Da Miriam Schapiro brukte datamaskiner til å generere geometrisk abstrakt kunst

Miriam Schapiro var en legendarisk skikkelse i kunstverdenen i mer enn et halvt århundre. Hun var en mesterlig billedkunstner, en innflytelsesrik lærer og en strålende teoretiker. Men hennes mest kjente arv knytter seg til hennes betydning for den første bølgen av den feministiske kunstbevegelsen. Schapiro var en av grunnleggerne av Mønster- og Dekorasjonsbevegelsen (1975 – 1985), som selvsikkert utfordret den typiske modernistiske tilbedelsen av mannlige, vestlige estetiske tendenser. Hun var medgrunnlegger av Feministisk Kunstprogram ved California Institute of the Arts i Valencia, California, sammen med Judy Chicago (som sies å ha funnet opp uttrykket «feministisk kunst»). Og hun var en av kunstnerne som deltok i Womanhouse (1972), en banebrytende installasjon som forvandlet en forfallen, 17-roms herregård i West Hollywood til kanskje den mest visjonære stedsspesifikke gruppeutstillingen noensinne—en som ble besøkt av mer enn 10 000 mennesker i løpet av sin månedslange eksistens og er tema for to dokumentarfilmer. Men i tillegg til den enorme innflytelsen Schapiro hadde på å omforme vår forståelse av forholdet mellom identitet, kultur, kunst, makt og historie, gjennomgikk hun også flere fascinerende formale estetiske utviklinger som kunstner—og det er en del av hennes arv som ikke har blitt tilstrekkelig fortalt. En utstilling som pågår til 17. februar 2018 hos Honor Fraser i Los Angeles tar et lite skritt mot å rette opp denne forsømmelsen, ved å vise åtte malerier som Schapiro laget i et bestemt øyeblikk i sin karriere—en periode mellom 1967 og 1971, da hun ble en pioner innen det da gryende feltet datastøttet kunst.

Formale og konseptuelle endringer

Schapiro eksperimenterte til ulike tider med mer enn et halvt dusin medier, inkludert maling, tegning, tekstiler og skulptur. På ethvert tidspunkt i denne utviklingen kunne hun lett ha sluttet å lete og bare holdt seg til den stilen hun hadde utviklet da, og likevel skapt et episk, avgjørende verk. Men hun presset seg stadig inn i ukjent terreng, både formalt og konseptuelt. På 1950-tallet gjorde hun seg bemerket i den konkurransepregede og folkerike kunstverdenen i New York med sine hypnotiske, mystiske, lyriske abstrakte malerier. Deres kompleksitet og dybde viser hennes mesterlige bruk av farge og teknikk. Men hun forlot den stilen i søken etter noe mer personlig. Hun eksperimenterte med kollasj og litografi, og tidlig på 1960-tallet kom hun fram til en serie hun kalte Shrine—kvasi-surrealistiske, geometriske komposisjoner som minner om vertikale altertavler, med figurative referanser til kvinnelighet og kunsthistorie. Disse hjemsøkende og merkelige verkene passer ikke inn i noe av det samtidskunstnerne holdt på med. De viser en kunstner som var villig til å eksperimentere og ikke redd for å skille seg ut.

Miriam Schapiro - Installajsonsbilde, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Honor Fraser er resultatet av denne eksperimentelle prosessen. Noen av verkene, som Thunderbird (1970), viser de rent formale måtene Schapiro samhandlet med datamaskinen på. Andre verk, som Keyhole (1971), viser hennes ønske om å bruke alle tilgjengelige verktøy for å uttrykke de ideene som opptok henne i det konseptuelle området.

Miriam Schapiro - Keyhole, 1971, akryl og spraymaling på lerret, 180 x 270 cm

Nye måter å se på

Dette er ikke første gang disse datastøttede maleriene har vært utstilt i nyere tid. De ble vist på Eric Firestone Loft i New York i 2016, omtrent ett år etter at Schapiro døde, under tittelen Miriam Schapiro, The California Years: 1967–1975. Forskjellen mellom de to utstillingene ligger i deres analytiske fokus. I New York undersøkte utstillingen disse verkene i sammenheng med den estetiske utviklingen som fulgte rett etter. Den undersøkte den yoniske billedbruken i malerier som Keyhole og Big Ox for hvordan den varslet det visuelle språket Schapiro kalte Central Core. Deretter utforsket den hvordan Schapiro helt forkastet hardkantet abstraksjon til fordel for en ny stil hun oppfant kalt Femmage—en sammensmelting av feminin og kollasj. Femmage kombinerte tradisjonelle malerteknikker og flater med materialer og teknikker som tradisjonelt forbindes med kvinnelighet: for eksempel sydd innslag på et lerret, eller stoffbiter limt på en tradisjonell flate. Femmage var en innflytelsesrik og banebrytende del av Mønster- og Dekorasjonsbevegelsen.

Miriam Schapiro - Thunderbird, 1970, akryl på lerret 183 x 203 cm

I motsetning til den tidligere, utvidede versjonen av denne utstillingen, snevrer Honor Fraser-utstillingen inn fokuset for å gi tilskuerne et rent formalistisk blikk på verkene. Det kan virke merkelig å gjøre dette, eller på en måte nedvurdere. Det ville være lett for noen som er nye til hennes arbeid å se denne utstillingen og misforstå Schapiro. Men på en annen måte legger denne utstillingen grunnlaget for hva som kan bli et halvt dusin andre lignende utstillinger, som hver kan undersøke isolerte øyeblikk i hennes karriere. Det er sjenerøst å se på alle sider av arbeidet en kunstner gjør. Hvis vi bare tillater oss å dvele ved verkets kulturelle betydning uten noen gang å snakke om dets farger, linjer, former, teksturer og prosesser, fratar vi Schapiro hennes fulle mål. Det er åpenbart fra disse datastøttede maleriene at slike formale hensyn var viktige for henne. Det er like åpenbart at hun var en mester i farge og komposisjon som kunne ha brukt et helt liv på å lage viktig abstrakt kunst, om hun hadde valgt det. Tross alt virker disse maleriene like friske og samtidige som om de var malt i går. Men det er også spennende å tenke på at disse verkene representerer et øyeblikk like før Schapiro dramatisk endret kunsthistorien ved å gå bort fra det sikre, og dykke inn i den da uutskrevne historien om feministisk kunst.

Miriam Schapiro - Installajsonsbilde, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Fremhevet bilde: Miriam Schapiro - Installajsonsbilde, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Alle bilder med tillatelse fra Honor Fraser Gallery

Av Phillip Barcio