Paul Nash og Historie Innenfor Det Abstrakte

Den britiske maleren Paul Nash nevnes vanligvis ikke i samtaler om abstraksjon. Men hans modernistiske, til tider surrealistiske bilder avslører glimt av de dype abstrakte begrepene som ofte skjuler seg åpenlyst i naturen. Hans kunstnerskap, som strekker seg fra like før første verdenskrig til like etter andre verdenskrig, inneholdt det man kan kalle et konservativt abstrakt språk. I stedet for å bygge på ren abstraksjon eller utforske formelle abstrakte elementer som farge, linje eller lys, forankret han sitt arbeid i det klassiske, figurative landskapet i håp om å etablere en bredere definisjon av hva abstraksjon kunne være. Han ønsket at maleriene hans skulle vekke tanker; ikke om landskap, men om de eldgamle, evige forholdene mellom tidens, naturens, menneskehetens, kulturens, livets og dødens krefter.

Tidlige kriser

I 1910 begynte Paul Nash som student ved Slade School of Art, hvor han raskt ble knyttet til en gruppe unge kunstnere som akademiet samlet kalte sin Andre Krise av Glans. De hadde en sjelden kombinasjon av eksepsjonelt talent, åpenhet for europeisk modernisme og vilje til å eksperimentere, noe som satte dem i opposisjon til skolens læreplan og lærernes evner. Nash og de andre var den entusiastiske modernistiske forposten i en kultur som ikke ønsket noe med fornyelse å gjøre.

Som en pågående retrospektiv utstilling av Paul Nash ved Tate viser, virker ikke arbeidet han laget på den tiden så truende i dag. Han malte engelske landskap, og forsøkte å fange det han kalte deres genius loci, eller stedets ånd. Han var fascinert av de urgamle megalittene som prydet det engelske landskapet, og så på dem som uttrykk for det eldgamle forholdet mellom mennesker og natur. Kanskje det truende var at han ikke bare var interessert i å kopiere naturen, men også i å uttrykke de større abstrakte budskapene som lå i den.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, London

En fryktelig ny verden

Fire år etter at han begynte på kunstskolen, ble Nash, sammen med hele sin generasjon, avbrutt i sin fremtid av utbruddet av første verdenskrig. Nash meldte seg frivillig til Artists Rifles, et hjemlig regiment opprettet i 1859 og bestående hovedsakelig av kunstnere som hadde sverget å forsvare hjemlandet. Men etter hvert som krigen trakk ut, ble han sendt til Vestfronten, hovedkampområdet på det europeiske fastlandet. Det var der, som fenrik, at Nash fikk oppleve krigens redsler på nært hold.

Tilfeldigvis falt Nash i en skyttergrav og brakk et ribbein tre måneder etter ankomst til fronten. Mens han kom seg i London, ble regimentet hans angrepet og nesten fullstendig utslettet. Dypt preget av alt han hadde sett, bestemte han seg for å gjøre det han kunne for å få slutt på krigen. Mens han fortsatt var under rekonvalesens, holdt han en utstilling med bilder han hadde laget av ødeleggelsene ved fronten. De var sjokkerende for mange som ikke hadde noen forestilling om krigens brutalitet og ødeleggelse. Verkene gjorde så sterkt inntrykk at da han var friskmeldt, ble han sendt tilbake til fronten som offisiell krigskunstner. Han tilbrakte resten av krigen med å male detaljerte bilder av ødeleggelsene i håp om å påvirke folket til å få slutt på kampene.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, London

Å omdefinere abstraksjon

Krigsmaleriene Nash laget er skarpt realistiske. Likevel har de, utover sitt figurative innhold, utvilsomme konseptuelle lag. For eksempel viser maleriet Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917 på overflaten et rent realistisk bilde av noen få soldater i en krigsskadet natur. Men den pastellfargede paletten, fuglene som flyr tankefullt over hodet, og de myke hvite skyene som uskyldig driver forbi, antyder den dype tanken om at mens mennesker midlertidig kan ødelegge naturen, vil Naturen med stor N overleve vår vrede og fortsette etter at vi er borte.

I sine senere krigsbilder begynte Nash å eksperimentere med å redusere de visuelle elementene i naturen, og forenkle dem til enklere former og figurer. Selv om han aldri gikk over til ren abstraksjon, så han at ved å redusere visse deler av sitt visuelle språk kunne han knytte seg til noe universelt, utover det figurative. Om denne utviklingen sa han: “Jeg skjelner blant naturfenomener tusen former som med fordel kunne løses opp i det abstrakte forvandlingssmeltedigel.” Likevel sa han, “Jeg finner at jeg fortsatt trenger delvis organiske trekk for å lage mitt faste konseptuelle bilde.”

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, London

Unit One-gruppen

Da krigen var over, hadde Nash blitt berømt i Storbritannia for sine krigsmalerier. Det var ikke de abstrakte elementene folk flest reagerte på. Han ble heller beundret for å vise den faktiske ødeleggelsen, som en journalist. Plaget av krigens psykiske og fysiske følger trakk han seg tilbake til landsbygda hvor han forsøkte å lege seg både fysisk og åndelig. Han vendte tilbake til figurativ landskapsmaling og lot seg oppsluke av dens beroligende kraft. Men etter hvert som han kom seg, ble han mer opptatt av et problem han oppfattet i britisk kultur: dens uvillighet til å omfavne og forstå den dypere betydningen av moderne kunstretninger.

For å engasjere det britiske publikum direkte, dannet Nash en avantgardistisk kunstnergruppe kalt Unit One. Tolv andre arkitekter, malere og billedhuggere sluttet seg til ham, blant dem Ben Nicholson, Henry Moore og Barbara Hepworth. Gruppen holdt én utstilling. Verkene Nash viste der er blant hans mest abstrakte. De viser modernistiske former som blander seg med naturlige omgivelser i mystiske, nesten surrealistiske komposisjoner. Selv om det var et kortvarig eksperiment, fikk Unit One publikum til å legge merke til det, og dets innflytelse på britisk modernisme merket man straks.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, London

Abstrakt figurativ historie

På høyden av sin berømmelse ble Paul Nash igjen innkalt som krigskunstner, denne gangen under andre verdenskrig. Maleriene han laget av denne konflikten er blant hans mest kjente verk. De viser en moden kombinasjon av de mange påvirkningene som preget hans karriere. De viser figurative landskap, reduserte former og uhyggelige sammensetninger av nesten surrealistiske objekter og vesener. De reiser spørsmål om forholdet mellom maskiner, mennesker og natur. De skildrer krigens ødeleggelser, samtidig som de antyder at naturen alltid vil bestå.

Når vi ser tilbake på hans samlede verk, kan vi se at Paul Nash aldri bare malte realistiske landskap av bestemte steder i tid. Han malte også landskapet i sitt sinn, som legemliggjort i naturens ro og dødens grufulle skjønnhet. Han fanget ofte genius loci, stedets ånd, selv når denne ånden var utvetydig ond. Men som han en gang sa, “for å finne, må du kunne oppfatte. Det finnes steder, akkurat som det finnes mennesker og ting, hvor forholdet mellom delene skaper et mysterium.” Et sted i hans bilder av liv og død, av moderne levninger side om side med levninger fra svunne sivilisasjoner, skapes en mystisk forbindelse; en som minner oss om at historien fantes før oss og vil vare etter oss, og at selv om vi er en del av naturen, kan vi ikke overvinne den; tvert imot, den venter alltid på å overvinne oss.

Utvalgt bilde: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, London
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio