av kinetisk kunst kalt «Le Mouvement» i Paris. For å følge opp arbeidet sitt publiserte han et essay kalt Notes for a Manifesto. Essayet, trykt på gult papir, har siden blitt kjent som Det gule manifestet. Der erklærte Vasarely: «Vi står ved begynnelsen av en stor epoke.» Han insisterte på at betegnelser som maleri og skulptur var utdaterte, siden kunstnere som Arp, Kandinsky, Mondrian og Calder hadde ødelagt de kunstige skillet mellom de plastiske kunstene. Han erklærte at siden alle estetiske fenomener er manifestasjoner av samme impuls, var det på tide å betrakte alle kunstneriske prestasjoner som en del av «en enkelt plastisk sensibilitet i forskjellige rom».
Vasarelys bidrag til denne «store epoken» er tydelig når man ser på maleriene han laget i denne perioden av livet sitt. Hans arbeid omdefinerte fullstendig betrakterens opplevelse av et todimensjonalt kunstverk. Han skapte en oppfatning av at rom eksisterte der det ikke fantes rom. Betrakterens opplevelse ble forvandlet til å eksistere helt og holdent i betrakterens sinn. Formene som finnes på et av Vasarelys lerreter er formelle og vitenskapelige, men når de tolkes av øyet, får de kvaliteter som ser ut til å utfordre de vitenskapelige fakta om romlig virkelighet.
Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely
Det Plastiske Alfabet: Estetisk programmering
På høyden av sin popularitet på 1960-tallet skapte Vasarely det som skulle representere kulminasjonen av hans livsverk. Han beskrev det han kalte det Plastiske Alfabet, et symbolsk visuelt språk basert på geometriske former og farger. Det var 15 former i alfabetet, alle basert på variasjoner av sirkelen, trekanten og kvadratet, og hver av formene eksisterte i et spekter av 20 forskjellige nyanser. Hver form ble fremstilt innenfor en kvadratisk ramme, og formen og dens omkringliggende ramme ble presentert i forskjellige nyanser. Det Plastiske Alfabet kunne arrangeres i en tilsynelatende uendelig rekke kombinasjoner og brukes til å skape en tilsynelatende endeløs rekke bilder.
Konseptet som Vasarely eksplisitt antydet med sitt Plastiske Alfabet, var at gjennom dets implementering kunne den kreative handlingen utføres gjennom en rent vitenskapelig prosess. På den ene siden var det avhumaniserende, da det representerte en form for programmering, som en proto-kunstig intelligens som kunne overta prosessen med å lage kunst. På den andre siden var det humaniserende, da det demokratiserte og avmystifiserte den kreative prosessen, og tillot hvem som helst å engasjere seg i en kreativ estetisk aktivitet.
Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely
Kunst for alle
Det er passende at bidraget Vasarely er mest husket for, er en form for forstyrrelse. Ikke bare forvrengte hans visuelle arbeid overflaten på todimensjonal kunst, men hans ideer og hans Plastiske Alfabet forvrengte også overflaten på kulturen. Vasarelys venner, kolleger og tilhengere minnes entusiastisk at et av hans mottoer var «kunst for alle». Han var begeistret over å se kunsten sin inkludert på klær, postkort, kommersielle produkter og reklamer. Han forutsa at i fremtiden ville den eneste måten kunst kunne forbli relevant på være at hvert menneske kunne delta i dens nytelse.
Vi kan ikke bare se ekko av Vasarelys kunst i produktene til samtidskunst og design, men vi ser også ekko av hans filosofi i det digitale fellesskapet og den globale kulturen det har bidratt til. Ved å skape en stil innen billedkunst som kunne ha universell appell på tvers av kunstige sosiale skiller, skapte Vasarely noe unikt: en oppriktig og gledelig estetisk opplevelse som, selv om den er abstrakt, lett kan nytes av alle som kan se. Og kanskje enda mer verdifullt delte han en visjon om en fremtid der kunst og vitenskap samarbeider mot en mer interessant og rettferdig verden.
Den levende arven: Samtidskunstnere innen perseptuell kunst
Ved å oversette Vasarelys historiske fokus på optisk bevegelse, rutenett og demokratisk skapelse til moderne tid, fortsetter mange samtidskunstnere innen abstrakt kunst hos IdeelArt å presse grensene for hvordan det menneskelige øyet oppfatter lys, rom og bevegelse. Selv om vi ikke går i dybden på deres individuelle praksiser her, har vi nylig utforsket deres arbeid grundig i vår omfattende redaksjonelle artikkel, Op Art: The Perceptual Ambush and the Art That Refuses to Stand Still. Dette kuraterte utvalget representerer noen av de mest spennende perseptuelle mesterne som arbeider i dag:
-
Cristina Ghetti: Bruker pulserende geometriske rytmer og kalkulerte kromatiske vibrasjoner for å skape malte lerreter som ser ut til å fysisk utvide og skifte under betrakterens blikk.
-
Andy Harwood: Bruker nøye gjennomskinnelige gradienter og skarpe masker i sin Mesmerism-serie for å holde øyet i en tilstand av kontinuerlig visuell flux.
-
Sebastiaan Knot: Gjenoppfinner optisk illusjon i studio ved å fotografere fysiske geometriske strukturer skapt utelukkende gjennom kryssende fargede lysstråler.
-
Louise Blyton: Frigjør optisk abstraksjon fra det flate lerretet ved å lage formede tredimensjonale lerreter av lin, belagt med fløyelsmyke, rå pigmenter.
-
Jesus Perea: Komponerer nøye balanserte, arkitektoniske geometriske former som leker med skygge, dybde og romlig orientering på flate plan.
-
Bernadette Jiyong Frank: Legger lag på lag med mikrotynne, gjennomsiktige fargestriper for å fange det skiftende, lysende brytningsspillet i lyset.
-
Brent Hallard: Bruker skarpe masker og høyt mettet monokrome flater som presser grensene for geometrisk spenning og hardkantet visuell vibrasjon.
Utvalgt bilde: Victor Vasarely - Universal Structure, Vega Period (fra 1968), DETALJ, © Victor Vasarely
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio (2016) og Francis Berthomier (2026)
F Berthomier (IdeelArt medgründer) ved Fondation Vasarely - 2022
C Thomas (IdeelArt medgründer) ved Fondation Vasarely - 2022
FAQ: Victor Vasarely og grunnlaget for Op Art
1. Hvorfor regnes Victor Vasarely som "far til Op Art"?
Mens andre historiske avantgarde-kunstnere eksperimenterte med optiske mønstre, var Victor Vasarely den første til systematisk å utvikle, teoretisere og popularisere optiske og kinetiske effekter som en dedikert bevegelse. Hans deltakelse i den historiske utstillingen Le Mouvement i 1955 og hans forfatterskap av Det gule manifestet la de formelle og konseptuelle grunnlagene for det verden snart ville kalle Op Art.
2. Hvordan påvirket Vasarelys tidlige medisinske utdanning hans kunst?
Vasarely tilbrakte to intensive år med medisinstudier ved Budapest-fakultetet før han vendte seg til kunsten. Denne kliniske utdannelsen ga ham en livslang, dypt analytisk tilnærming til menneskelig anatomi, lysbrytning og fysisk nevrologi — noe som førte til at han nærmet seg lerretet som et laboratorium snarere enn et følelsesmessig uttrykk.
3. Hva er det "Plastiske alfabetet" (Alphabet Plastique)?
Utviklet på 1960-tallet, var det Plastiske alfabetet et standardisert visuelt språk som kombinerte grunnleggende geometriske former (sirkler, firkanter, trekanter) med presise fargeskalaer innen modulære enheter. Det kunne generere et uendelig antall unike komposisjoner, og forutså moderne digitale piksler og algoritmer.
4. Hva var "Det gule manifestet" (Notes pour un Manifeste)?
Skrevet for den banebrytende utstillingen Le Mouvement i Paris i 1955 og trykt på knallgul papir, erklærte denne teksten tradisjonelle forestillinger om statisk maleri og skulptur som utdaterte. Vasarely argumenterte for at kunstverk skulle være en "plastisk følsomhet i bevegelse," fullført utelukkende gjennom den fysiologiske responsen til betrakteren.
5. Hvorfor erklærte Vasarely sin biomorfe fase som "feil vei"?
Under en ferie i Bretagne på slutten av 1940-tallet beveget Vasarely seg midlertidig inn i biomorf abstraksjon. Selv om han senere avviste dette som en omvei, introduserte det organiske kurver og sfærer i hans rutenettsystemer — noe som muliggjorde de utbulende, dynamiske tredimensjonale illusjonene som definerte hans karakteristiske Op Art-stil.
6. Hva var Ungarns Műhely-akademi, og hvordan formet det Vasarelys arbeid?
Kjent som "den ungarske Bauhaus," lærte Műhely-akademiet integrering av billedkunst, grafisk design, geometri og funksjonell arkitektur. Å studere der i 1929 introduserte Vasarely for strenge geometriske prinsipper innen konstruktivismen som dannet grunnlaget for hans karriere.
7. Hva er forholdet mellom Niels Bohrs atommodell og Vasarelys malerier?
Bohrs atommodell — en kjerne omgitt av konsentriske omløpsringer — inspirerte direkte Vasarelys hyppige bruk av nestede sirkler, ekspanderende sfærer og rytmiske geometriske rutenett gjennom hele hans karriere.
8. Hva betyr Vasarelys motto «Kunst for alle»?
Vasarely avviste elitismen i det tradisjonelle kunstmarkedet. Han mente at billedkunst burde integreres i dagliglivet og omfavnet masseproduksjon av sine optiske mønstre på klær, tekstiler, postkort og bygningsfasader.
9. Hvorfor regnes Vasarelys «Zebra» (1937) som et milepæl i kunsthistorien?
Zebra består av to sammenflettede figurer helt laget av kontrasterende svarte og hvite buede striper, uten konturer eller bakgrunn. Illusjonen av volum og bevegelse skapes utelukkende av den optiske samhandlingen mellom stripene — noe som gjør det til en av de tidligste ekte forløperne til Op Art.
10. Hvordan formet Vasarelys dagjobb som grafisk designer hans billedkunst?
Fjorten år med kommersielt grafisk arbeid krevde visuell klarhet, skarpe linjer, høy kontrast og presisjon i trykk. Dette finpusset hans tekniske ferdigheter og lærte ham å manipulere visuell vekt — noe han senere brukte for å sikre at hans optiske illusjoner var fysisk feilfrie.
11. Hva er Vasarely-stiftelsen i Aix-en-Provence?
Innviet i 1976, er Vasarely-stiftelsen et spesialdesignet arkitektonisk kompleks som huser 44 monumentale optiske installasjoner integrert direkte i veggene — og realiserer Vasarelys drøm om å bringe abstrakt geometrisk kunst inn i et permanent tredimensjonalt arkitektonisk miljø.
12. Hvordan forutser Vasarelys Plastiske Alfabet digital kunst?
Det Plastiske Alfabet fungerer akkurat som moderne dataskjermpiksler og vektorgrafikk. Tiår før personlige datamaskiner «programmerte» Vasarely effektivt sine lerreter gjennom logikk, binære strukturer og systematisk reproduksjon.
13. Hva er forskjellen mellom Op Art og kinetisk kunst?
- Kinetisk Kunst involverer faktisk fysisk bevegelse via vind, motorer eller magneter.
- Op Art involverer fysiologisk bevegelse — det statiske maleriet utløser visuell tretthet og netthinnevibrasjon i betrakterens øye, og skaper illusjonen av bevegelse.
14. Hvorfor prioriterte Vasarely «multipler» fremfor unike lerretsmalerier?
Vasarely fremmet silketrykk og industrielt produserte utgaver for å selge høykvalitets optiske verk til tilgjengelige priser, og spredte sin filosofi om «Kunst for alle» globalt.
15. Hvordan bør samlere ta vare på og bevare Victor Vasarelys originale silketrykk?
- UV-beskyttelse: Ram inn bak UV-filtrerende akryl eller glass; unngå direkte sollys.
- Fuktighetskontroll: Oppretthold 40–60 % fuktighet for å forhindre at papiret bøyer seg.
- Syrfri Innramming: Bruk kun museums-grade, syrfrie matter og bakplater.
KJØP OP-KUNST PÅ IDEELART (ET UTVALG)
