Brice Marden og den kalligrafiske behandlingen av linjen
I tillegg til tradisjonelle malerkoster ligger det utover et bord i New York-studioet til Brice Marden dusinvis av pinner. Bare vanlige pinner fra tregrener, bortsett fra at hver pinne er farget på den ene tuppen, et resultat av å ha blitt dyppet i blekk. Marden tegner med dem, og skaper gestuelle symboler i kolonner og rader på papir, i komposisjoner som minner om poesi skrevet på en rull. Tegnet intuitivt fra Mardens fantasi, er symbolene delvis inspirert av kinesisk kalligrafi. De er også påvirket av gjenstander kalt gongshí, også kjent som kinesiske lærde steiner. Gongshí-steinene finnes i, eller rettere sagt velges fra naturen. De verdsettes for sine abstrakte fysiske egenskaper og brukes av lærde til kontemplative formål. Mye kan læres ved å studere deres former, rynker, hull, asymmetriske balanse, glansen på overflatene, tekstur, farger og likhet med naturlige ting. Som i maleriene Marden lager, venter mulighetene i gongshí på å bli oppdaget, skjult i åpen åsyn innen lagene og linjene.
Det flate bildet
Brice Marden ble kjent som maler på 1960-tallet. Han fikk sin MFA fra Yale University i 1963 og flyttet til New York samme år. Han fikk raskt tilbud om jobb som vekter ved Det jødiske museet. Der kunne han studere verkene til sine mest fremragende samtidige. Rundt den tiden følte mange av hans kunstnervenner en generell motvilje mot maleri. Noen hånte det eldgamle rektangulære lerretet og eksperimenterte med lerreter formet i uvanlige former. Mange kunstnere erklærte til og med maleriet som dødt.
Men Marden kunne ikke vært mer uenig. Etter hans mening var det fortsatt mye maleriet kunne gjøre. Rundt 1964 begynte han å rette oppmerksomheten mot maleriets flate. Med andre ord refererer flaten til hele overflaten på et maleri. Alt en maler legger til maleriet eksisterer innenfor flaten. Mye av modernismen fokuserte på å flate ut flaten så mye som mulig, fjerne perspektiv, dybdevirkning eller noe som kunne tilføre bildet dybde. For å oppnå det ypperste av dette målet begynte Marden å male monokromer, som han anså som den ultimate manifestasjonen av flathet. Han kalte sin versjon av monokromet for Det flate bildet, fordi, som han sa, «flaten var bildet».
Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olje og bivoks på lerret. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
I ros til rektangler
Når det gjelder hånet malere på 1960-tallet følte for det rektangulære lerretet, var Brice Marden, og er fortsatt, definitivt ikke i hatleiren. Han anser rektangelet som den ultimate formen for et maleri. I et intervju med National Gallery of Art i 2014 sa han: «Rektangelet er en stor menneskelig oppfinnelse. På 60-tallet var det mye av dette med formede malerier. Men jeg likte virkelig rektangelet. Og jeg tenkte at hvis du kunne få akkurat riktig farge for den formen, og du virkelig hadde det riktig, hvis du hadde absolutt korrekt form, gud vet hva det maleriet kunne gjøre.»
Den ideen, at et maleri kan gjøre noe, viser i Marden en dypt holdt respekt for kunst generelt, og spesielt for maleri. I årene da han laget sine monokromer, pågikk en større samtale om hva kunst var og kunne være. Den populære ideen var at kunst kunne være hva som helst, og at alt potensielt er kunst. Marden var uenig. Han forsvarte kunsten som en menneskelig virksomhet, og insisterte på at et kunstverk må være laget av menneskehender. Gjennom 1960- og 70-tallet bygde han sitt rykte ved å forsvare maleriet gjennom sine dristige monokromer malt på ubeskjedne rektangler. Dette arbeidet gjorde ham berømt, og innen 1975 ble han regnet som en av mesterne innen minimalismen, og fikk en soloutstilling på Guggenheim i New York.
Brice Marden - The Seasons, 1974-75. Olje på lerret. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden
Vest møter øst
Akkurat da Marden nådde toppen av sin berømmelse på 1970-tallet, begynte han også å søke nye retninger for sin kunst. På tidlig 1980-tall fant han inspirasjonen han hadde lett etter, da en rekke møter med østlig kultur hjalp ham til et nytt forhold til det malte bildet. Spesielt la han merke til kinesisk kalligrafi, og beundret både de gestuelle linjene i de enkelte symbolene og det rutenettslignende preget i kolonnene og radene av de skrevne parene.
Han begynte på en serie malerier, basert på kalligrafiske estetikk, kalt Cold Mountain-maleriene. For å lage dem malte han et lag med intuitive, abstrakte kalligrafiske symboler, skrapte deretter malingen av og malte et nytt lag med symboler, og gjentok prosessen til komposisjonen var ferdig. Navnet Cold Mountain var inspirert av Cold Mountain Poems, en serie på hundrevis av dikt skrevet av en eremittisk kinesisk munk ved navn Hanshan på 800-tallet. Den nøkterne paletten og det kalligrafiske utseendet til maleriene peker mot estetikken i dikt-rullene, mens deres gestuelle, lagdelte bilder fremkaller ånden i diktene, som omfavnet frihet, natur og jakten på harmoni.
Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olje på lin. 108 × 144 tommer. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
De lærde steinene
I tillegg til kalligrafi var den andre store østlige påvirkningen på Marden hans møte med gongshí, eller kinesiske lærde steiner. I steinene sies det at hele verden og alt liv er synlig. I løpet av de siste årene har Marden samlet en samling av lærde steiner i sitt studio. Han utforsker deres intrikate detaljer, mønstre, lag, fargeforhold og de komplekse harmoniene han observerer i dem. Disse observasjonene har kommet til uttrykk i en serie kalt Red Rocks-maleriene.
I Red Rocks-maleriene arbeider Marden igjen i lag, skaper lineære former, skraper dem ut, maler over og bygger gradvis opp malingen til bildet løser seg. De endelige formene i disse maleriene synes å ha en mer direkte forbindelse til de naturlige formene som er tydelige i steinene. Men de inneholder fortsatt den gestuelle energien i hans kalligrafiske merker, noe som gir en konstant følelse av bevegelse i komposisjonene.
Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olje på lin. 75 x 107 tommer. © Brice Marden
Alt er i maleriet
I sine Red Rock-malerier strekker Marden også bruken av linje helt ut til lerretets ytterkanter, og bruker linjen som en måte å markere rammen på, noe som forsterker følelsen av de rektangulære grensene i verket. Om disse arbeidene sa han nylig at valget om å bruke linje på denne måten hadde å gjøre med spørsmål om malerienes natur og hvordan de ble tolket. Han sa: «Denne bildet er ikke et detalj. Dette bildet er seg selv. Ingenting skjer utenfor det. Det er det hele denne innrammingen handler om.»
Den uttalelsen, at ingenting skjer utenfor maleriet, og at alt vesentlig er inneholdt i det, er avgjørende for de overordnede temaene i de østlige tradisjonene som har inspirert de kalligrafiske lineære verkene Marden lager. Det er et alternativ til den kulturelle oppfatningen om at mennesker på en eller annen måte eksisterer utenfor naturen og kan operere uavhengig av den. Virkeligheten er at mennesker er en del av naturen, ikke adskilt fra den og betrakter den utenfra. Alt er i naturen, inkludert oss. Ingenting skjer utenfor den.
Brice Marden - Return I, 1964-65. Olje på lerret. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA-samlingen. Delvis og lovet gave fra Kathy og Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York
Utydelige linjer
Når man ser tilbake på de siste seks tiårene med arbeid fra Brice Marden, finnes det sammenhengende trekk som går gjennom hele hans produksjon. Paletten hans er konsekvent dempet, og han har konsekvent omfavnet rektangler, enten direkte i sine rektangulære panelmonokromer eller indirekte i sine kalligrafiske lineære komposisjoner. Men det har også vært dype endringer, ettersom han har gått fra å søke total flathet med Det flate bildet til å omfavne en lagdelt følelse av dybde i sitt lineære arbeid.
For Marden representerer disse endringene et element i maleriet som han setter pris på. Hvert maleri han ser fra hvert stadium i sin karriere, minner ham om hvem han var på den tiden. Å kunne gå tilbake og møte disse verkene gir ham en følelse av at han er forankret i noe uforanderlig, til tross for den konstante forandringen. Som han en gang uttrykte det: «En av tingene med et maleri er at det forblir slik. Og du kan gå tilbake til det. Og hver gang du går tilbake til det er du annerledes, men det er det samme. Det er en stabil ting.»
Utvalgt bilde: Brice Marden - Second Letter, Zen Spring (detalj), 2006–2009. Olje på lin. © Brice Marden
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
