Hva var dematerialiseringen av kunstobjekt?

Lucy Lippard—kjempene innen amerikansk kunstkritikk, forfatter av mer enn 20 bøker, og medgründer av Printed Matter, den essensielle selgeren av bøker laget av kunstnere—ble 80 år i år. Til tross for hennes mange andre prestasjoner, er Lippard best kjent for “The Dematerialization of Art,” et essay hun co-forfattet i 1968 med John Chandler (tilgjengelig på nettet her.) I essayet presenterte Lippard bevis på at kunsten kan være i ferd med å gå inn i en fase av ren intellektualisme, hvor resultatet kan være den totale forsvinningen av det tradisjonelle kunstobjektet. Stykket vokste ut av, og hjalp til med å kontekstualisere, det foregående tiåret eller så med vilt oppfinnsom konseptuell kunst, som ofte etterlot seg bare flyktige, ikke-arkivverdige relikvier, eller ingen relikvier i det hele tatt annet enn kanskje opptak av opplevelser. Konseptuelle kunstnere var dedikert til å gjøre ideer til det sentrale fokuset i arbeidet sitt, og mange argumenterte overbevisende for at objektene kunstnere lager for å uttrykke ideene sine ikke er annet enn avfallsprodukter, og at ideene selv er de eneste tingene som er verdt å vurdere. Essayet var enormt innflytelsesrikt på den tiden: så mye at Lippard fulgte det opp med en bok kalt Six Years, som grundig analyserte bevisene for trenden. Men åpenbart var hennes forutsigelse unøyaktig på lang sikt, siden kunstobjekter fortsatt ikke har dematerialisert seg. Likevel, i feiringen av den kommende 50-årsjubileet for den opprinnelige publiseringen av The Dematerialization of Art, tenkte vi at vi skulle ta et øyeblikk til å dykke inn i dette innflytelsesrike essayet og fremheve hva ved det som er relevant for vår tid.

Vitenskapen om kunst

Lippard baserte de kjernebegrepene hun diskuterte i The Dematerialization of Art på en idé først lagt frem i en bok kalt The Mathematical Basis of the Arts, skrevet av den amerikanske maleren Joseph Schillinger. I den boken delte Schillinger hele kunsthistorien inn i fem kategorier av estetiske fenomener. Først, forklarte han, kom den "pre-estetiske" fasen av etterligning. Deretter kom ritualistisk eller religiøs kunst. Så kom emosjonell kunst. Så rasjonell, empirisk basert kunst. Og så den femte, og angivelig "endelige" estetiske fasen beskrevet av Schillinger var "vitenskapelig", eller det han kalte "post-estetisk." Denne siste fasen, spådde han, ville kulminere i "frigjøringen av ideen" og føre til "desintegrasjonen av kunst."

Mens hun reflekterte over utviklingen av kunst gjennom 1950- og 60-tallet, mente Lippard at det hun var vitne til var fremveksten av denne femte fasen av kunst. Og hun var begeistret for tanken. Hun anså dematerialisering som et positivt, vitalt skifte. Tross alt, hvis det estetiske objektet kunne slutte å eksistere som det sentrale fokuset for kunst, så kunne kunsten frigjøres fra kommersialisering, det ofte avskyelige systemet som utøver så mye destruktiv kraft på livene og arbeidet til mange kunstnere.

Joseph Schillinger - Grønne firkanter, fra serien, Den matematiske basis for kunsten, ca. 1934, tempera på papp, Smithsonian, foto via rendaan.com

Vitenskapen om råvarer

Som bevis på at dematerialisering hadde begynt, nevnte Lippard bevegelser som Light and Space, som var visuelle i natur, men ikke objektbaserte, og Minimalisme, som drastisk reduserte det estetiske objektet. Slike bevegelser mente hun reduserte viktigheten av det visuelle aspektet ved et kunstverk, og definerte det visuelle som mer et utgangspunkt for en immateriell, intellektuell opplevelse. Men en av de tidlige, og åpenbare, kritikkene av Dematerialiseringen av kunst var at selv om disse flyktige, konseptuelle begrepene var mindre objektbaserte, resulterte de likevel i fysiske fenomener. Selv en performancekunstner skaper en ting—en forestilling—som kan selges som en opplevelse, eller bli tatt opp.

Uansett hvor lite et relikvie en kunstner skaper, kan det bli fetishisert og handlet som en vare. Den eneste måten å helt unngå muligheten for kommersialisering på, er å aldri dele en idé: da kan kanskje ærbødighet og hellighet i den intellektuelle opplevelsen bevares. Men bare delte ideer kan virkelig kalles kunst. Og så snart en idé deles, kan den bli besittet, manipulert og uttrykt på andre måter, eller med andre ord, materialisert. Og så snart noe materialiseres, kan det kjøpes og selges som en vare.

Joseph Schillinger - Ufullført studie i rytme, serie utviklet fra Den matematiske basis for kunsten, ca. 1934, kridt og blyant på illustrasjonsplate, ark: 14 7/8 x 19 7/8 tommer (37,78 x 50,48 cm), Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

De fem faser

Å lese Dematerialiseringen av kunst på nytt i dag, er den eneste sanne feilen som virker åpenbar hvordan den presenterer de fem fasene av kunst, som forklart av Schillinger, som noe lineært. Det er alltid fristende for hver generasjon å se seg selv som stående på forkant av moderniteten. Schillinger mente at kunsten hadde utviklet seg historisk gjennom faser, og Lippard mente hun var en del av generasjonen som fremmet kunsten mot sitt evolusjonære toppunkt. Men tiden beveger seg ikke fremover; den passerer bare. Kultur er ikke lineær; den gjentar seg selv. Menneskeheten utvikler seg like raskt som den avvikler seg. Og sannheten var på 1960- og 70-tallet, og er fortsatt i dag, at kunstnere finner måter å dematerialisere seg like raskt som andre gjenoppdager hvordan de skal materialisere det.

Til syvende og sist må Lippard også ha innsett dette selv mens hun skrev om temaet dematerialisering, fordi essayet hennes avsluttes med å spørre om det såkalte nullpunktet i kunst er sannsynlig å bli nådd snart. Svaret, sier hun, er: "Det virker knapt sannsynlig." Selv i dag, når kunstnere selger virtuelle kreasjoner som kun eksisterer i digitalt rom, kan vi fortsatt hevde at dematerialisering er en fantasi. Alt som kan sees er per definisjon materielt, selv om det kun kan sees gjennom virtuelle virkelighetsbriller. Men etter vår mening beviser det bare at kanskje det å oppnå dematerialisering aldri egentlig var poenget. Poenget Lippard virkelig gjorde var ganske enkelt at et viktig aspekt ved visuell kunst er å engasjere seg utrettelig i søket etter å finne ut hvordan man kan uttrykke mer med mindre. Enhver kunstner som arbeider mot dematerialisering arbeider også mot enkelhet. Og enkelhet fører til oppdagelsen av hva som virkelig er uunnværlig, og dermed virkelig meningsfullt. Det er definitivt ikke den endelige fasen av kunst. Men det er en som er i stand til å minne oss om hva verdien av kunst virkelig er.

Fremhevet bilde: Joseph Schillinger - Rød rytme (detalj), serie utviklet fra Den matematiske basis for Ars, ca. 1934, gouache på papir, bildeområde: 8 x 11 15/16 tommer (20,32 x 30,32 cm); ark: 10 1/2 x 13 7/8 tommer (26,67 x 35,24 cm), Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio