Impasto-maling i abstrakt kunst

Kanskje det mest symbolske bygget i Amerika er One World Trade Center i Lower Manhattan. Som midtpunktet i utviklingen som erstattet tvillingtårnene som ble ødelagt i 2001, er dets eksistens i seg selv et sterkt budskap. To massive, abstrakte impasto malerier som er permanent installert i lobbyen ved den sørlige inngangen, bidrar sterkt til symbolikken. Bygget har kallenavnet Frihetstårnet, og det er det høyeste bygget på den vestlige halvkule. Det stiger 1776 fot: en bevisst henvisning til året Amerika erklærte sin uavhengighet. De nevnte impasto-maleriene som pryder veggene i den sørlige lobbyen, er laget av den amerikanske kunstneren Donald Martiny. Ett av maleriene heter Lenape, og det andre heter Unami. Titlene refererer til New Yorks førkolumbianske historie. Lenape er den opprinnelige stammen som bodde på området hvor Frihetstårnet ble bygget. Unami er en dialekt av Lenape. På toppen av Frihetstårnet er det en utsiktsplattform kalt One World Observatory. Så langt øyet kan se fra observatoriet, støttet hele det omkringliggende miljøet en gang Lenape-kulturen. Hva formidler dette bygget? Det ble designet for å minnes et av de verste terrorangrepene i menneskehetens historie. Det fremmer ideene om én verden, frihet, uavhengighet og handel. Det oppmuntrer besøkende til å se det store bildet. Og de mest fremtredende kunstverkene er oppkalt etter dem som ble undertrykt for å bygge nasjonen som er ansvarlig for dets skapelse. Hvilken samtale foregår her? Hva betyr all denne symbolikken? Kanskje det er noe å lære av kunstverkene selv, og av de abstrakte egenskapene impasto maleri representerer.

Skygge og Lys

Begrepet impasto kommer fra det italienske ordet for deig. I malerkunsten refererer det til teknikken med å påføre tykke lag med maling på en overflate for å gi kunstverket en taktil dimensjon. Den italienske maleren Titian fra 1500-tallet var en av de første kunstnerne som med vilje innlemmet impasto-teknikker i sine malerier. Han begynte å bruke teknikken i en tid da malerier ble verdsatt for sine jevne overflater og fravær av synlige penselstrøk. Som en mester i realistisk maleri forsto Titian at ved å samle maling i visse områder på en overflate, kunne han skape variasjoner i hvordan lyset reflekteres, noe som ga elementer i maleriet et livaktig preg.

Hvert penselstrøk i et impasto-maleri skaper nyanser i farge som oppstår fra skyggene når lyset treffer den opphøyde malingen. Avhengig av lyssetting og betrakterens synsvinkel kan et impasto-maleri endre seg på subtile måter, og tilføre variasjoner i dybde og en forsterket følelse av realisme. I sin egen tid brøt Titian med tradisjonen ved å la penselstrøkene være synlige og materialegenskapene til malingen komme til uttrykk. Men han var så dyktig i teknikken at hans innflytelse gjorde at den raskt ble populær. På 1600-tallet brukte Rembrandt impasto-maling i sine verk. Og på 1800-tallet ble teknikken så anerkjent at Van Gogh gjorde den til sitt varemerke.

Van Gogh - Stjernenatt, 1889. Olje på lerret. 74 x 92 cm. MoMA-samlingen. © Van Gogh (Venstre) og detalj (Høyre)

Abstrakte uttrykk

Rundt århundreskiftet til 1900-tallet søkte en gruppe malere kalt ekspresjonistene etter måter å uttrykke indre følelsesmessige tilstander i sine malerier, i stedet for bare å gjengi ytre virkelighet. De tok i bruk impasto-maling som en av sine foretrukne teknikker. Tykt lag med maling har mange iboende egenskaper, som tyngde, dybde og tyngdekraft. Jo tykkere det påføres, desto mer skygge skapes. Det abstraherer bilder, og forvrenger hvordan betraktere oppfatter motivet. Ekspresjonistene fant det ideelt for å formidle alvor, intensitet og drama.

Rundt samme tid som ekspresjonismen vokste i betydning, ble også abstraksjon et økende fokus for mange kunstnere. Impasto-maling viste seg å være en ideell teknikk for abstrakte malere fordi det hjalp til med å flytte fokus bort fra motivet og over på de formale kvalitetene i verket. Et abstrakt impasto-maleri trenger derfor ikke å handle om noe annet enn malingen. Hans Hofmann var en særlig innflytelsesrik abstrakt kunstner som fullt ut omfavnet impasto-maling. Hofmann mente at ved å fokusere på de formale estetiske elementene i stedet for å etterligne virkeligheten, kunne kunstnere uttrykke dypere sannheter. Han brukte impasto-maling for å uttrykke de abstrakte kvalitetene struktur, rom, farge, form og illusjon.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Olje på lin. 101,6 x 127 cm. Privat samling.  Med tillatelse fra Tom Powel Imaging (Venstre) og maleridetalj (Høyre)

Skulpturelle dimensjoner

I tillegg til å være maler, var Hofmann også lærer. Mange av studentene han underviste, som Helen Frankenthaler og Lee Krasner, kona til Jackson Pollock, ble ledende skikkelser i den abstrakte ekspresjonistbevegelsen. Hofmann hadde stor innflytelse på hvordan disse malerne forholder seg til sine materialer. Siden mange abstrakte ekspresjonistmalere ønsket å formidle sine underbevisste følelser og fange malingsaktenes følelser og intensitet på lerret, lærte Hofmann dem at materialegenskapene til mediet deres skulle være et sentralt element i arbeidet.

Han lærte dem at, «hvert uttrykksmedium har sin egen orden av væren.» I hendene på malere som Jackson Pollock og Jane Frank tok impasto-maling en helt ny dimensjon, bokstavelig talt. Jane Frank bygde skulpturelle lag av medier på sine impasto-overflater. Jackson Pollock sprutet, dryppet og helte maling i så store mengder at vekten av hans impasto-lag truet med å ødelegge underlaget for verkene hans. De abstrakte ekspresjonistene utvidet dessuten konseptet impasto-maling til å inkludere annet enn maling, som uvanlige medier og avfall som knust glass, steiner og sigarettsneiper. Ved å tilføre uvanlige materialer og medier til sine impasto-lag uttrykte disse malerne både konseptuell og fysisk dybde.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Olje og sparkel på lerret. 178 x 127 cm. © Jane Frank

Alt handler om malingen

Som en reaksjon på den følelsesmessige intensiteten i abstrakt ekspresjonisme falt impasto-maling ut av moten hos mange kunstnere på 1960- og 70-tallet, særlig blant dem som var knyttet til minimalismen. Disse kunstnerne søkte å skape jevne overflater som fjernet spor av den enkelte kunstneren som laget verket. For å lage ultrajevne overflater tok de i bruk teknikker som farging og sprøyting, og brukte mekaniserte og industrielle prosesser. Men på 1980-tallet kom kjærligheten til impasto tilbake.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Olje på lin. 71,8 x 71,8 cm. Med tillatelse fra George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

En grunn til at teknikken fikk sin popularitet tilbake, var en reaksjon mot minimalismens oppfattede sjelløshet. En annen grunn var en økende interesse for de formale kvalitetene i kunstneriske materialer. Et særlig vellykket uttrykk for minimalismens estetikk var det monokrome maleriet. Monokromer uttrykker ren farge og flathet. På 1980-tallet begynte malere som James Hayward og Alan Ebnother å gjenoppfinne det monokrome gjennom impasto-maling. Deres impasto-monokromer omfavnet fargeuttrykket, men tilføyde en dimensjon av fysiskhet og mediespesifisitet. Ved å fjerne minimalismens industrielle anonymitet og gjeninnføre kunstnerens preg, prioriterte de følelser og personlighet på nytt, og brakte fornyet oppmerksomhet til malingens essensielle kvaliteter.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Olje på lerret på plate. 76 x 71 cm. © James Hayward (Venstre) og Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Olje på lerret på treplate. © James Hayward (Høyre)

Bortenfor Impasto

Når vi ser tilbake på impasto-malingens historie, er det tydelig at teknikken bærer med seg en rekke abstrakte assosiasjoner. I sine tidligste dager tok den det uvanlige steget å ikke skjule at et kunstverk var laget av maling. På den måten brøt den illusjonen. Senere tjente den til å fremheve de subtile og ofte skiftende forskjellene mellom mørke og lys. I modernismens tid ble impasto-maling en måte å uttrykke dyp følelse og de grunnleggende sansene i underbevisstheten. Og i sin samtidige bruk har den blitt et uttrykk for kraften og enkelheten i selve den kunstneriske gesten. Så hva kan vi forstå om samtalen som foregår mellom One World Trade Center og de abstrakte impasto-maleriene av Donald Martiny som fyller lobbyen?

Selv om disse maleriene ser ut som massive impasto-penselstrøk, ble de faktisk laget med stor nøyaktighet i en arbeidskrevende prosess, der Martiny heller, drypper og smører lag på lag med medium, noen ganger med bare hendene. De uttrykker hardt arbeid, tilpasning, tålmodighet, visjon og styrken som ligger i å bygge opp lag over tid. Utover det, som alle impasto-malerier, symboliserer Lenape og Unami også bruddet med illusjoner, den stadig skiftende naturen av mørke og lys, bredden av følelsesmessig og fysisk dybde, og de grunnleggende realitetene i den underbevisste menneskesinnet. Sett fra dette perspektivet blir de mer enn estetiske objekter og mer enn symbolske gester. De blir de perfekte abstrakte representantene for sitt medium, sitt miljø, sine navnebrødre, sin historie og sin tid.

Utvalgt bilde: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio