Alberto Burri og transformasjonen av materialer

Hvis vi sier at et kunstverk har mening, innebærer det at vi tror mening eksisterer. Men hvis mening eksisterer, burde ikke livet selv være det mest meningsfulle? Tross alt er det bare fordi vi er i live at vi kan glede oss over å fundere på meningen med andre ting. Alberto Burri ble kunstner i en tid preget av paradokser rundt mening. Han begynte å male som krigsfange under andre verdenskrig. Han hadde vært lege før krigen, og tjenestegjorde i den italienske infanterien på frontlinjen, og hadde dermed vært vitne til den konklusjonen sivilisasjonen tilsynelatende hadde kommet til angående den tilsynelatende meningsløsheten i menneskelivet. Samtidig kastet kunstnere i Europa og Amerika seg hodestups inn i uttrykksformer som handlet helt og holdent om personlig mening: ubevisst mening, psykologisk mening, skjult mening og universell mening. På en eller annen måte holdt samfunnet to motstridende tanker: at et levende vesen kan ha så liten mening at det kan kastes bort i krig, og at et livløst objekt kan ha så stor mening at det kan bli uvurderlig. Burris arbeid tar, i det minste delvis, opp hans følelser om hva som bør og faktisk har mening. Ved å betrakte det nøye kan vi kanskje komme fram til noe av det denne unike kunstneren avdekket; sannheter som kan øke vår forståelse av abstrakt kunst og oss selv.

Alberto Burris røtter

På en måte, uten krig ville kanskje Alberto Burri ikke blitt kunstner. Han ville i stedet blitt distriktslege. Burri ble født i en liten by i Umbria, Italia, i 1915, av en far som solgte vin og en mor som var lærer. Landsbygda rundt hjemstedet hans er idyllisk. Dette landskapet skulle etter hvert bli motiv for mange av Burris første malerier, de han lærte seg å male som amerikansk krigsfange i Texas. I 1940 tok Burri medisinsk embetseksamen. Han hadde nettopp begynt å praktisere som lege da Italia samme år gikk inn i andre verdenskrig. Burri ble innkalt til infanteriet. I nesten tre år kjempet han som frontsoldat i Nord-Afrika, samtidig som han tjenestegjorde som feltlege.

Da Burris enhet ble tatt til fange, ble han sendt til en krigsfangeleir i Hereford, Texas. Der fikk han ikke lov til å praktisere medisin. Så som mange andre krigsfanger begynte han å male for å få tiden til å gå. Uten ordentlige lerreter malte han på jutesekker. Han malte idylliske landskap av det han så i Texas, og av det han hadde sett tidligere i livet, i Umbria. Etter krigen, da han ble sendt tilbake til Italia, forlot Burri medisinen for godt og kastet seg helt inn i kunsten. Men han tok sin estetikk i en helt annen retning. Han reduserte sitt visuelle språk og skapte bilder som var helt abstrakte. Han fortsatte å bruke jute, som var i overskudd i Italia etter krigen, og innlemmet også andre materialer, medier og verktøy som var billige og lett tilgjengelige. Hans fargepalett og bilder minnet om det opprevne landskapet i hjemlandet hans og teksturen og utseendet til så mye som hadde gått til spille.

Alberto Burri - Bianco, olje, tekstilcollage, sand, lim og jute på lerret, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma

Jakten på mening

Det faktum at Burris nylig abstraherte stil innlemmet farger, teksturer, materialer og former som minner om ødeleggelse og slakt, virker som en invitasjon til betraktere om å anta at han laget verk om sine erfaringer som lege og soldat. Men Burri hevdet gjennom hele sin karriere at det ikke fantes slik mening i hans valg, og at det ikke fantes noen mening i hans bilder i det hele tatt. I 1994 sa han med henvisning til hele sitt livsverk, «Form og rom! Slutt. Det finnes ingenting annet.»

Kanskje ligger den dypere sannheten Burri oppdaget om mening og eksistens i denne uttalelsen. Den eneste universelle egenskapen som deles av alle ting, inkludert mennesker, malerier, dyr og bomber, er at alt bare er stoff som tar ulike former i rommet. I filosofi prioriterer materialisme den fysiske verden over den bevisste verden. Noen ganger bruker ateister begrepet i forbindelse med sin fornektelse av en åndelig verden. Noen ganger bruker vitenskapsfolk det for å skille objektive observasjoner fra sine personlige reaksjoner på de samme observasjonene. Hvis vi skal tro det Alberto Burri selv sier om sitt arbeid (og hvorfor skulle vi ikke?), eksemplifiserer hans kunstverk materialisme. Det utforsker realiteten i de formale, fysiske egenskapene til hans materialer, og ikke mer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, akrylmaling og jutesekk på lerret, 1954 (venstre) / Sacco 5 P, tekstil på lerret, jute og håndsøm, 1953 (høyre). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma

Burris materielle realiteter

Når det gjelder de formale kvalitetene i hans livsverk, var Burri en usedvanlig kreativ nyskapende. Han var pioner innen en rekke teknikker for å skape sitt arbeid, og innlemmet et like mangfoldig utvalg av materialer for å fremheve virkningen av disse teknikkene. Han lånte konseptet collage, og bildene hans fikk et lagdelt utseende som visket ut skillet mellom maleri, relieff og skulptur. Hans tidligste verk var blandinger av maling og lagdelt stoff, som han sydde og stakk sammen. Senere tilføyde han tredimensjonalitet ved å kutte, skjære og lage hull i overflatene. Han brukte ild til å brenne treverk i verkene sine, og brukte forkullingsprosessen til å skape formene sine. Han brukte varme til å smelte plast, og tilføyde merkelig organiske dimensjoner og tekstur til komposisjonene sine.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma

For å understreke den formale naturen i sitt kunstverk, i stedet for å gi verkene sine poetiske navn, ga han dem enkle titler basert på deres fysiske egenskaper, ved å bruke de italienske ordene for fargen, materialet eller teknikken han brukte for å lage dem. Verkene hans laget med tjære kalte han Catrami, hans smeltede plastverk var Plastichi, hans treverk ble kalt Legni. Han kalte sine juteverk Sacchi, det italienske ordet for sekker. Verkene han laget med ild kalte han Cumbustiono, og hans ikoniske utbulende verk, som han laget ved å sette inn fremmede utstikkere bak overflatene, kalte han Gobbi, det italienske ordet for pukkelrygger.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma

Den store sprekken

En av de mest ikoniske prestasjonene i Burris karriere kom i form av en estetikk han var pioner for, som han kalte Cretto, et toskansk slangord for sprekk. For å oppnå Cretto overdrevet han prosessene som fører til det naturlige utseendet av fine, hårfine sprekker i ulike malermedier etter hvert som de eldes, en effekt kjent som craquelure. Effekten regnes vanligvis som noe skadelig for et maleri. For eksempel har Kazimir Malevich’s banebrytende maleri Black Square, som en gang var en helsvart form, eldet så dårlig at det nå ligner på et av Burris Cretto-malerier.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl på cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma

Gjennom å ta i bruk en prosess som vanligvis forbindes med forfall, og i stedet gjøre den til en skapende prosess, uttrykker Burri igjen en grunnleggende motsetning om meningen med ting. Han skaper gjennom ødeleggelse. Han finner skjønnhet i forfall. Den ultimate manifestasjonen av dette uttrykket kom i 1985 da Burri brukte det til å lage sitt mest monumentale verk, Il Grande Cretto. Et av de største kjente verkene innen landkunst, Il Grande Cretto ble bygget over det tidligere stedet for en utslettet by, byen Gibellina på Sicilia, som ble ødelagt i et jordskjelv i 1968. Il Grande Cretto hviler over ruinene, en massiv samling av steinformer og sprekker som måler omtrent 120 000 kvadratmeter.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moskva

Et arv av nyskaping

Burri var ikke den eneste kunstneren som ble inspirert til å vende seg til denne typen estetikk etter andre verdenskrig. På 1960-tallet brukte så mange kunstnere kastede, tilsynelatende verdiløse materialer i sine verk at begrepet Arte Povera, eller fattig kunst, ble skapt for å beskrive deres stil. Og begrepet Art Informel ble skapt for å beskrive de ville, uttrykksfulle lerretene malere laget gjennom intuisjon og følelsesmessig handling. Selv om Burris estetikk har ført til at han forbindes med både Arte Povera og Art Informel, hadde han en helt annen grunn til å omfavne denne estetikken enn de andre som fulgte etter ham.

Arte Povera var en reaksjon på noe annet som skjedde i kunsten; det var en tilbakevending til en proletarisk estetikk. Art Informel var en omfavnelse av personlig uttrykk og kraften i å lage verk som uttrykker noe dypt og skjult i verket. Det Burri gjorde, var ikke en reaksjon mot noe annet. Og ingen mening var skjult i hans verk. Han sa, «Ordene betyr ingenting for meg; de snakker rundt bildet. Det jeg må uttrykke, kommer fram i bildet.» Denne unike, selvsikre tilnærmingen til en helt formell undersøkelse av materialer, form og rom etterlot et eksempel som sa noe håpefullt: Malerier er bare malerier. Det er kunstneren som bestemmer deres mening, og derfor bør kunstneren – det levende, pustende, skapende individet – verdsettes.

Utvalgt bilde: Alberto Burri - Ferro, 1954, foto: Guggenheim Museum
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio