Abstrakcja i Arte Povera przez ducha matrycy limfatycznej Giuseppe Penone

Odwiedzający Palais d’Iéna w Paryżu podczas Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) 2019 mieli rzadką okazję zobaczyć instalację Matrice di Linfa (Macierz Limfy), 40-metrową rzeźbę przeciętego na pół drzewa sosnowego, którą Giuseppe Penone zaprezentował po raz pierwszy w 2008 roku. Na pierwszy rzut oka, widząc Matrice di Linfa w wielkiej sali pałacu, widzowie mogli nie rozpoznać jej jako dzieła sztuki współczesnej. Mogli pomyśleć, że na wystawie znajduje się wikingowa łódź. Przecięte wzdłuż, wydrążone w środku, a gałęzie odcięte na wysokości 80 centymetrów, powalone drzewo rzeczywiście przypomina starożytny środek transportu, którego skrócone wiosła napędzają je przez mistyczne rzeki. Przy bliższym spojrzeniu ujawniają się jednak dodatkowe ingerencje. Roślinna żywica imitująca sok płynie przez pustkę niczym strumień, pokrywając odciski dłoni i stóp, które Penone pozostawił na powierzchni. Na podłodze leżą arkusze skóry. W towarzyszącym eseju Penone pisze: „Pień przewróconej sosny traci część swojej roślinnej natury i sugeruje inną, zwierzęcą naturę; gałęzie, które poruszając się na wietrze, pchały drzewo ku światłu, teraz otaczają je niczym ołtarz ofiarny.” Dzieło jest osobliwe i trudne do odczytania — doskonałe wyrażenie filozofii artystycznej, którą Penone pomógł zapoczątkować: Arte Povera, czyli Sztuka Ubogich. Rewolucyjna perspektywa estetyczna, którą Germano Celant podsumował w 1967 roku w swoim manifeście „Notatki dla partyzanta”, Arte Povera obejmuje humanizację i naturę. W swoim manifeście Celant ostro krytykował systematyczną dehumanizację sztuki, którą dostrzegał w Stanach Zjednoczonych, gdzie samozwańczy autorytety, tacy jak krytycy, kuratorzy, profesorowie i handlarze, spiskowali z historią, tworząc tak zwane ruchy artystyczne. „Tam złożona sztuka,” pisał, „tu uboga sztuka, zaangażowana w teraźniejszość. Celem jest wyzwolenie... zniesienie wszelkich pozycji wyrażanych w kategoriach (czy to „pop”, „op” czy „struktury podstawowe”) na rzecz skupienia się na gestach, które nic nie dodają do naszych udoskonaleń percepcji, które nie przeciwstawiają się sztuce wobec życia, które nie prowadzą do rozłamu i stworzenia dwóch odrębnych płaszczyzn ego i świata.”

Indywidualność Teraz

Jednym z trwałych nieporozumień dotyczących Arte Povera jest przekonanie, że słowo Povera ma coś wspólnego z taniością lub kruchością użytych materiałów. W rzeczywistości nigdzie w „Notatkach dla partyzanta” Celant nie wspomina, że Sztuka Ubogich musi być wykonana z materiałów nietrwałych. Wręcz przeciwnie. Sugeruje, że Sztuka Ubogich może być tworzona przy użyciu dowolnych środków lub materiałów wybranych przez artystę. „Artysta staje się partyzantem,” mówi, „zdolnym do wyboru swoich miejsc walki.” To błędne przekonanie może wynikać z uogólnienia powstałego na podstawie błędnego odczytania dzieł pierwszej generacji artystów Arte Povera, takich jak Pino Pascali, który używał prostych składników, jak ziemia i woda; Piero Gilardi, który wykorzystywał zwyczajne, codzienne przedmioty, jak narzędzia ze sklepu; Piero Manzoni, który tworzył sztukę z własnych odchodów; czy Alberto Sacchi, który mówił: „Wybrałem użycie ubogich materiałów, by udowodnić, że mogą być nadal użyteczne.”

Giuseppe Penone, Matrice di Linfa, Palais d’Iéna, październik 2019, widok wystawy. Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008. Sosna, żywica, terakota, skóra, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Zdjęcie: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Za zgodą Archivio Penone oraz Marian Goodman Gallery, Nowy Jork, Paryż, Londyn

Słowem kluczowym, którego użył Sacchi, było jednak „wybrać”. Zakładanie, że wszyscy artyści Arte Povera dokonali tego samego wyboru, pomija dzieła Gianniego Piacentino, który używał materiałów takich jak pleksi, guma, poliester, żelazo i miedź; czy Alighiero Boettiego, najbardziej znanego dziś z map. Boetti wykorzystywał wszystko, od znaczków pocztowych po plastikowe długopisy, ale materialność nie była jego głównym celem. Najważniejsze było dla niego wyrażanie osobistych, oczywistych, empirycznych stwierdzeń, takich jak zauważenie oczywistej różnorodności kulturowej świata. W rzeczywistości jedyną rzeczą, którą Celant uznał za istotną dla Arte Povera, jest to, że artyści stawiają na pierwszym miejscu indywidualność. Pomijając język nacechowany płciowo, jego manifest wychwala jaźń, stwierdzając: „Człowiek jest przesłaniem. Wolność w sztukach wizualnych jest zarazą przenikającą wszystko. Artysta odrzuca wszelkie etykiety i identyfikuje się tylko z samym sobą.” Celant nawet rozważał, że termin Sztuka Ubogich mógłby z łatwością zostać zastąpiony wyrażeniem Sztuka Bogatych, dzięki „ogromnym możliwościom instrumentalnym i informacyjnym”, jakie oferuje wyzwolenie artystyczne.

Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008 (szczegół). Sosna, żywica, terakota, skóra, metal, 131 x 4500 x 212 cm. Zdjęcie: Rebecca Fanuele. Za zgodą Archivio Penone oraz Marian Goodman Gallery, Nowy Jork, Paryż, Londyn

Wykorzenić Kliché

Kolejnym nieporozumieniem dotyczącym Arte Povera jest przekonanie, że był to ruch, który rozpoczął się i zakończył we Włoszech w połowie XX wieku. W rzeczywistości istniał zawsze i miejmy nadzieję, że zawsze będzie istniał. Celant jedynie ubrał w słowa rzeczywistość, która zawsze była częścią ludzkiego losu: wewnętrzną walkę między uporządkowanym rządem a wolnością bez przywództwa. W tym względzie duch Arte Povera jest widoczny w najstarszej znanej nam sztuce: paleolitycznych malowidłach jaskiniowych północnej Hiszpanii. Widać, że ta sztuka powstała z dostępnych materiałów i zdaje się odzwierciedlać człowieczeństwo i naturę. Nie wiemy jednak nic o strukturze społecznej artystów, którzy ją stworzyli. Czy byli wolni? Czy byli więźniami? Czy należeli do uporządkowanego społeczeństwa? Czy byli dobrowolnymi członkami niehierarchicznego klanu? Ich dzieła na zawsze opierają się pełnemu wyjaśnieniu, poza stwierdzeniem, że istnieją — doskonałe wyrażenie Arte Povera.

Giuseppe Penone, Pensieri di foglie, 2016. Brąz, kamienie rzeczne, 189 x 132 x 315 cm. Zdjęcie: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Za zgodą Archivio Penone oraz Marian Goodman Gallery, Nowy Jork, Paryż, Londyn

Można powiedzieć, że ten sam duch był tym, który skłonił Marcela Duchampa do ciągłego kwestionowania tego, co instytucje społeczne uważają za sztukę, i że to on zainspirował Grupę Gutai, Fluxus, Nowych Realistów i Grupę Zero do ich niejednoznacznych odkryć. I nadal jest obecny w praktykach niezliczonych współczesnych artystów, którzy tworzą dzieła nieklasyfikowalne lub którzy opierają się presji powtarzania się. Jak pisał Celant w swoim manifeście: „To dzieło angażuje się w rejestrację ‘niepowtarzalności każdej chwili.’” Czy to zaangażowanie nie jest sednem abstrakcji? Poprzez formułowanie ostatecznych stwierdzeń o tym, co jest kategorycznie nieokreślone, każdy artysta abstrakcyjny w pewnym stopniu pomaga nam uciec od „spójności dogmatu”, byśmy mogli się wyzwolić. Na swój samotny sposób, dążąc do wyrażenia nieznanego i ukazania wcześniej niewidzialnego — mając nadzieję, może na próżno, by nie kopiować tego, co już jest — ci artyści są spadkobiercami jednej z głównych aspiracji Arte Povera: wykorzenienia kliché.

Zdjęcie główne: Giuseppe Penone - Pensieri di foglie, 2016, szczegół. Zdjęcie: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, architekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Za zgodą Archivio Penone oraz Marian Goodman Gallery, Nowy Jork, Paryż, Londyn.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio