Hvorfor Laura Owens' tilnærming til maleri er så innovativ

Mer enn én gang har jeg hørt en kunstner si at Laura Owens reddet maleriet. Det er en merkelig uttalelse. Den antyder at maleriet var i fare for å bli ødelagt på et tidspunkt, antagelig i løpet av de siste fire tiårene eller så, siden det er så lenge Laura Owens har vært i live—og at det derfor trengte en frelser. Slike akademiske teorier som de som sier at maleriet er dødt eller at maleriet er i ferd med å dø eller at maleriet aldri har levd er umulige å bevise, og derfor kan de til tider være både komiske og smertefulle å høre på. Men de har et poeng. De er ment å formidle holdningen om at kunst må forbli relevant. Å si at maleriet trenger å bli reddet betyr bare at maleriet er i fare for å bli irrelevant. Og så å si at Laura Owens reddet maleriet betyr bare at hun på en eller annen måte fikk den faren til å avta, i det minste midlertidig. Men et spørsmål som er verdt å stille er: Relevant for hva? Samfunnet? Kanskje. Men enda viktigere, maleriet må alltid forbli relevant for malere. Hver ny maler som vurderer å ta opp en pensel—det er de som må overbevises om betydningen og potensialet i det de er i ferd med å gjøre. Når folk sier at Laura Owens reddet maleriet, er det det de stort sett mener. De mener at denne kunstneren, ved sitt eksempel, er et vitnesbyrd om hvorfor det er viktig at folk fortsetter å ta opp pensler, fortsetter å strekke lerret og fortsetter å sette sine merker. Det er derfor hun blir nevnt av malere i alle aldre som en inspirasjon. Det er også derfor hun i 2003, bare ni år etter at hun ble uteksaminert, ble den yngste kunstneren som fikk en retrospektiv utstilling ved Museum of Contemporary Art i Los Angeles siden det museet åpnet i 1979. Og det er derfor hun ble valgt i år til å være gjenstand for den første midt-karriere retrospektiven av en hvilken som helst kunstner på den nye lokasjonen til Whitney Museum of American Art i New York.

Vær ikke redd for noe

I forbindelse med sin nåværende retrospektiv av Laura Owens (som vises til 4. februar 2018), publiserte Whitney en monumental bok som detaljerer hvert aspekt av bidraget Owens så langt har gjort til kunsten. Det er bokstavelig talt en av de største kunstbøkene noensinne. Den består av mer enn 600 sider med historisk og akademisk skriving om hennes liv og kunst, og inneholder hundrevis av fotografier av hennes arbeid. Men det er ett innlegg i den som skiller seg ut som essensielt for meg, ikke bare for å forstå Laura Owens som person eller Laura Owens som maler, men også for å forstå de som anser henne som en personlig helt. Det innlegget er en kopi av en liste Owens skrev i dagboken sin da hun var i 20-årene, med tittelen "Hvordan bli den beste kunstneren i verden."

Listen, som raskt får fotfeste på sosiale medier takket være en omtale i en nylig New Yorker-profil av Owens skrevet av Peter Schjeldahl, inkluderer råd så enkelt som "Tenk stort," og "Si veldig lite," og så komplisert som, "Vit at hvis du ikke valgte å være kunstner, ville du helt sikkert ha underholdt verdensherredømme eller massemord eller helgenstatus." Men det viktigste punktet på den listen, etter min mening, er, "Vær ikke redd for noe." Den ene direktiven har definert alt arbeidet Owens har gjort så langt, og har også definert kritikken hun har tålt, feilene hun har lært av, og kampene hun har nektet å trekke seg fra. Det er kjennetegnet på hennes suksess, og grunnen til at folk sier hun reddet maleriet.

Laura Owens - Untitled, 1997. Oil, acrylic, and airbrushed oil on canvas, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P.2011.274, © the artist

Hva det er å frykte

Den første fryktinngytende tingen som lett kunne ha skremt Owens bort fra karrieren som maler, var den iboende skjevheten i det som egentlig burde kalles Kunstakademia Industrikompleks. Som student ved Rhode Island School of Design (RISD) møtte hun seksismen fra en malerprofessor som kun oppmuntret de mannlige malerne i klassen til å jobbe abstrakt. Som student i masterprogrammet ved California Institute of the Arts (CalArts) ble hun møtt med en kritisk masse av lærere og medstudenter som forkynte at maleri var passé, og at kun "Postkonseptualisme" kunne muligens adressere de komplekse måtene formalisme, kunsthistorie og sosiale spørsmål konvergerte på kysten av det moderne livet.

Owens ignorerte alle disse fordommene, om ikke alltid fryktløst, så i det minste til tross for sin frykt—og det er den sanne definisjonen av mot. Hun dannet en klubb med andre kvinnelige abstrakte kunstnere ved RISD. Og hun trosset lærerne og medstudentene sine ved CalArts og omfavnet maleri som sin primære estetiske bekymring. Hun laget malerier som uttrykte den ene tingen som virkelig aldri har blitt uttrykt før i maleri: Laura Owens. Når du ser på utvalget av verk som er inkludert i den nåværende Whitney-retrospektiven, ser du hva som ser ut til å være et fantasifullt spekter av stiler og emner. Alt er forskjellig, men alt er det samme, fordi alt er personlig. Som Walt Whitman sa om seg selv, inneholder Laura Owens mangfold. Det gjør vi alle. Owens reddet maleriet fordi hun minner oss om det. Hun minner oss om at måten å være uredd foran et lerret på, er rett og slett å frigjøre deg selv til å male det som er unikt ditt eget. Uttrykk deg selv. Det er det hun gjør. Og å forstå arbeidet hennes er virkelig så enkelt.

Laura Owens - Untitled, 2000. Acrylic, oil, and graphite on canvas, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milan (Left) and Untitled, 2006. Acrylic and oil on linen, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (Right), © the artist

356 Oppdrag

Det er spesielt passende at denne, den første store retrospektive utstillingen av Laura Owens på 14 år, blir arrangert av Whitney Museum of American Art. Det er noe unikt amerikansk ved Owens, utover det faktum at hun er statsborger. Dels har det å gjøre med arbeidet hennes, som er modig og fritt – to solide, landemerkeegenskaper som er innbakt i psyken til alle amerikanske sjeler, enten de er født i, eller bor i Amerika eller ikke. Men det mest brennende amerikanske som for tiden definerer Owens, er hva hun har gjort i tillegg til å male nylig i sin bokhandel/galleri/offentlige samlingsrom på 356 South Mission Road i Los Angeles.

I 2012 let Owens seg rundt i Los Angeles, byen som hadde vært hennes hjem i flere tiår på den tiden, på jakt etter et rom som var tilstrekkelig stort til å stille ut et nytt verk – en serie malerier så gigantiske at de måtte bygges på stedet, siden de ville vært absurd vanskelige å transportere. Hun fant et tomt lager i Boyle Heights-nabolaget i LA, som var perfekt. Med hjelp fra to partnere leide hun rommet og i 2013 gjennomførte hun sin planlagte utstilling. Jeg hadde gleden av å delta på den utstillingen, og gikk derfra med følelsen av at jeg nettopp hadde sett den mest kraftfulle maleriutstillingen i mitt liv. Galleriet var hulelignende, industrielt, og likevel ble det overskygget av tilstedeværelsen av verkene. Foran rommet var det en bokhandel, og bak var det servert mat, musikk ble spilt, og folk snakket og lo.

Laura Owens - Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Left) and Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Right), © the artist

Den amerikanske måten

Etter den innledende utstillingen bestemte Owens seg for å fortsette å leie lokalet. Hun arrangerte utstillinger med andre kunstnere, holdt klasser og forelesninger, og viste filmvisninger. Og hvorfor ikke? Lokalet var ledig. Dette er Amerika. Hvorfor skulle noen ikke kunne leie hvilket som helst lokale de ønsker? Men hennes tilstedeværelse i nabolaget har siden utløst en brannstorm blant noen nabolagsinnbyggere. Owens blir sett på som en uvelkommen okkupant, og en varsler om gentrifisering. Protesterende som representerer Boyle Heights anti-gentrifiseringsinnsats samlet seg utenfor Whitney Museum for å demonstrere mot Owens retrospektiv. De protesterer også rutinemessig utenfor hennes lokale i Boyle Heights.

Owens har møtt representanter for protestgruppene i et forsøk på å oppnå forståelse, men de har krevd at hun skal dra, og vil akseptere ingenting mindre. De vil også at hun offentlig skal si at hun tok feil som kom dit og at hun har lært leksen sin. Men Owens drar ikke. Ikke ennå. Hun er modig. Hun har rett til å være der. Denne trakasseringen fra anti-gentrifiseringsprotestanter er ikke annerledes enn handlingene historien har vist oss av de som trakasserer fargede mennesker, eller religiøse minoriteter, eller flyktninger, og prøver å tvinge dem til ikke å åpne bedrifter eller kjøpe hjem i "deres nabolag." Amerika har en lang historie med denne typen tull. Men det har også en lang tradisjon for mangfold, og motstand mot maktene av splittelse. Hvis du har mulighet til å se hennes nåværende Whitney-retrospektiv, vennligst gjør det, ikke bare for å oppdage hvorfor Laura Owens reddet maleriet. Men også for å vise din støtte til noen som eksemplifiserer mot, oppfinnsomhet, originalitet og individualitet—fire egenskaper som definerer hva det betyr å være en kunstner, en amerikaner, og et fritt menneske.

Fremhevet bilde: Laura Owens - Uten tittel, 1997. Akryl og olje på lerret, 78 x 84 tommer (198,1 x 213,4 cm). Samling av Mima og César Reyes. © kunstneren

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.

Av Phillip Barcio