Definere den lyriske abstraksjonen

Lyrisk Abstraksjon er et tilsynelatende selvdefinerende begrep, og likevel har opprinnelsen og betydningen blitt debattert i generasjoner. Den amerikanske kunstsamleren Larry Aldrich brukte begrepet i 1969 for å definere naturen til ulike verk han nylig hadde samlet, som han mente signaliserte en tilbakevending til personlig uttrykk og eksperimentering etter Minimalismen. Men den franske kunstkritikeren Jean José Marchand brukte en variant av begrepet, Abstraction Lyrique, flere tiår tidligere, i 1947, for å referere til en fremvoksende europeisk trend innen maleri som lignet på Abstract Expressionism i USA. Begge bruken av begrepet refererte til kunst som var preget av frie, emosjonelle, personlige komposisjoner som ikke var relatert til objektiv virkelighet. Men disse tendensene kan spores enda lenger tilbake, i det minste til det første tiåret av det 20. århundre og arbeidet til Wassily Kandinsky. For å avdekke de sanne røttene og betydningen av Lyrisk Abstraksjon, og for å forstå hvordan man kan samhandle med dens tendenser i kunst, må vi se til de tidligste dagene av abstrakt kunst.

Setter det lyriske i lyrisk abstraksjon

På 1910-tallet flørtet flere forskjellige grupper av kunstnere med abstraksjon, hver fra et unikt perspektiv. Kubistiske og Futuristiske kunstnere arbeidet med bilder fra den virkelige verden og endret dem på konseptuelle måter for å uttrykke abstrakte ideer. Suprematistiske og konstruktivistiske kunstnere arbeidet med gjenkjennelige former i kunsten sin, men brukte dem på tvetydige eller symbolske måter, eller på en måte som forsøkte å formidle universaliteter. Men en annen gruppe kunstnere nærmet seg abstraksjon fra et helt annet perspektiv enn resten.

Epitomized by Wassily Kandinsky, this group approached abstraction from the perspective that they did not know what meaning there might be in what they painted. They hoped that by simply painting freely, without preconceived notions of aesthetics or the objective world, something unknown could be expressed through their work. Kandinsky likened his paintings to musical compositions, which communicated emotion in a completely abstract way. His abstract paintings were imaginative, emotive, expressive, personal, passionate and completely subjective; in other words, lyrical.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Etterkrigs lyrisk abstraksjon

Den lyriske abstraksjonen til Kandinsky sto i kontrast til mange av de andre abstrakte kunstretningene på 1920- og 30-tallet. Kunsten hans var ikke spesifikt knyttet til noen religion, men det var noe åpenbart spirituelt ved den. Andre kunstnere knyttet til stiler som De Stijl, Art Concrete og Surrealisme laget kunst som var sekulær og lot seg tolke objektivt og akademisk. Kandinsky søkte noe som aldri kunne bli fullt definert eller forklart. Han uttrykte sin personlige forbindelse med universets mysterier på en åpen måte. Det var som om han oppfant en slags spirituell eksistensialisme.

Eksistensialisme var en filosofi som kom i fokus etter andre verdenskrig, da folk strevde med å forstå hva de oppfattet som meningsløsheten i livet. Kritiske tenkere kunne ikke tro at en høyere makt kunne eksistere som ville tillate den typen ødeleggelse de nettopp hadde vært vitne til. Men i stedet for å bli nihilistiske i den tilsynelatende fraværet av Gud, forsøkte eksistensialistene å arbeide seg gjennom den overordnede meningsløsheten i livet, ved å søke personlig mening. Som den eksistensialistiske forfatteren Jean-Paul Sartre skrev i sin bok Væren og intet i 1943, "Mennesket er dømt til å være fritt; han er ansvarlig for alt han gjør." Søkingen etter det som i essens er personlig var avgjørende for eksistensialismen, og også for den utbredte gjenoppblomstringen av lyrisk abstraksjon etter andre verdenskrig.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Med andre navn

Gjennom 1940- og 50-årene dukket det opp et stort antall abstrakte kunstbevegelser som på en eller annen måte involverte subjektiv personlig uttrykk som grunnlag for å uttrykke mening i kunsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstrakt ekspresjonisme, Color Field kunst, og til og med konseptuell og performancekunst kan alle, til en viss grad, spores tilbake til den samme generelle eksistensielle søken. En av de mest innflytelsesrike kunstkritikerne i denne tiden, Harold Rosenberg, forsto dette da han skrev, “I dag må hver kunstner ta på seg å oppfinne seg selv... Meningen med kunst i vår tid flyter fra denne funksjonen av selvskaping.”

Men ettersom kulturen endret seg med neste generasjon, falt mange av disse eksistensielle tendensene i kunsten ut av favoritt. Og igjen tok en følelsesløs, konkret, geometrisk tilnærming til abstrakt kunst, epitomisert av Minimalisme, deres plass. Men ikke alle kunstnere forlot den lyriske tradisjonen. Ved slutten av 1960-tallet hadde tidevannet igjen snudd. Som Larry Aldrich påpekte, som gjenopprettet begrepet Lyrisk Abstraksjon i 1969, "Tidlig i forrige sesong ble det tydelig at det i maleri var en bevegelse bort fra det geometriske, harde kantene og minimale, mot mer lyriske, sanselige, romantiske abstraksjoner i farger som var mykere og mer levende... Kunstnerens berøring er alltid synlig i denne typen maleri, selv når maleriene er laget med spraypistoler, svamper eller andre objekter."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Samtidig Lyrisk Abstraksjon

Det er åpenbart at, som ofte er tilfelle med bevegelser innen kunst, tendensene som definerer Lyrisk Abstraksjon, forekom før begrepet ble myntet. I de første tiårene av 1900-tallet var kunstnere som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee og Wols de første som legemliggjorde lyriske tendenser i abstraksjon. Og tiår senere førte kunstnere som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages og Joan Mitchell dem videre. Så på slutten av 1960-tallet og 70-tallet revitaliserte og utvidet kunstnere som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko og dusinvis av andre relevansen av denne posisjonen.

I 2015 døde en av de mest fascinerende stemmene innen moderne Lyrisk Abstraksjon, den spanske kunstneren Laurent Jiménez-Balaguer. Men hans konsepter, teorier og teknikker fortsetter å manifestere seg på kraftfulle måter i dag i arbeidet til slike kunstnere som Margaret Neill, hvis instinktive komposisjoner av lyriske, sammenflettede linjer inviterer betrakteren til en subjektiv deltakelse av personlig mening, og Ellen Priest, hvis arbeid bringer til liv hennes livslange og pågående, personlige estetiske samtale med jazzmusikk. Det som binder alle disse kunstnerne sammen i et felles bånd er den grunnleggende søken etter Lyrisk Abstraksjon: å uttrykke noe personlig, subjektivt og emosjonelt, og å gjøre det på en poetisk, abstrakt måte.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Fremhevet bilde: Margaret Neil - Switchback (detalj).
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio