Optisk Illusjonskunst Som Markerte Det 20. Århundre

Virkeligheten er ikke alltid fast; eller i det minste kan det virke slik for det menneskelige sinnet. Hva vi tror er basert i noen grad på hva vi oppfatter, men hva vi oppfatter er også noen ganger bestemt av hva vi tror. Optisk illusjon kunst, eller Op kunst for kort, er en estetisk stil som bevisst utnytter den merkelige egenskapen ved menneskelig persepsjon som gir det menneskelige øyet evnen til å bedra den menneskelige hjernen. Ved å manipulere mønstre, former, farger, materialer og former, streber Op-kunstnere etter å skape fenomener som lurer øyet, og forvirrer seerne til å se mer enn det som faktisk er der. Og siden tro kan være like innflytelsesrik som fakta, stiller Op-kunst spørsmålet om hva som betyr mest: persepsjon eller sannhet.

En kort historie om optisk illusjonskunst

Op Art har sine røtter i en teknikk kalt trompe-l'œil, som er fransk for lure øyet. De tidligste referansene til slike tendenser i kunsten går tilbake til antikken, da antikke greske kunstnere forsøkte å lage malerier så realistiske at folk bokstavelig talt ble lurt til å tro at bildene deres var ekte. Teknikken har deretter vært inne og ute av moten mange ganger gjennom århundrene, og nådde sitt høydepunkt på 1800-tallet med trompe-l'œil malerier som Escaping Criticism, malt i 1874 av Pere Borrell del Caso, som viser et hyper-realistisk bilde av et barn som klatrer ut av en ramme.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men selv om det også var ment å lure øyet, er Op Art ikke det samme som hyper-realistisk kunst. Faktisk er Op Art, som vi kjenner det i dag, oftere abstrakt, og er avhengig av geometriske komposisjoner for å overbevise øyet om at uvirkelige former og romlige plan eksisterer. Den første abstrakte teknikken som ble designet for å lure øyet, ble kalt Pointillisme. I stedet for å blande farger på forhånd, plasserte pointillistiske malere umalte farger ved siden av hverandre på et lerret, og skapte illusjonen av solide fargefelt. Når disse maleriene blir sett på avstand, ser det ut som om fargene er blandet. Georges Seurat oppfant Pointillisme og mestret effekten med malerier som Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstrakte illusjoner

Konseptet som ligger til grunn for Pointillism ga til slutt opphav til mange andre teknikker ettersom kunstnere søkte etter måter å lure sinnet til å fullføre et bilde. Det inspirerte Divisionism til de italienske futuristene, og de firedimensjonale planene til Kubisme. Men dens mest vellykkede anvendelse kom når den ble kombinert med estetikken til geometrisk abstraksjon, som med den abstrakte geometriske etsningen Strukturell Konstellasjon, malt i 1913 av Josef Albers.

Ifølge hans egne uttalelser, prøvde Albers ikke å lage en optisk illusjon med dette verket. Han var engasjert i enkle komposisjonelle eksperimenter angående oppfatningen av linjer og former på en to-dimensjonal overflate. Likevel oppdaget han at arrangementet av linjer, former og farger på en overflate faktisk kan endre måten sinnet oppfatter det som er virkelig. Og selv om han ikke bevisst prøvde å lure seerne med verkene sine, brukte han likevel et liv på å undersøke disse effektene.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebraer og sjakkbrett

Victor Vasarely, en samtidige av Albers, engasjerte seg imidlertid i en bevisst innsats for å finne måter å bedra seerne med kunsten sin. Vasarely var like mye en vitenskapsmann som han var en maler, og han var spesielt interessert i hvordan disse to bestrebelsene kom sammen for å påvirke oppfatningen. Så tidlig som på 1920-tallet hadde kunstneren lært at gjennom manipulering av linje alene kunne han fullstendig forvrenge en todimensjonal overflate på en måte som lurte sinnet til å oppfatte den som tredimensjonalt rom.

Et tema Vasarely gjentatte ganger vendte seg til i sitt arbeid var zebraen. Stripene til dette dyret tjener faktisk til å lure naturlige rovdyr som ikke kan se hvilken retning dyret løper i på grunn av samspillet mellom de svarte og hvite stripene og omgivelsene. Da han låste opp hemmelighetene bak dette fenomenet, anvendte han dem på mer komplekse geometriske komposisjoner, og på 1960-tallet skapte han en signaturstil som inspirerte det som i dag anses å være den modernistiske Op Art-bevegelsen. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Svart og hvit

En av de mest kjente optiske illusjonskunstnerne fra 1900-tallet var den britiske kunstneren Bridget Riley, som var direkte inspirert av arbeidet til Victor Vasarely. Riley studerte ved Royal College of Art tidlig på 1950-tallet. Hennes tidlige arbeid var figurativt, men etter å ha fått jobb som illustratør i et reklamebyrå ble hun mer interessert i å skape visuelle illusjoner. Hun begynte å undersøke pointillisme og deretter divisjonisme, og utviklet til slutt sin egen signaturstil innen Op Art, basert primært på svart-hvitt geometrisk abstraksjon.

Riley var så suksessfull i å skape optiske illusjoner i arbeidet sitt at seerne noen ganger rapporterte om å oppleve følelser av sjøsyke eller bevegelsessyke når de så på maleriene hennes. Dette fenomenet fascinerte Riley, som ble overbevist om at grensen mellom oppfatning og virkelighet faktisk er ganske skjør, og at en tro forårsaket av en illusjon faktisk kunne manifestere reelle konsekvenser i den fysiske verden. Sa Riley, “Det var en tid da betydninger var fokuserte og virkeligheten kunne være fast; når den typen tro forsvant, ble ting usikre og åpne for tolkning.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Det responsive øyet

Høyden av den modernistiske Op Art-bevegelsen kom med en utstilling kalt The Responsive Eye som turnerte i USA i 1965. Denne utstillingen inneholdt mer enn 120 kunstverk av dusinvis av kunstnere som representerte et bredt spekter av estetiske posisjoner. Utstillingen inkluderte de høyt illusjonistiske verkene til Victor Vasarely og Bridget Riley, samt mer dempede geometriske abstraksjonister fra kunstnere som Frank Stella og Alexander Liberman, og kinetiske skulpturer fra kunstnere som Wen-Ying Tsai og Carlos Cruz-Diez.

Også inkludert i The Responsive Eye-gruppen var skulptøren Jesús Rafael Soto, som utvilsomt tok Op Art lengst inn i området for tredimensjonal persepsjon med et verk kalt Penetrables. Disse interaktive skapelsene består av hundrevis av delvis malte, hengende plasttuber som seerne kan gå gjennom. Når de ikke blir forstyrret, presenterer de en slående illusjon av at en konkret form svever i rommet. Men når tilskuere fysisk interagerer med skulpturene, oppløses illusjonen, noe som gir inntrykk av at en konkret virkelighet faktisk kan bli forvrengt og endret av menneskelig berøring.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op Art Legacy

Velsignelsen og forbannelsen til Op Art er dens popularitet. Da bevegelsen var på sitt høydepunkt på 1960-tallet, avskydde mange kritikere den fordi bildene dens ble appropriert grådig av produsenter av kitsch-varer som t-skjorter, kaffekopper og plakater. Men for kunstnere som Victor Vasarely og Jesús Rafael Soto, var det nettopp poenget.

Disse kreative trodde at verdien av et kunstverk bestemmes av graden av deltakelse en seer kan ha i dets fullføring. De laget estetiske fenomener som tilpasser seg hver ny seer, og skaper ubegrensede tolkningsmuligheter. Det faktum at kunsten deres ble konsumert på masseplan var helt i tråd med deres konsept, som er at det ikke bør være noen barrierer mellom mennesker og kunst, og at uansett hvilke barrierer som ser ut til å eksistere, kun eksisterer i vår oppfatning.

Fremhevet bilde: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på lerret. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio