Hvorfor Laura Owens' tilnærming til maleri er så innovativ

Mer enn én gang har jeg hørt en kunstner si at Laura Owens reddet malerkunsten. Det er en merkelig uttalelse. Den antyder at malerkunsten var i fare for å bli ødelagt på et tidspunkt, antagelig i løpet av de siste fire tiårene eller så, siden det er så lenge Laura Owens har levd – og at den derfor trengte en frelser. Slike akademiske teorier som de som sier at malerkunsten er død, eller at malerkunsten er i ferd med å dø, eller at malerkunsten aldri har levd, kan ikke bevises, og kan derfor til tider være både komiske og smertefulle å høre på. Men de har et poeng. De er ment å formidle holdningen om at kunsten må forbli relevant. Å si at malerkunsten trenger å reddes betyr bare at malerkunsten er i fare for å bli irrelevant. Og å si at Laura Owens reddet malerkunsten betyr bare at hun på en eller annen måte fikk denne faren til å avta, i det minste midlertidig. Men et spørsmål verdt å stille er: Hva skal malerkunsten være relevant for? Samfunnet? Kanskje. Men viktigere er at malerkunsten alltid må forbli relevant for malerne. Hver nye maler som vurderer å ta opp en pensel – det er dem man må overbevise om meningen og potensialet i det de er i ferd med å gjøre. Når folk sier at Laura Owens reddet malerkunsten, er det stort sett det de mener. De mener at denne kunstneren, gjennom sitt eksempel, er et vitnesbyrd om hvorfor det er viktig at folk fortsetter å ta opp pensler, fortsetter å spenne opp lerreter og fortsetter å sette sine spor. Det er derfor hun blir nevnt av malere i alle aldre som en inspirasjon. Det er også grunnen til at hun i 2003, bare ni år etter at hun var ferdig med studiene, ble den yngste kunstneren som har fått en retrospektiv utstilling ved Museum of Contemporary Art i Los Angeles siden museet åpnet i 1979. Og det er grunnen til at hun i år ble valgt til å være tema for den første midtveis-retrospektive utstillingen for en kunstner ved det nye stedet til Whitney Museum of American Art i New York.

Ikke vær redd for noe

I forbindelse med sin nåværende retrospektive utstilling av Laura Owens (åpen til 4. februar 2018) ga Whitney ut en monumental bok som detaljerer alle sider av Owens’ bidrag til kunsten så langt. Det er bokstavelig talt en av de største kunstbøkene som noensinne er laget. Den består av mer enn 600 sider med historiske og akademiske tekster om hennes liv og kunst, og inneholder hundrevis av fotografier av hennes verk. Men det er ett innlegg i boken som skiller seg ut som essensielt for meg, ikke bare for å forstå Laura Owens som person eller Laura Owens som maler, men også for å forstå dem som ser på henne som en personlig helt. Det innlegget er en kopi av en liste Owens skrev i sin dagbok da hun var i 20-årene, med tittelen «Hvordan bli den beste kunstneren i verden».

Listen, som raskt får oppmerksomhet i sosiale medier takket være en omtale i en nylig New Yorker-profil av Owens skrevet av Peter Schjeldahl, inneholder råd så enkle som «Tenk stort» og «Si veldig lite», og så kompliserte som «Vær klar over at hvis du ikke hadde valgt å bli kunstner, ville du helt sikkert ha vurdert verdensherredømme, massedrap eller helgenstatus.» Men det viktigste punktet på listen etter min mening er: «Ikke vær redd for noe.» Denne ene retningslinjen har preget alt arbeidet Owens har laget så langt, og har også preget kritikken hun har tålt, feilene hun har lært av, og kampene hun har nektet å trekke seg fra. Det er kjennetegnet på hennes suksess, og grunnen til at folk sier hun reddet malerkunsten.

Laura Owens - Uten tittel, 1997. Olje, akryl og airbrushet olje på lerret, 96 × 120 tommer (243,8 × 304,8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; lovet gave fra Thea Westreich Wagner og Ethan Wagner P.2011.274, © kunstneren

Hva det er å frykte

Den første skremmende tingen som lett kunne ha skremt Owens bort fra karrieren som maler, var den iboende skjevheten i det som egentlig burde kalles Kunstakademiets industrielle kompleks. Som student ved Rhode Island School of Design (RISD) møtte hun kjønnsdiskriminering fra en maleriprofessor som bare oppmuntret de mannlige malerne i klassen til å arbeide abstrakt. Som student i masterprogrammet ved California Institute of the Arts (CalArts) møtte hun en kritisk masse av lærere og medstudenter som forkynte at malerkunsten var utdatert, og at bare «postkonseptualisme» kunne ta opp de komplekse måtene formalismen, kunsthistorien og samfunnsspørsmål konvergerte i samtidslivet.

Owens ignorerte alle disse fordommene, om ikke alltid fryktløst, så i det minste til tross for frykten – og det er den sanne definisjonen på mot. Hun dannet en klubb med andre kvinnelige abstrakte kunstnere ved RISD. Og hun trosset lærerne og medstudentene ved CalArts og omfavnet malerkunsten som sitt hovedsakelige estetiske fokus. Hun laget malerier som uttrykte det ene som virkelig aldri før har blitt uttrykt i malerkunsten: Laura Owens. Når du ser på utvalget av verk i den nåværende Whitney-retrospektive utstillingen, ser du det som virker som et fantastisk spekter av stiler og motiver. Alt er forskjellig, men alt er det samme, fordi alt er personlig. Som Walt Whitman sa om seg selv, rommer Laura Owens mangfold. Det gjør vi alle. Owens reddet malerkunsten fordi hun minner oss om det. Hun minner oss om at måten å ikke være redd foran et lerret på, er å frigjøre seg til å male det som er unikt ditt eget. Uttrykk deg selv. Det er det hun gjør. Og å forstå hennes arbeid er egentlig så enkelt.

Laura Owens - Uten tittel, 2000. Akryl, olje og grafitt på lerret, 72 x 66 1/2 tommer (182,9 x 168,9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milano (venstre) og Uten tittel, 2006. Akryl og olje på lin, 56 x 40 tommer (142,2 x 101,6 cm). Charlotte Feng Ford-samlingen (høyre), © kunstneren

356 Mission

Det er spesielt passende at denne, den første store retrospektive Laura Owens-utstillingen på 14 år, blir arrangert av Whitney Museum of American Art. Det er noe unikt amerikansk ved Owens, utover det faktum at hun er statsborger. Dels har det å gjøre med hennes arbeid, som er modig og fritt – to solide, grunnleggende egenskaper som er inngravert i sjelen til alle amerikanske mennesker, enten de er født i eller bor i Amerika eller ikke. Men det mest inderlig amerikanske som for tiden definerer Owens, er det hun har gjort ved siden av malerkunsten i sin bokhandel/galleri/offentlige samlingsplass på 356 South Mission Road i Los Angeles.

I 2012 lette Owens rundt i Los Angeles, byen som hadde vært hennes hjem i flere tiår da, etter et egnet stort lokale for å stille ut en ny serie verk – en serie malerier så gigantiske at de måtte bygges på stedet, siden de ville være umulige å transportere. Hun fant et tomt lager i Boyle Heights-området i LA, som var perfekt. Med hjelp fra to partnere leide hun lokalet og i 2013 arrangerte hun sin planlagte utstilling. Jeg hadde gleden av å delta på den utstillingen, og gikk derfra med følelsen av å ha sett den mest kraftfulle maleriutstillingen i mitt liv. Galleriet var enormt, industrielt, og likevel ble det overskygget av verkene. Foran lokalet var det en bokhandel, og bak ble det servert mat, musikk spilte, og folk snakket og lo.

Laura Owens - Uten tittel (detalj), 2012. Akryl, olje, vinylmaling, kull, garn og snor på håndfarget lin, 33 paneler, 35 1/2 x 33 1/4 tommer (90,2 x 84,5 cm) hver. Samling av Maja Hoffmann/LUMA Foundation (venstre) og Uten tittel (detalj), 2012. Akryl, olje, vinylmaling, kull, garn og snor på håndfarget lin, 33 paneler, 35 1/2 x 33 1/4 tommer (90,2 x 84,5 cm) hver. Samling av Maja Hoffmann/LUMA Foundation (høyre), © kunstneren

Den amerikanske måten

Etter den innledende utstillingen bestemte Owens seg for å fortsette å leie lokalet. Hun arrangerte utstillinger med andre kunstnere, holdt kurs og foredrag, og viste film. Og hvorfor ikke? Lokalet sto tomt. Dette er Amerika. Hvorfor skulle ikke noen kunne leie hvilket som helst lokale de ønsker? Men hennes tilstedeværelse i nabolaget har siden utløst en storm blant noen av nabolagets innbyggere. Owens blir sett på som en uønsket okkupant og et varsel om fordrivelse. Demonstranter som representerer Boyle Heights’ anti-fordrivelsesaksjoner samlet seg ved Whitney Museum for å protestere mot Owens-retrospektivet. De protesterer også jevnlig utenfor hennes lokale i Boyle Heights.

Owens har møtt representanter for protestgruppene i et forsøk på å oppnå forståelse, men de har krevd at hun forlater stedet, og vil ikke godta noe annet. De vil også at hun offentlig skal si at hun tok feil da hun kom dit, og at hun har lært sin lekse. Men Owens gir seg ikke. Ikke ennå. Hun er modig. Hun har rett til å være der. Denne skremmingen fra anti-fordrivelsesdemonstranter er ikke annerledes enn handlingene historien har vist oss fra dem som skremmer fargede, religiøse minoriteter eller flyktninger, for å tvinge dem til ikke å åpne bedrifter eller kjøpe hus i «deres nabolag». Amerika har en lang historie med denne typen tull. Men det har også en lang tradisjon for mangfold og motstand mot splittende krefter. Hvis du har mulighet til å se hennes nåværende Whitney-retrospektiv, gjør det, ikke bare for å oppdage hvorfor Laura Owens reddet malerkunsten. Men også for å vise din støtte til en som eksemplifiserer mot, oppfinnsomhet, originalitet og individualitet – fire egenskaper som definerer hva det betyr å være kunstner, amerikaner og et fritt menneske.

Fremhevet bilde: Laura Owens - Uten tittel, 1997. Akryl og olje på lerret, 78 x 84 tommer (198,1 x 213,4 cm). Samling av Mima og César Reyes. © kunstneren

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio