Optisk Illusjonskunst Som Markerte Det 20. Århundre

Virkeligheten er ikke alltid fast; eller i det minste kan det virke slik for menneskesinnet. Det vi tror på, er til en viss grad basert på det vi oppfatter, men det vi oppfatter, bestemmes også noen ganger av det vi tror på. Optisk illusjon kunst, eller Op Kunst for kort, er en estetisk stil som med vilje utnytter den merkelige egenskapen ved menneskelig oppfatning som gir det menneskelige øyet evnen til å bedra hjernen. Ved å manipulere mønstre, former, farger, materialer og figurer, streber Op-kunstnere etter å skape fenomener som lurer øyet, og forvirrer betraktere til å se mer enn det som faktisk er der. Og siden tro kan være like innflytelsesrik som fakta, stiller Op-kunst spørsmålet om hva som betyr mest: oppfatning eller sannhet.

En kort historie om optisk illusjonskunst

Op-kunst har sine røtter i en teknikk kalt trompe-l'œil, som er fransk for lure øyet. De tidligste referansene til slike tendenser i kunsten går tilbake til oldtiden, da gamle greske kunstnere forsøkte å lage malerier så realistiske at folk bokstavelig talt ble lurt til å tro at bildene var ekte. Teknikken har siden gått inn og ut av moten mange ganger gjennom århundrene, og nådde sitt høydepunkt på 1800-tallet med trompe-l'œil-malerier som Escaping Criticism, malt i 1874 av Pere Borrell del Caso, som viser et hyperrealistisk bilde av et barn som klatrer ut av en billedramme.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Olje på lerret. Samling Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men selv om Op-kunst også er ment å lure øyet, er det ikke det samme som hyperrealistisk kunst. Faktisk er Op-kunst slik vi kjenner den i dag oftere abstrakt, og bygger på geometriske komposisjoner for å overbevise øyet om at uvirkelige former og romlige plan eksisterer. Den første abstrakte teknikken som var laget for å lure øyet, ble kalt Pointillisme. I stedet for å blande farger på forhånd, plasserte pointillistiske malere ublandede farger ved siden av hverandre på et lerret, og skapte illusjonen av solide fargeflater. Når disse maleriene ses på avstand, ser det ut som om fargene er blandet. Georges Seurat oppfant Pointillisme og mestret effekten med malerier som Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Olje på lerret. Totalt: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 tommer), innrammet: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 tommer). Samling av herr og fru Paul Mellon

Abstrakte illusjoner

Konseptet bak Pointillisme ga til slutt opphav til mange andre teknikker ettersom kunstnere søkte måter å lure sinnet til å fullføre et bilde. Det inspirerte divisjonismen til de italienske futuristene, og de firedimensjonale planene i kubismen. Men den mest vellykkede anvendelsen kom da det ble kombinert med estetikken i geometrisk abstraksjon, slik som i det abstrakte geometriske etsningen Structural Constellation, malt i 1913 av Josef Albers.

Ifølge hans egne uttalelser forsøkte Albers ikke å lage en optisk illusjon med dette verket. Han var opptatt av enkle komposisjonseksperimenter angående oppfatningen av linjer og former på en todimensjonal flate. Likevel oppdaget han at oppsettet av linjer, former og farger på en flate faktisk kan endre måten sinnet oppfatter hva som er virkelig. Og selv om han ikke med vilje prøvde å lure betrakterne med sine verk, brukte han likevel et helt liv på å undersøke disse effektene.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. Hvite linjer etset i svart bakgrunn på tre. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Sebraer og sjakkbrett

Victor Vasarely, en samtid av Albers, gjorde derimot en bevisst innsats for å finne måter å lure betraktere med sin kunst. Vasarely var like mye en vitenskapsmann som en maler, og han var spesielt interessert i hvordan disse to områdene kom sammen for å påvirke oppfatningen. Allerede på 1920-tallet hadde kunstneren lært at gjennom manipulering av linjer alene kunne han fullstendig forvrenge en todimensjonal flate på en måte som lurte sinnet til å oppfatte den som tredimensjonalt rom.

Et motiv Vasarely vendte tilbake til gjentatte ganger i sitt arbeid, var sebraen. Stripene til dette dyret tjener faktisk til å lure naturlige rovdyr som ikke kan avgjøre hvilken retning dyret løper på grunn av samspillet mellom de svarte og hvite stripene og omgivelsene. Da han avdekket hemmelighetene bak dette fenomenet, brukte han dem i mer komplekse geometriske komposisjoner, og på 1960-tallet skapte han en signaturstil som inspirerte det som i dag regnes som den modernistiske Op-kunstbevegelsen.

Victor Vasarely - Sebra, 1938. © Victor Vasarely

Svart og hvitt

En av de mest kjente optiske illusjonskunstnerne på 1900-tallet var den britiske kunstneren Bridget Riley, som var direkte inspirert av Victor Vasarelys arbeid. Riley studerte ved Royal College of Art tidlig på 1950-tallet. Hennes tidlige arbeid var figurativt, men etter å ha tatt jobb som illustratør i et reklamebyrå ble hun mer interessert i å skape visuelle illusjoner. Hun begynte å undersøke Pointillisme, deretter Divisjonisme, og utviklet til slutt sin egen signaturstil innen Op-kunst, basert hovedsakelig på svart-hvitt geometrisk abstraksjon.

Riley var så dyktig til å skape optiske illusjoner i sitt arbeid at betraktere noen ganger rapporterte om følelser av sjøsyke eller bevegelsessyke når de så på maleriene hennes. Dette fenomenet fascinerte Riley, som ble overbevist om at grensen mellom oppfatning og virkelighet faktisk er ganske skjør, og at en tro forårsaket av en illusjon faktisk kan gi reelle konsekvenser i den fysiske verden. Riley sa: «Det var en tid da meningene var klare og virkeligheten kunne fastsettes; da den slags tro forsvant, ble ting usikre og åpne for tolkning.»

Bridget Riley foran et av sine store, hypnotiske Op-kunstmalerier, © Bridget Riley

Det responsive øyet

Høydepunktet for den modernistiske Op-kunstbevegelsen kom med en utstilling kalt The Responsive Eye som turnerte i USA i 1965. Denne utstillingen viste mer enn 120 kunstverk av dusinvis av kunstnere som representerte et bredt spekter av estetiske retninger. Utstillingen inkluderte de svært illusoriske verkene til Victor Vasarely og Bridget Riley, samt mer dempede geometriske abstraksjonister som Frank Stella og Alexander Liberman, og kinetiske skulpturer av kunstnere som Wen-Ying Tsai og Carlos Cruz-Diez.

Også med i The Responsive Eye-gruppen var skulptøren Jesús Rafael Soto, som kanskje tok Op-kunst lengst inn i tredimensjonal oppfatning med en serie verk kalt Penetrables. Disse interaktive skapningene består av hundrevis av delvis malte, hengende plastikkrør som betraktere kan gå gjennom. Når de ikke forstyrres, gir de en slående illusjon av at en konkret form svever i rommet. Men når tilskuere fysisk samhandler med skulpturene, oppløses illusjonen, og gir oppfatningen av at en konkret virkelighet faktisk kan bøyes og endres av menneskelig berøring.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op-kunstens arv

Velsignelsen og forbannelsen med Op-kunst er dens popularitet. Da bevegelsen sto på sitt høyeste på 1960-tallet, mislikte mange kritikere den fordi bildene ble grådig tatt i bruk av produsenter av kitsch-varer som t-skjorter, kaffekopper og plakater. Men for kunstnere som Victor Vasarely og Jesús Rafael Soto var nettopp dette poenget.

Disse skapende mente at verdien av et kunstverk bestemmes av i hvilken grad en betrakter kan delta i fullføringen av det. De laget estetiske fenomener som tilpasser seg hver nye betrakter, og skaper ubegrensede tolkningsmuligheter. Det faktum at kunsten deres ble konsumert i stor skala, var helt i tråd med deres idé, som er at det ikke skal være noen barriere mellom mennesker og kunst, og at de barrierene som synes å eksistere, bare finnes i vår oppfatning.

Utvalgt bilde: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på lerret. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio