Hva var dematerialiseringen av kunstobjekt?

Lucy Lippard—en kjempe innen amerikansk kunstkritikk, forfatter av mer enn 20 bøker, og medgrunnlegger av Printed Matter, den fremste selgeren av bøker laget av kunstnere—fylte 80 år i år. Til tross for hennes mange andre prestasjoner, er Lippard best kjent for «The Dematerialization of Art», et essay hun skrev sammen med John Chandler i 1968 (tilgjengelig på nett her). I essayet la Lippard fram bevis for at kunsten kunne være i ferd med å gå inn i en fase av ren intellektualisme, noe som kunne føre til at det tradisjonelle kunstobjektet forsvant helt. Teksten vokste fram av, og bidro til å sette i sammenheng, det foregående tiåret med vilt oppfinnsom konseptkunst, som ofte etterlot seg bare flyktige, ikke-arkiverbare levninger, eller ingen levninger i det hele tatt annet enn kanskje opptak av opplevelser. Konseptkunstnere var opptatt av å gjøre ideene til hovedfokus i sitt arbeid, og mange argumenterte overbevisende for at objektene kunstnere lager for å uttrykke sine ideer bare er avfallsprodukter, og at ideene i seg selv er de eneste tingene som er verdt å ta hensyn til. Essayet var enormt innflytelsesrikt på den tiden: så mye at Lippard fulgte det opp med en bok kalt Six Years, hvor hun grundig analyserte bevis for trenden. Men åpenbart var hennes forutanelse feil på lang sikt, siden kunstobjekter fortsatt ikke har forsvunnet. Likevel, i feiringen av den kommende 50-årsjubileet for den opprinnelige utgivelsen av The Dematerialization of Art, tenkte vi å ta et øyeblikk til å dykke ned i dette innflytelsesrike essayet og fremheve hva som er relevant for vår tid.

Kunstens vitenskap

Lippard baserte kjernebegrepene hun diskuterte i The Dematerialization of Art på en idé først lagt fram i en bok kalt The Mathematical Basis of the Arts, skrevet av den amerikanske maleren Joseph Schillinger. I den boken delte Schillinger all kunsthistorie inn i fem kategorier av estetiske fenomener. Først, forklarte han, kom den «pre-estetiske» fasen av etterligning. Deretter kom rituell eller religiøs kunst. Så kom følelsesmessig kunst. Deretter rasjonell, empirisk basert kunst. Og så den femte, og angivelig «siste» estetiske fasen beskrevet av Schillinger, som var «vitenskapelig», eller det han kalte «post-estetisk». Denne siste fasen, forutsa han, ville kulminere i «frigjøringen av ideen» og føre til «oppløsningen av kunsten».

Mens hun betraktet kunstens utvikling gjennom 1950- og 60-tallet, mente Lippard at det hun var vitne til, var fremveksten av denne femte fasen av kunst. Og hun var begeistret for tanken. Hun anså dematerialisering som et positivt, livsviktig skifte. Tross alt, hvis det estetiske objektet kunne opphøre å eksistere som kunstens sentrale fokus, kunne kunsten frigjøres fra varegjøring, det ofte usle systemet som utøver så mye ødeleggende kraft på livene og arbeidet til mange kunstnere.

Joseph Schillinger - Green Squares, fra serien The Mathematical Basis of the Arts, ca. 1934, tempera på papp, Smithsonian, foto via rendaan.com

Varens vitenskap

Som bevis på at dematerialisering hadde begynt, nevnte Lippard bevegelser som Light and Space, som var visuelle i sin natur, men ikke basert på objekter, og Minimalisme, som kraftig reduserte det estetiske objektet. Slike bevegelser mente hun reduserte viktigheten av det visuelle aspektet ved et kunstverk, og definerte det visuelle mer som et utgangspunkt for en immateriell, intellektuell opplevelse. Men en av de tidlige, og åpenbare, kritikkene av The Dematerialization of Art var at selv om disse flyktige, konseptuelle ideene var mindre objektbaserte, resulterte de likevel i fysiske fenomener. Selv en performancekunstner skaper noe—en forestilling—som kan selges som en opplevelse, eller tas opp.

Uansett hvor liten en levning en kunstner skaper, kan den bli gjenstand for tilbedelse og omsettes som en vare. Den eneste måten å fullstendig unngå muligheten for varegjøring er å aldri dele en idé: da kan kanskje ærbødighet og hellighet rundt den intellektuelle opplevelsen bevares. Men bare delte ideer kan virkelig kalles kunst. Og så snart en idé deles, kan den eies, manipuleres og uttrykkes på andre måter, eller med andre ord, materialiseres. Og så snart noe materialiseres, kan det kjøpes og selges som en vare.

Joseph Schillinger - Unfinished Study in Rhythm, serie utviklet fra The Mathematical Basis of the Arts, ca. 1934, fargestift og blyant på illustrasjonskartong, ark: 37,78 x 50,48 cm, Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

De fem fasene

Når man leser The Dematerialization of Art i dag, virker den eneste egentlige feilen å være hvordan den fremstiller de fem fasene av kunst, som forklart av Schillinger, som noe lineært. Det er alltid fristende for hver generasjon å se seg selv som stående i fronten av moderniteten. Schillinger mente at kunsten historisk hadde utviklet seg gjennom faser, og Lippard trodde hun var en del av generasjonen som førte kunsten mot sitt evolusjonære høydepunkt. Men tiden beveger seg ikke framover; den bare går. Kulturen er ikke lineær; den gjentar seg. Menneskeheten forfaller like raskt som den utvikler seg. Og sannheten var på 1960- og 70-tallet, og er fortsatt i dag, at kunstnere finner måter å dematerialisere på like raskt som andre gjenoppdager hvordan de kan materialisere det.

Til slutt må Lippard også ha innsett dette selv mens hun skrev om dematerialisering, for essayet avsluttes med spørsmålet om det såkalte nullpunktet i kunsten sannsynligvis vil bli nådd snart. Svaret, sier hun, er: «Det virker lite sannsynlig.» Selv i dag, når kunstnere selger virtuelle kreasjoner som bare eksisterer i digitalt rom, kan vi fortsatt hevde at dematerialisering er en fantasi. Alt som kan sees, er per definisjon materiell, selv om det bare kan sees gjennom virtuelle virkelighetsbriller. Men etter vår mening beviser det bare at kanskje det aldri egentlig var meningen å oppnå dematerialisering. Poenget Lippard egentlig ville framheve, var at en viktig side ved billedkunst er å utrettelig søke etter hvordan man kan uttrykke mer med mindre. Enhver kunstner som arbeider mot dematerialisering, arbeider også mot enkelhet. Og enkelhet fører til oppdagelsen av det som virkelig er uunnværlig, og dermed virkelig meningsfullt. Det er definitivt ikke den siste fasen av kunsten. Men det er en som kan minne oss om hva kunstens verdi virkelig er.

Utvalgt bilde: Joseph Schillinger - Red Rhythm (detalj), serie utviklet fra The Mathematical Basis of Arts, ca. 1934, gouache på papir, bildeområde: 20,32 x 30,32 cm; ark: 26,67 x 35,24 cm, Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio