Alberto Burri og transformasjonen av materialer

Hvis vi sier at et kunstverk har mening, antyder det at vi tror mening eksisterer. Men hvis mening eksisterer, burde ikke livet selv være den mest meningsfulle tingen? Tross alt, det er bare fordi vi er i live at vi kan nyte å gruble over meningen med andre ting. Alberto Burri ble en kunstner i en tid med paradokser angående mening. Han begynte å male som krigsfange under andre verdenskrig. Han hadde vært lege før krigen, og tjenestegjorde i frontlinjen i den italienske infanteriet, og som sådan hadde han vært vitne til den konklusjonen sivilisasjonen åpenbart hadde kommet til angående den tilsynelatende meningsløsheten av menneskeliv. Likevel, samtidig kastet kunstnere i Europa og Amerika seg hodestups inn i uttrykksformer som utelukkende handlet om personlig mening: ubevisst mening, psykologisk mening, skjult mening og universell mening. På en eller annen måte holdt samfunnet to motsatte tanker: at en levende ting kan ha så lite mening at den kan bli bortkastet i krig, og at en livløs gjenstand kan besitte så mye mening at den kan bli uvurderlig. Burris arbeid, i det minste delvis, adresserer hans følelser om hva som bør og har mening. Ved å vurdere det nøye kan vi kanskje komme til noe av det denne unike kunstneren avdekket; sannheter som kan øke vår forståelse av abstrakt kunst og oss selv.

Alberto Burris Røtter

I en forstand, uten krig ville kanskje Alberto Burri ikke blitt en kunstner. Han ville i stedet blitt en landsbylege. Burri ble født i en liten by i Umbria, Italia, i 1915, av en far som solgte vin og en mor som underviste. Landskapet i hans hjemland er idyllisk. Dets landskap skulle etter hvert bli tema for mange av Burris første malerier, de han lærte seg å male som amerikansk krigsfange i Texas. I 1940 ble Burri uteksaminert fra universitetet med en medisinsk grad. Han hadde nettopp begynt å praktisere som lege da Italia senere samme år gikk inn i andre verdenskrig. Burri ble innkalt til infanteriet. I nesten tre år kjempet han som frontsoldat i Nord-Afrika, og han tjenestegjorde også som lege i felten.

Da Burris enhet ble fanget, ble han sendt til en krigsfangeleir i Hereford, Texas. Der fikk ikke Burri lov til å praktisere medisin. Så, som mange andre krigsfanger, begynte han å male for å fordrive tiden. Mangel på ordentlige lerret gjorde at han malte på jute sekker. Han malte idylliske landskap av det han så i Texas, og av det han hadde sett tidligere i livet, i Umbria. Etter krigen, da han ble repatriert til Italia, forlot Burri medisin for alltid, og kastet seg helt inn i kunsten sin. Men han tok sin estetikk i en helt annen retning. Han reduserte sitt visuelle språk, og skapte bilder som var helt abstrakte. Han fortsatte å bruke jute, som var i overskudd i etterkrigs-Italia, og inkorporerte også andre materialer, medier og verktøy som var billige og lett tilgjengelige. Hans palett og hans bilder lignet det revne landskapet i hjemlandet hans og teksturen og utseendet til så mye som hadde blitt kastet bort.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Hast til mening

Det faktum at Burris nyabstrakte stil inkorporerte farger, teksturer, materialer og former som minner om ødeleggelse og blodbad, virker som en invitasjon til seerne om å anta at han laget verk om sine erfaringer som lege og soldat. Men Burri hevdet gjennom hele sin karriere at det ikke fantes noen slik mening å finne i valgene hans, og at det ikke var noen mening i bildene hans i det hele tatt. I 1994 sa han med henvisning til hele sitt verk, “Form og Rom! Slutten. Det er ingenting annet.”

Kanskje ligger den dypere sannheten Burri oppdaget om mening og eksistens i den uttalelsen. Den eneste universaliteten som deles av alle ting, inkludert mennesker, malerier, dyr og bomber, er at alt bare er materie som tar forskjellige former i rommet. I filosofi prioriterer Materialistisk Realisme den fysiske verden over den bevisste verden. Noen ganger bruker ateister begrepet i referanse til deres benektelse av et åndelig rike. Noen ganger bruker forskere det for å skille objektive observasjoner fra deres personlige reaksjoner på de samme observasjonene. Hvis vi skal tro hva Alberto Burri selv sier om sitt arbeid (og hvorfor skulle vi ikke?), eksemplifiserer hans kunstverk Materialistisk Realisme. Det utforsker virkeligheten av de formelle, fysiske egenskapene til materialene hans, og ikke noe mer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Burri’s Material Realities

Når det gjelder de formelle kvalitetene i hans verk, var Burri en vilt kreativ innovatør. Han var en pioner innen en rekke teknikker for å skape sitt arbeid, og inkorporerte et like variert utvalg av materialer for å fremheve virkningen av disse teknikkene. Ved å låne konseptet collage, fikk bildene hans et lagdelt utseende som visket ut grensen mellom maleri, relieff og skulptur. Hans tidligste verk var blandinger av maling og lagdelt stoff, som han stiftet og sydde sammen. Senere la han til dimensjonalitet ved å kutte, skjære og lage hull i overflatene sine. Han brukte ild for å brenne treelementer i arbeidet sitt, og brukte forkullingsprosessen for å skape formene sine. Han brukte varme for å smelte plast, og la til merkelig organisk dimensjon og tekstur til komposisjonene sine.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

For å understreke den formalistiske naturen til kunstverket sitt, i stedet for å gi verkene sine poetiske navn, kalte han dem ganske enkelt etter deres fysiske natur, ved å bruke de italienske ordene for farge, materiale eller teknikken han brukte for å lage dem. Verkene hans laget med tjære kalte han Catrami, de smeltede plastverkene var Plastichi, verkene i tre ble kalt Legni. Han kalte sine juteverk Sacchi, det italienske ordet for poser. Verkene han laget med ild ble kalt Cumbustiono, og hans ikoniske bulende verk, som han laget ved å sette inn fremmede utstikkere bak overflatene; han kalte Gobbi, det italienske ordet for pukkelryggede.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Den store sprekken

En av de mest ikoniske prestasjonene i Burris karriere kom i form av en estetikk han pionerte som han kalte Cretto, et toskansk slangord for sprekk. For å oppnå Cretto overdrevet han prosessene som førte til det naturlige utseendet av fine, hårfine sprekker i ulike malemedier etter hvert som de eldes over tid, en effekt kjent som craquelure. Effekten anses vanligvis å være en skadelig ting for et maleri. For eksempel, Kazimir Malevich’s banebrytende maleri Black Square, som en gang var en solid svart form, har nå eldet så dårlig at det ligner på et av Burris Cretto malerier.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Gjennom tilegnelsen av en prosess som normalt tilskrives forfall, og som i stedet blir til en prosess av skapelse, uttrykker Burri igjen en essensiell dikotomi om meningen med ting. Han skaper gjennom handlingen av ødeleggelse. Han finner skjønnhet i forfall. Den ultimate manifestasjonen av dette uttrykket kom i 1985 da Burri brukte det til å skape sitt mest monumentale verk, Il Grande Cretto. Et av de største kjente verkene innen landkunst, Il Grande Cretto ble bygget over det tidligere stedet til en utslettet by, byen Gibellina på Sicilia, som ble ødelagt i et jordskjelv i 1968. Il Grande Cretto ligger over ruinene, en massiv samling av steinformer og sprekker som måler omtrent 120 000 kvadratmeter.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

En arv av innovasjon

Burri var ikke den eneste kunstneren som ble inspirert til å vende seg mot denne typen estetikk etter andre verdenskrig. På 1960-tallet var det så mange kunstnere som brukte kasserte, tilsynelatende verdiløse materialer i arbeidet sitt at begrepet Arte Povera, eller fattig kunst, ble myntet for å referere til deres stil. Og begrepet Art Informel ble myntet for å referere til de ville, uttrykksfulle lerretene malerne laget gjennom intuisjon og emosjonell handling. Selv om Burris estetikk har ført til at han har blitt assosiert med både Arte Povera og Art Informel, har han hatt en helt annen grunn til å omfavne denne estetikken enn de andre som kom etter ham.

Arte Povera var en reaksjon på noe annet som skjedde i kunsten; det var en tilbakevending til en proletarisk estetikk. Arte Informel var en omfavnelse av personlig uttrykk og kraften i å lage verk som var uttrykksfulle for noe dypt og skjult innen verket. Det Burri gjorde var ikke en reaksjon mot noe annet. Og ingen mening var skjult i hans arbeid. Han sa, “Ordene betyr ingenting for meg; de snakker rundt bildet. Det jeg har å uttrykke vises i bildet.” Denne unike, selvsikre tilnærmingen til en helt formell undersøkelse av materialer, form og rom etterlot et eksempel som uttalte noe håpefullt: Malerier er bare malerier. Det er kunstneren som bestemmer deres mening, og derfor er kunstneren – den levende, pustende, kreative individet – den som bør verdsettes.

Fremhevet bilde: Alberto Burri - Ferro, 1954, foto kreditering Guggenheim Museum
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio