Impasto-maling i abstrakt kunst

Kanskje er den mest symbolske bygningen i Amerika One World Trade Center i Lower Manhattan. Som midtpunktet i utviklingen som erstattet tvillingtårnene som ble ødelagt i 2001, er dens eksistens en kraftfull uttalelse. To massive, abstrakte impasto malerier som er permanent installert i lobbyen ved sørinngangen, bidrar sterkt til dens symbolikk. Bygningen kalles Frihetstårnet, og det er den høyeste bygningen på den vestlige halvkule. Den reiser seg 1776 fot: en bevisst referanse til året Amerika erklærte sin uavhengighet. De nevnte impasto-maleri som pryder veggene i sør-lobbyen, er av den amerikanske kunstneren Donald Martiny. Ett av maleriene heter Lenape, og det andre heter Unami. Titlene refererer til den pre-columbianske historien til New York. Lenape er den innfødte stammen som opprinnelig befolket grunnen der Frihetstårnet ble bygget. Unami er en Lenape-dialekt. På toppen av Frihetstårnet er det en utsiktsplattform kalt One World Observatory. Så langt øyet kan se fra observatoriet, støttet hele det omkringliggende miljøet en gang Lenape-kulturen. Så hva blir kommunisert av denne bygningen? Den ble designet for å minnes en av de verste terrorangrepene i menneskehetens historie. Den fremmer ideene om én verden, frihet, uavhengighet og handel. Den oppfordrer besøkende til å ta det lange blikket. Og dens mest fremtredende kunstverk er oppkalt etter de som ble undertrykt for å bygge nasjonen som er ansvarlig for dens skapelse. Hvilken samtale finner sted her? Hva er meningen med all denne symbolikken? Kanskje er det noe å lære av kunstverkene selv, og fra de abstrakte kvalitetene impasto maleri representerer.

Skygge og lys

Begrepet impasto kommer fra det italienske ordet for deig. I maleri refererer det til teknikken med å påføre tykke lag med medium på en overflate for å gi en teksturell dimensjon til et kunstverk. Den italienske maleren Titian fra 1500-tallet var en av de første kunstnerne kjent for å ha bevisst inkorporert impasto-teknikker i maleriene sine. Han begynte å bruke teknikken i en tid da malerier ble verdsatt for sine glatte overflater og mangel på synlige penselstrøk. En mesterlig realistisk maler, innså Titian at ved å akkumulere maling i bestemte områder på en overflate, kunne han skape variasjoner i hvordan lyset reflekterte av den, noe som ga elementene i et maleri en livaktig følelse.

Hver impasto malebørstestrøk forårsaker gradasjoner i farge som vises fra skyggene som oppstår når lyset treffer den hevede malingen. Avhengig av lysenes posisjon og betrakterens synspunkt, kan et impasto maleri skifte på subtile måter, noe som gir variasjoner i dybde og en økt følelse av realisme. I sin egen tid brøt Titian med tradisjonen ved å la penselstrøkene sine være synlige og de materielle egenskapene til mediet hans vise seg. Men han var så mesterlig i teknikken at hans innflytelse raskt fikk den til å bli populær. På 1600-tallet inkorporerte Rembrandt berømt impasto maling i verkene sine. Og på 1800-tallet var teknikken så høyt ansett at Van Gogh gjorde den til sin varemerke stil.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Abstrakte Uttrykk

Rundt århundreskiftet til det 20. århundre, var en gruppe malere kalt ekspresjonistene på jakt etter måter å uttrykke indre følelsesmessige tilstander i maleriene sine, i stedet for bare å fange ytre virkelighet. De adopterte impasto-maling som en av sine foretrukne teknikker. Tykt lagdelt maling har mange iboende kvaliteter, som vekt, dybde og tyngdekraft. Jo tykkere det påføres, desto mer skygge skaper det. Det abstraherer bilder, og forvrenger måten seerne interagerer med motivet på. Ekspresjonistene fant det ideelt for å kommunisere alvor, intensitet og drama.

Rundt samme tid som ekspresjonismen fikk økt betydning, ble abstraksjon også en voksende bekymring for mange kunstnere. Impasto-maling viste seg å være en ideell teknikk for abstrakte malere, da den hjalp til med å flytte fokuset fra motivet til de formelle kvalitetene i verket. Et abstrakt impasto-maleri trenger derfor ikke å handle om noe annet enn malingen. Hans Hofmann var en spesielt innflytelsesrik abstrakt kunstner som fullt ut omfavnet impasto-maling. Hofmann mente at ved å fokusere på de formelle elementene i estetikk i stedet for å etterligne virkeligheten, kunne kunstnere uttrykke dypere sannheter. Han brukte impasto-maling for å uttrykke de abstrakte kvalitetene av struktur, rom, farge, form og illusjon.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Skulpturelle dimensjoner

I tillegg til å være maler, var Hofmann også lærer. Mange av studentene han underviste, som Helen Frankenthaler og Lee Krasner, kona til Jackson Pollock, ble ledende skikkelser i den abstrakte ekspresjonismen. Hofmann hadde en dyp innvirkning på måten disse malerne forholdt seg til sine medier. Siden fokuset til mange abstrakte ekspresjonistiske malere var å formidle sine underbevisste følelser, og å fange på lerret følelsen og intensiteten av malerhandlingen, innprentet Hofmann i dem at de materielle kvalitetene til mediet deres burde være et nøkelelement i arbeidet deres.

Han lærte dem at, “hvert uttrykksmedium har sin egen orden av å være.” I hendene på malere som Jackson Pollock og Jane Frank, fikk impasto-maling en helt ny dimensjon, bokstavelig talt. Jane Frank bygde skulpturelle lag av medier på sine impasto-overflater. Jackson Pollock sprøytet, dryppet og helte maling i så massive mengder at den rene vekten av hans impasto-lag truet med å ødelegge støttene til verkene hans. De abstrakte ekspresjonistene utvidet videre konseptet med impasto-maling til å inkludere annet enn maling, som uvanlige medier og avfall som knust glass, steiner, sigarettstumper. Ved å legge til uvanlige materialer og medier til sine impasto-lag uttrykte disse malerne både konseptuell og fysisk dybde.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Alt om malingen

Som svar på den følelsesmessige intensiteten i Abstrakt Ekspresjonisme, falt impasto-maling ut av favoritt hos mange kunstnere på 1960- og 70-tallet, spesielt de som var assosiert med Minimalisme. Disse kunstnerne søkte å skape glatte overflater som eliminerte bevis på den individuelle kunstneren som laget verket. For å skape ultraglatte overflater vendte de seg til teknikker som flekking og spraying, og brukte mekaniserte og industrielle prosesser. Men på 1980-tallet kom kjærligheten til impasto tilbake.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

En grunn til at teknikken gjenvant sin popularitet var en reaksjon mot den oppfattede sjelløsheten i minimalisme. En annen grunn var en økende interesse for de formelle egenskapene til kunstneriske materialer. Et spesielt vellykket uttrykk for den minimalistiske estetikken var monokrommaleriet. Monokromer uttrykker ren farge og flathet. På 1980-tallet begynte malere som James Hayward og Alan Ebnother å gjenoppfinne monokromet gjennom impasto-maling. Deres impasto-monokromer omfavnet uttrykket av farge, men la til en dimensjon av fysisk tilstedeværelse og mediumsspesifisitet. Ved å eliminere den industrielle anonymiteten til minimalistiske monokromer og gjeninnføre kunstnerens preg, omprioriterte de følelser og personlighet, og brakte fornyet oppmerksomhet til de essensielle egenskapene til maling.

James Hayward - Abstrakt 31, 2001. Olje på lerret på plate. 30 x 28 tommer. © James Hayward (Venstre) og Asymmetrisk Chromachord 38, 2009. Olje på lerret på trepanel. © James Hayward (Høyre)

Beyond Dough

Når vi ser tilbake på historien til impasto-maling, er det klart at teknikken bærer med seg en rekke abstrakte assosiasjoner. I sine tidligste dager tok den det utenkelige steget å ikke skjule det faktum at et kunstverk var laget av maling. I den forstand knuste den illusjonen. Den tjente senere til å fremheve de subtile og ofte skiftende forskjellene mellom mørke og lys. I modernismens tid ble impasto-maling en måte å uttrykke dype følelser og primale sanseligheter fra det underbevisste sinnet. Og i sin samtidige bruk har den blitt et uttrykk for kraften og enkelheten i den kunstneriske gesten selv. Så hva kan vi fastslå om samtalen som finner sted mellom One World Trade Center og de abstrakte impasto-maleri av Donald Martiny som opptar lobbyen? 

Selv om disse maleriene ser ut til å være massive impasto penselstrøk, ble de faktisk laget med stor omhu i en arbeidskrevende prosess, der Martini heller, drypper og smører lag etter lag med medium, noen ganger med bare hendene. De uttrykker hardt arbeid, tilpasning, tålmodighet, visjon og styrken som ligger i den forsiktige oppbyggingen av lag over tid. I tillegg, som alle impasto-malerier, symboliserer Lenape og Unami også knusingen av illusjoner, den utviklende naturen av mørke og lys, omfanget av emosjonell og fysisk dybde, og de primale realitetene i den underbevisste menneskelige sjelen. Betraktet fra dette perspektivet blir de mer enn estetiske objekter, og mer enn symbolske gester. De blir de perfekte abstrakte representantene for sitt medium, sitt miljø, sine navnebrødre, sin historie og sin tid.

Fremhevet bilde: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio