Historien bak Wassily Kandinskys Komposisjon VII

“Komposisjon VII” (1913) av Wassily Kandinsky regnes av mange abstraktkunst-entusiaster som det viktigste maleriet i det 20. århundre—kanskje til og med det viktigste abstrakte maleriet som noensinne er laget. Likevel reagerer mange negativt når de ser det for første gang, med sinne, frustrasjon eller til og med avsky. Uomtvistelig er det et vanskelig maleri, spesielt for de som er nye innen abstrakt kunst. For det første er det enormt, med målene 200 x 300 centimeter. For det andre er overflaten helt dekket av utallige overlappende amorfe former, tilsynelatende tilfeldige linjer og et minefelt av farger, noen klare og noen uklare. Ingenting refererer til den kjente naturlige verden. Bare illusjonen av dybde er merkbar, men rommet det trekker seg tilbake i har ingen likhet med virkeligheten. Maleriet kan lett virke som meningsløst for den som ikke er villig til å arbeide for å avdekke dets mysterier. Men for de som er villige til å studere det med et åpent sinn, kan “Komposisjon VII” gi intellektuelle, visuelle og til og med åndelige utbytter som varer livet ut. Og jeg overdriver ikke. Dette maleriet er virkelig så viktig for noen mennesker—ikke bare på grunn av dets visuelle, fysiske eller formelle kvaliteter, men fordi “Komposisjon VII” for Kandinsky og de som setter pris på ham, har blitt forstått som en konkret legemliggjøring av åndelig renhet i kunsten.

Trappen til Sju

Mellom årene 1910 og 1939 malte Kandinsky 10 lerreter som han ga tittelen “Komposisjon.” I dag finnes bare syv av disse maleriene, de tre første ble ødelagt under første verdenskrig. Men fotografier av de tre første Komposisjonene eksisterer. Selv om de mangler fargeinformasjon, kan vi utlede noen ledetråder om essensen i den visuelle reisen Kandinsky var på da han skapte hver av dem. Den reisen involverte først å transformere tradisjonelle landskap og figurer til forenklede, biomorfe masser, og deretter å forme disse massene til former som ble mer og mer abstrakte. I “Komposisjon III,” for eksempel, er formene av mennesker og dyr fortsatt gjenkjennelige, de beveger seg rundt, kanskje leker eller kanskje slåss, eller begge deler, i et slags pastoralt miljø. Men i “Komposisjon IV” (1911) er formene nesten ugjenkjennelige. Kandinsky forteller oss at i dette bildet finnes figurer som ligger tilbakelent nederst til høyre, og to tårn som står på en høyde øverst til høyre, en scene han beskriver som samtidig krig og fred. Men det ville vært vanskelig for meg å komme til denne konklusjonen uten hans forklaring.

Wassily Kandinski - Komposisjon VI, 1913. Oljemaleri på lerret. 195 x 300 cm. State Hermitage Museum

“Komposisjon V” (1911) er enda mer abstrakt, og likevel føles følelsen den uttrykker mer intens enn i de tidligere Komposisjonene. I dette maleriet relaterer formene i maleriet seg fortsatt noe til den naturlige verden siden lett humanoide figurer og kvasi-naturlige trekk, om enn sterkt forenklet, er spredt gjennom hele bildet. Nesten helt abstrakt er imidlertid “Komposisjon VI,” som Kandinsky malte to år etter “Komposisjon V.” Dets mest fremtredende trekk er linjene, som de seks parallelle linjene midt i bildet som ligner halsen på en gitar. Det dette maleriet representerer, ifølge Kandinsky, er “flommen,” altså den bibelske historien om Noah. Han forsøkte å destillere de emosjonelle, psykologiske og åndelige essensene i historien—ødeleggelse og skapelse; frykt og håp—til en visuell utforskning av balanse og harmoni. Om “Komposisjon VI” skrev han, “det opprinnelige motivet for maleriet (flommen) ble oppløst og overført til den indre, rent billedlige, uavhengige og objektive eksistensen.” Likevel inkluderer maleriet fortsatt tydelig noen figurative elementer, som knytter dets visuelle språk til den ytre verden.

Et uttrykk for indre følelse

“Komposisjon VII” regnes som så viktig fordi det er første gang Kandinsky følte at han oppnådde idealet som hans Komposisjon-serie var oppkalt etter. I de siste avsnittene i det siste kapitlet i hans banebrytende bok, Om det åndelige i kunsten, som Kandinsky publiserte i 1910, beskriver han tre forskjellige typer kunstnerisk inspirasjon. Den første, som han kaller “inntrykk,” beskriver han som et direkte, kunstnerisk inntrykk av ytre natur. Den andre, som han kaller “improvisasjon,” beskriver han som “ubevisst, spontan uttrykk,” lik den senere surrealistiske praksisen med automatisk tegning. Den tredje, som han kaller “komposisjon,” beskriver han som “et uttrykk for en langsomt formet indre følelse, som kommer til uttrykk først etter lang modning.” Når det gjelder “Komposisjon VII,” er uttrykket “lang modning” nøkkelen. Da han malte “Komposisjon VII,” bodde Kandinsky i München. Basert på den historiske dokumentasjonen han førte på den tiden, vet vi at han planla “Komposisjon VII” i flere måneder, og laget mer enn 30 foreløpige skisser for den i ulike medier. Hver foreløpig skisse bygger mot et bilde som er helt uten både “inntrykk” og “improvisasjon.”

Wassily Kandinski - Komposisjon VII, 1913. Oljemaleri på lerret. 79 x 119 tommer (200,6 x 302,2 cm). Tretyakov-galleriet

Kort tid etter å ha fullført denne milepælen ble Kandinsky tvunget av utbruddet av første verdenskrig til å returnere hjem til Russland. Nedstemt over krigen malte han knapt noe i flere år. Det tok 10 år før han gjenopptok Komposisjon-serien. “Komposisjon VIII” (1923) oversetter den abstrakte bildespråket til sin forgjenger til et rent geometrisk visuelt språk. “Komposisjon IX,” som ikke ble fullført før i 1936, er ikke rent abstrakt, men gjeninnfører ideen om “inntrykk” ved å legge til blomsterformer og annen naturlig billedbruk. “Komposisjon X” (1939), som ble fullført fem år før Kandinsky døde, er høyst symbolsk, og også sjokkerende moderne utseende, selv i dag. Men selv om hver av disse senere Komposisjonene, og hver av de seks som kom før, kan betraktes som visjonære, er det som gjør “Komposisjon VII” spesiell at ved å oppnå gjennomtenkt, metodisk, moden og total abstraksjon, oppfyller den det ultimate idealet Kandinsky forsøkte å nå, ikke bare med denne serien, men med alle sine verk fra det 20. århundre. Det er første gang Kandinsky oppnådde med maleri det han mente musikere oppnådde med musikk: en ren oversettelse av følelser til formelle abstrakte elementer som er i stand til å uttrykke menneskets ånd.

Utvalgt bilde: Wassily Kandinski - Komposisjon V, 1911. Oljemaleri på lerret. 74,8 x 108,2 tommer (190 x 275 cm). Privat samling.
Alle bilder via Wikimedia Commons.
Av Phillip Barcio