Definere den lyriske abstraksjonen

Lyrisk abstraksjon er et tilsynelatende selvforklarende begrep, og likevel har opprinnelsen og betydningen vært gjenstand for debatt i generasjoner. Den amerikanske kunstsamleren Larry Aldrich brukte begrepet i 1969 for å definere naturen til ulike verk han nylig hadde samlet, som han mente signaliserte en tilbakevending til personlig uttrykk og eksperimentering etter minimalismen. Men den franske kunstkritikeren Jean José Marchand brukte en variant av begrepet, Abstraction Lyrique, tiår tidligere, i 1947, for å referere til en fremvoksende europeisk trend innen maleri som lignet på abstrakt ekspresjonisme i USA. Begge bruksområdene av begrepet viste til kunst som kjennetegnes av frie, følelsesladde, personlige komposisjoner uten tilknytning til objektiv virkelighet. Men disse tendensene kan spores enda lenger tilbake, minst til det første tiåret av 1900-tallet og arbeidet til Wassily Kandinsky. For å avdekke de sanne røttene og betydningen av lyrisk abstraksjon, og for å forstå hvordan man skal forholde seg til dens tendenser i kunsten, må vi se til de tidligste dagene av abstrakt kunst.

Å sette det lyriske i lyrisk abstraksjon

På 1910-tallet lekte flere ulike kunstnergrupper med abstraksjon, hver fra sitt unike ståsted. Kubistiske og futuristiske kunstnere arbeidet med bilder fra den virkelige verden og endret dem på konseptuelle måter for å uttrykke abstrakte ideer. Suprematistiske og konstruktivistiske kunstnere brukte gjenkjennelige former i kunsten sin, men på tvetydige eller symbolske måter, eller på en måte som forsøkte å formidle allmenngyldige sannheter. Men en annen gruppe kunstnere nærmet seg abstraksjon fra et helt annet perspektiv enn resten.

Epitomert av Wassily Kandinsky, nærmet denne gruppen seg abstraksjon med den holdningen at de ikke visste hvilken mening det kunne være i det de malte. De håpet at ved å male fritt, uten forhåndsbestemte forestillinger om estetikk eller den objektive verden, kunne noe ukjent uttrykkes gjennom deres arbeid. Kandinsky sammenlignet sine malerier med musikalske komposisjoner, som formidlet følelser på en helt abstrakt måte. Hans abstrakte malerier var fantasifulle, følelsesladde, uttrykksfulle, personlige, lidenskapelige og helt subjektive; med andre ord, lyriske.

Wassily Kandinsky - Komposisjon 6, 1913. Oljemaleri på lerret. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Hermitage-museet, St. Petersburg

Lyrisk abstraksjon etter krigen

Den lyriske abstraksjonen til Kandinsky stod i kontrast til mange av de andre abstrakte kunstretningene på 1920- og 30-tallet. Hans kunst var ikke knyttet til noen bestemt religion, men det var noe åpenbart åndelig ved den. Andre kunstnere tilknyttet stiler som De Stijl, Art Concrete og surrealisme laget kunst som var verdslig og egnet seg for objektiv, akademisk tolkning. Kandinsky søkte noe som aldri kunne defineres eller forklares fullt ut. Han uttrykte sin personlige forbindelse med universets mysterier på en åpen måte. Det var som om han oppfant en slags åndelig eksistensialisme.

Eksistensialismen var en filosofi som fikk stor betydning etter andre verdenskrig, da folk strevde med å forstå det de oppfattet som livets meningsløshet. Kritiske tenkere kunne ikke tro at en høyere makt kunne eksistere som ville tillate den typen ødeleggelse de nettopp hadde vært vitne til. Men i stedet for å bli nihilistiske i den tilsynelatende fraværet av gud, forsøkte eksistensialistene å arbeide seg gjennom livets overordnede meningsløshet ved å søke personlig mening. Som den eksistensialistiske forfatteren Jean-Paul Sartre skrev i sin bok Being and Nothingness i 1943, «Mennesket er dømt til å være fritt; han er ansvarlig for alt han gjør.» Jakten på det som i bunn og grunn er personlig, var avgjørende for eksistensialismen, og også for den brede gjenoppblomstringen av lyrisk abstraksjon etter andre verdenskrig.

Wassily Kandinsky - Det siste dommen, 1912. Privat samling

Under andre navn

Gjennom 1940- og 50-årene dukket det opp mange abstrakte kunstretninger som på en eller annen måte bygde på subjektivt personlig uttrykk som grunnlag for å formidle mening i kunsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakt ekspresjonisme, fargefeltkunst og til og med konseptuell og performancekunst kan alle, i ulik grad, spores tilbake til den samme generelle eksistensielle søken. En av de mest innflytelsesrike kunstkritikerne på denne tiden, Harold Rosenberg, forstod dette da han skrev, «I dag må hver kunstner finne seg selv... Meningen med kunsten i vår tid springer ut fra denne funksjonen av selvskaping.»

Men etter hvert som kulturen endret seg med neste generasjon, falt mange av disse eksistensielle tendensene i kunsten ut av favør. Og nok en gang tok en upersonlig, konkret, geometrisk tilnærming til abstrakt kunst, epitomert av minimalismen, over. Men ikke alle kunstnere forlot den lyriske tradisjonen. Mot slutten av 1960-årene snudde trenden igjen. Som Larry Aldrich påpekte da han gjeninnførte begrepet lyrisk abstraksjon i 1969, «Tidlig forrige sesong ble det klart at malerkunsten beveget seg bort fra det geometriske, hardkantede og minimale, mot mer lyriske, sanselige, romantiske abstraksjoner i farger som var mykere og mer livfulle... Kunstnerens håndlag er alltid synlig i denne typen malerier, selv når maleriene er laget med sprøytepistoler, svamper eller andre gjenstander.»

Jean-Paul Riopelle - Komposisjon, oljemaleri på lerret, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Samtidig lyrisk abstraksjon

Det er tydelig at, som ofte er tilfelle med bevegelser innen kunsten, tendenser som definerer lyrisk abstraksjon fantes før begrepet ble skapt. I de første tiårene av 1900-tallet legemliggjorde kunstnere som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee og Wols først lyriske tendenser i abstraksjon. Og tiår senere førte kunstnere som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages og Joan Mitchell dem videre. Så, på slutten av 1960- og 70-tallet, revitaliserte og utvidet kunstnere som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko og mange andre relevansen av denne retningen.

I 2015 gikk en av de mest fascinerende stemmene innen samtids lyrisk abstraksjon, den spanske kunstneren Laurent Jiménez-Balaguer, bort. Men dens konsepter, teorier og teknikker fortsetter å komme til uttrykk på kraftfulle måter i dag i verkene til kunstnere som Margaret Neill, hvis instinktive komposisjoner av lyriske, sammenvevde linjer inviterer betrakteren til en subjektiv deltakelse i personlig mening, og Ellen Priest, hvis arbeid gir liv til hennes livslange og pågående, personlige estetiske samtale med jazzmusikk. Det som binder alle disse kunstnerne sammen i et felles bånd, er den grunnleggende søken i lyrisk abstraksjon: å uttrykke noe personlig, subjektivt og følelsesladet, og å gjøre det på en poetisk, abstrakt måte.

Ellen Priest - Delfindans studie 15.

Forsidebilde: Margaret Neil - Switchback (detalj).
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio