Brice Marden og den kalligrafiske behandlingen av linjen

I tillegg til tradisjonelle malerpensler, ligger det på et bord i New York-studioet til Brice Marden dusinvis av pinner. Bare vanlige pinner fra greinene på trær, bortsett fra at hver pinne er farget på den ene enden, et resultat av å ha blitt dyppet i blekk. Marden tegner med dem, og skaper gestuelle symboler i kolonner og rader på papir, i komposisjoner som minner om poesi skrevet på et rull. Tegnet intuitivt fra Mardens fantasi, er symbolene delvis inspirert av kinesisk kalligrafi. De er også påvirket av objekter kalt gongshí, ellers kjent som kinesiske lærde steiner. Gongshí-steiner finnes i, eller rettere sagt velges fra naturen. De er verdsatt for sine abstrakte fysiske egenskaper og brukes av lærde til kontemplative formål. Det kan læres mye av å studere deres former, deres rynker, deres perforeringer, deres asymmetriske balanse, glansen på overflatene deres, deres teksturelle kvaliteter, deres farger, og deres likhet med naturlige ting. Som i maleriene Marden lager, venter potensialene i gongshí på å bli oppdaget, skjult i åpen sikt innen lagene og linjene.

Flybildet

Brice Marden kom til prominens som maler på 1960-tallet. Han fikk sin MFA fra Yale University i 1963 og flyttet til New York City samme år. Han ble raskt tilbudt en jobb som sikkerhetsvakt ved det jødiske museet. Der fikk han muligheten til å studere arbeidet til sine mest dyktige samtidige. Rundt den tiden følte mange av hans medkunstnere en generell malaise overfor maleri. Noen hånet det eldgamle rektangulære lerretet, og eksperimenterte med lerret som var formet til uvanlige former. Og mange kunstnere erklærte til og med åpent at maleri var dødt.

Men Marden kunne ikke vært mer uenig. I hans sinn var det fortsatt mye for maleriet å gjøre. Rundt 1964 begynte han å fokusere oppmerksomheten sin på maleriets plan. Uttrykt på en annen måte, refererer planen til totaliteten av overflaten på et maleri. Alt en maler legger til maleriet eksisterer innenfor planen. Mye av modernismen var fokusert på å flate ut planen så mye som mulig, eliminere perspektiv, dra og skyve, eller noe som ville tilføre dybde til bildet. For å oppnå høydepunktet av det målet, begynte Marden å male monokromer, som han anså for å være den ultimate manifestasjonen av flathet. Han kalte sin versjon av monokromet for Plane Image, fordi, som han sa, “planen var bildet”.

Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olje og bivoks på lerret. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

I Ros Over Rektangler

Når det gjelder forakt malere på 1960-tallet følte for den rektangulære lerretet, var Brice Marden, og er fortsatt, definitivt ikke i hat-leiren. Han anser rektangelet som den ultimate formen for et maleri. I et intervju med National Gallery of Art i 2014 sa han: “Rektangelet er en stor menneskelig oppfinnelse. På 60-tallet var det mye av denne formede maleriet som skjedde. Men jeg likte virkelig rektangelet. Og jeg tenkte at hvis du kunne få den eksakte riktige fargen for den formen, og du virkelig hadde det riktig, hvis du hadde absolutt korrekthet av form, gud vet hva det maleriet var i stand til å gjøre.”

Den ideen, at et maleri kan gjøre noe, avslører i Marden en dyptfølt respekt for kunst generelt, og spesielt for maleri. I løpet av årene da han laget sine monokromer, pågikk det en større samtale om hva kunst var og kunne være. Den populære ideen var at kunst kunne være hva som helst, og at alt potensielt er kunst. Marden var uenig. Han forsvarte kunst som en humanistisk bestrebelse, og insisterte på at et kunstverk må være laget av menneskehender. Gjennom 1960- og 70-tallet bygde han sitt rykte ved å forsvare maleri gjennom sine dristige monokromer malt på uforbeholdne rektangler. Dette arbeidet gjorde ham berømt, og innen 1975 ble han ansett som en av mesterne innen Minimalisme, og fikk en soloutstilling ved Guggenheim i New York.

Brice Marden - Årstidene, 1974-75. Olje på lerret. 243,8 x 632,5 cm. Menil-samlingen, Houston, TX. © Brice Marden

Vest møter øst

Akkurat da Marden nådde høyden av sin berømmelse på 1970-tallet, begynte han også å lete etter nye retninger for kunsten sin. På begynnelsen av 1980-tallet fant han inspirasjonen han hadde lett etter, da en serie møter med østlig kultur hjalp ham til å utvikle et nytt forhold til det malte bildet. Spesielt la han merke til kinesisk kalligrafi, og beundret både de gestuelle linjene i de enkelte symbolene og det rutenettlignende preget av kolonnene og radene med de skrevne coupletene.

Han begynte en serie malerier, basert på kalligrafisk estetikk, kalt Cold Mountain-maleriene. For å lage dem malte han et lag av intuitive, abstrakte kalligrafiske symboler, deretter skrapte han malingen av og malte et annet lag med symboler, og gjentok prosessen til komposisjonen var løst. Navnet Cold Mountain ble inspirert av Cold Mountain Poems, en serie på hundrevis av dikt skrevet av en hermetisk kinesisk munk ved navn Hanshan på 900-tallet. Den strenge paletten og den kalligrafiske stilen til maleriene taler til estetikken i diktrullene, mens deres gestural, lagdelte bilder påkaller ånden i diktene, som omfavnet frihet, natur og jakten på harmoni.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olje på lin. 108 × 144 tommer. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

The Scholar Rocks

I tillegg til kalligrafi var den andre store østlige innflytelsen på Marden hans møte med gongshí, eller kinesiske lærde steiner. I steinene sies det at hele verden og alt liv er synlig. I løpet av de siste årene har Marden samlet en samling av lærde steiner i studioet sitt. Han utforsker deres intrikate detaljer, mønstre, lag, fargeforhold og de komplekse harmoniene han observerer i dem. Disse observasjonene har manifestert seg i en serie kalt Red Rocks-maleriene.

I Red Rocks-maleri, arbeider Marden igjen i lag, og skaper lineære former, skraper dem ut, maler over dem og bygger gradvis opp malingen til bildet løser seg. De endelige formene i disse maleriene ser ut til å relatere seg mer direkte til de naturlige formene som er tydelige i steinene. Men de inneholder fortsatt den gestuelle energien fra hans kalligrafiske merker, noe som gir en konstant følelse av bevegelse til komposisjonene.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olje på lin. 75 x 107 tommer. © Brice Marden

Det er alt i maleriet

I tillegg, i sine Red Rock-malerier, utvider Marden bruken av linje til de ytterste kantene av lerretet, og bruker linje som en måte å omrisse kanten av rammen på, noe som forsterker følelsen av de rektangulære grensene til stykket. Når han nylig snakket om disse verkene, bemerket han at valget hans om å bruke linje på denne måten var relatert til spørsmål om malerienes natur, og hvordan de ble tolket. Han sa: “Dette bildet er ikke et detalj. Dette bildet er seg selv. Ingenting skjer utenfor det. Det er det hele denne innrammingen handler om.”

Den uttalelsen, at ingenting skjer utenfor maleriet, og at alt som er essensielt er inneholdt i det, er avgjørende for de overordnede temaene i de østlige tradisjonene som har inspirert de kalligrafiske linjearbeidene Marden lager. Det er et alternativ til den kulturelle oppfatningen om at mennesker på en eller annen måte eksisterer utenfor naturen, og kan operere uavhengig av den. Virkeligheten er at mennesker er en del av naturen, ikke adskilt fra den og observerer den fra utsiden. Alt er i naturen, inkludert oss. Ingenting skjer utenfor den.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olje på lerret. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA-samlingen. Fraksjonert og lovet gave fra Kathy og Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Uskarpe linjer

Når man ser over de siste seks tiårene av Brice Mardens arbeid, er det konsistenser som går gjennom hele hans oeuvre. Hans palett er konsekvent dempet, og han har konsekvent omfavnet rektangler, enten direkte i sine rektangulære panelmonokrome verk eller indirekte i sine kalligrafiske lineære komposisjoner. Men det har også vært dype endringer, ettersom han har gått fra å søke total flathet med Plane Image til å omfavne en lagdelt følelse av dybde i sitt lineære arbeid.

For Marden representerer disse endringene et element av maleri som han setter pris på. Hver maleri han ser fra hver fase av karrieren sin er en påminnelse om hvem han var på den tiden. Å kunne gå tilbake og møte disse verkene gir ham en følelse av at han er forankret i noe uforanderlig, til tross for den konstante endringen. Som han en gang uttrykte det: “En av tingene med et maleri er at det forblir slik. Og du kan gå tilbake til det. Og hver gang du går tilbake til det, er du annerledes, men det er det samme. Det er en stabil ting.”

Utvalgt bilde: Brice Marden - Andre brev, Zen vår (detalj), 2006 – 2009. Olje på lin. © Brice Marden
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio