Historien bak Wassily Kandinskys Komposisjon VII

“Komposisjon VII” (1913) av Wassily Kandinsky blir ansett av mange abstrakte kunstentusiaster som det viktigste maleriet i det 20. århundre—kanskje til og med det viktigste abstrakte maleriet som noen gang er laget. Likevel, ofte når noen ser på det for første gang, reagerer de negativt, og uttrykker sinne, frustrasjon eller til og med aversjon. Uomtvistelig er det et vanskelig maleri, spesielt for de som er nye innen abstrakt kunst. For det første er det massivt, med mål på 200 x 300 centimeter. For det andre er overflaten helt dekket med utallige overlappende amorfe former, tilsynelatende tilfeldige linjer, og et minefelt av farger, noen livlige og noen uklare. Ingenting refererer til den kjente naturlige verden. Bare illusjonen av dybde er perceptibel, men rommet som det trekker seg tilbake i, har ingen likhet med virkeligheten. Maleriet kan lett se ut som nonsens for enhver som ikke er villig til å jobbe med å avdekke dets mysterier. Men for de som er villige til å studere det med et åpent sinn, kan “Komposisjon VII” gi nok intellektuelle, visuelle, og til og med åndelige utbytter til å vare en livstid. Og jeg overdriver ikke. Dette maleriet er virkelig så viktig for noen mennesker—ikke bare på grunn av dets visuelle, fysiske, eller formelle kvaliteter heller, men fordi for Kandinsky og de som setter pris på ham, har “Komposisjon VII” blitt forstått som en konkret legemliggjøring av åndelig renhet i kunst.

Stairway to Seven

Mellom årene 1910 og 1939 malte Kandinsky 10 lerreter som han ga tittelen "Komposisjon." I dag overlever bare syv av disse maleriene, de tre første ble ødelagt under første verdenskrig. Men fotografier av de tre første Komposisjonene eksisterer. Selv om de mangler fargeinformasjon, kan vi utlede noen ledetråder om essensen av den visuelle reisen Kandinsky var på mens han skapte hver enkelt. Den reisen involverte først å transformere tradisjonelle landskap og figurer til forenklede, biomorfe masser, og deretter lokke disse massene inn i former og figurer som ble mer og mer abstrakte. I "Komposisjon III," for eksempel, er formene av mennesker og dyr fortsatt gjenkjennelige, som sirkler rundt, kanskje leker eller kanskje kjemper, eller begge deler, i en slags pastoral setting. Men så i "Komposisjon IV" (1911), er formene nesten uigenkjennelige. Vi får vite av Kandinsky at i dette bildet er det figurer som ligger i nedre høyre hjørne, og to tårn som står på toppen av en bakke i øvre høyre hjørne, en scene han beskriver som samtidig krig og fred. Men det ville vært vanskelig for meg å komme til denne konklusjonen uten hans forklaring.

Wassily Kandinski - Komposisjon VI, 1913. Olje på lerret. 195 x 300 cm. Statshermitasjen

"Komposisjon V" (1911) er enda mer abstrakt, og likevel føles følelsen den uttrykker også mer intens enn i de tidligere komposisjonene. I dette maleriet relaterer formene i maleriet seg fortsatt noe til den naturlige verden, siden noe humanoide figurer og kvasi-naturlige trekk, om enn nedtonet, er spredt gjennom bildet. Nesten helt abstrakt, derimot, er "Komposisjon VI," som Kandinsky malte to år etter "Komposisjon V." Dens mest fremtredende trekk er linjene, som de seks parallelle linjene i midten av bildet som ligner nakken på en gitar. Hva dette maleriet representerer, ifølge Kandinsky, er "Flommen," som betyr den bibelske historien om Noah. Han forsøkte å destillere de emosjonelle, psykologiske og åndelige essensene av historien—ødeleggelse og skapelse; frykt og håp—til en visuell utforskning av balanse og harmoni. Om "Komposisjon VI" skrev han: "det opprinnelige motivet til maleriet (Flommen) ble oppløst og overført til den indre, rent billedlige, uavhengige og objektive eksistensen." Likevel inkluderer maleriet fortsatt klart noen figurative elementer, som knytter dets visuelle språk til den ytre verden.

Et uttrykk for indre følelser

"Komposisjon VII" anses å være så viktig fordi det er første gang Kandinsky følte at han oppnådde idealet som hans Komposisjon-serie var oppkalt etter. I de siste avsnittene av det siste kapitlet i sin banebrytende bok, Om det åndelige i kunsten, som Kandinsky publiserte i 1910, beskriver han tre forskjellige typer kunstnerisk inspirasjon. Den første, som han kaller "inntrykk," beskriver han som et direkte, kunstnerisk inntrykk av den ytre natur. Den andre, som han kaller "improvisasjon," beskriver han som "ubevisst, spontant uttrykk," lik den senere surrealistiske praksisen med automatisk tegning. Den tredje, som han kaller "komposisjon," beskriver han som "et uttrykk for en sakte dannet indre følelse, som kommer til uttrykk først etter lang modning." Når det gjelder "Komposisjon VII," er uttrykket "lang modning" nøkkelen. Da han malte "Komposisjon VII," bodde Kandinsky i München. Basert på de historiske opptegnelsene han førte på den tiden, vet vi at han planla "Komposisjon VII" i flere måneder, og laget mer enn 30 foreløpige skisser for den i forskjellige medier. Hver foreløpig skisse bygger mot et bilde som er helt fri for både "inntrykk" og "improvisasjon."

Wassily Kandinski - Komposisjon VII, 1913. Olje på lerret. 79 x 119 tommer (200,6 x 302,2 cm). Tretyakov-galleriet

Kort tid etter å ha fullført denne milepælen, ble Kandinsky tvunget av utbruddet av første verdenskrig til å returnere hjem til Russland. Depresjon over krigen gjorde at han knapt malte i det hele tatt i flere år. Det tok 10 år før han gjenopptok sin Komposisjon-serie. "Komposisjon VIII" (1923) oversetter det abstrakte bildet fra forgjengeren til et rent geometrisk visuelt språk. "Komposisjon IX," som ikke ble fullført før i 1936, er ikke rent abstrakt, men gjeninnfører ideen om "inntrykk" ved å legge til blomsterformer og annet naturlig bilde. "Komposisjon X" (1939), som ble fullført fem år før Kandinsky døde, er høyt symbolsk, og også sjokkerende moderne i utseende, selv nå. Men selv om hver av disse senere Komposisjonene, og hver av de seks som gikk foran, kan betraktes som visjonære, er det som gjør "Komposisjon VII" unik, at den ved å oppnå gjennomtenkt, metodisk, moden og total abstraksjon, oppfyller det ultimate idealet som Kandinsky prøvde å oppnå, ikke bare med denne serien, men med alle sine verk fra 1900-tallet. Det er første gang Kandinsky oppnådde med maleri det han mente musikere oppnådde med musikk: en ren oversettelse av følelser til formelle abstrakte elementer som er i stand til å uttrykke den menneskelige ånd.

Fremhevet bilde: Wassily Kandinski - Komposisjon V, 1911. Olje på lerret. 74,8 x 108,2 tommer (190 x 275 cm). Privat samling.
Alle bilder via Wikimedia Commons.
Av Phillip Barcio