"Przecięcie Płótna - Historia Lucio Fontany"

Sztuka abstrakcyjna stawia pytania, a nie udziela odpowiedzi. W ten sposób zaprasza do ataku. Nie każdy lubi pytania. Ludzie często pragną od sztuki jedynie pocieszenia i piękna. Ale wielu artystów abstrakcyjnych nie jest dekoratorami-pocieszycielami, lecz raczej filozofami-naukowcami: ludźmi poszukującymi doświadczenia i interpretacji wszechświata, a nie tylko jego upiększania. Lucio Fontana był jednym z takich artystów. Jako założyciel rewolucyjnej techniki zwanej Spazialismo, czyli Spacjalizmem, Fontana był głęboko zaniepokojony praktycznymi sposobami tworzenia sztuki, która stawiała czoła tajemniczym właściwościom przestrzeni. Interesowało go, jak formy zamieszkują przestrzeń, jak mogą ją zawierać i jak poprzez eliminację masy można stworzyć przestrzeń. Szczególnie fascynowało go, jak dziura w formie może stworzyć pustkę, przez którą doświadczenie przestrzeni mogłoby się rozszerzyć. Ale Spazialismo nie ograniczało się tylko do takich akademickich pytań. Jak powiedział Fontana w 1967 roku, odnosząc się do faktu, że ludzie wówczas rutynowo podróżowali w kosmos rakietami: „Teraz w przestrzeni nie ma już żadnego pomiaru. Teraz widzisz nieskończoność… oto pustka, człowiek jest zredukowany do niczego… A moja sztuka również opiera się na tej czystości, na tej filozofii niczego, która nie jest destrukcyjnym niczym, lecz twórczym niczym."

Lucio Fontana i sztuka multidyscyplinarna

To historyczny błąd, że Lucio Fontana jest głównie określany jako malarz. Był wykształcony jako rzeźbiarz. Urodził się w Argentynie w 1899 roku w rodzinie, której ojciec był rzeźbiarzem i to on pierwszy nauczył Lucio podstaw swojego rzemiosła. Po dekadach pracy u boku ojca, Lucio przeniósł się do Mediolanu w 1927 roku i zapisał się jako student rzeźby w Akademii Brera. Miał swoją pierwszą wystawę rzeźbiarską w wieku 31 lat w mediolańskiej galerii. Określając siebie jako abstrakcyjnego rzeźbiarza, w 1935 roku dołączył do stowarzyszenia artystów Abstraction-Création, a w latach 40. wrócił do Argentyny, gdzie uczył rzeźby i kontynuował tworzenie dzieł trójwymiarowych.

W rzeczywistości Fontana pracował niemal wyłącznie w medium rzeźby aż do 1948 roku. A nawet wtedy, gdy zaczął tworzyć obiekty przypominające obrazy, nalegał, że nie są to obrazy, lecz raczej „nowa rzecz w rzeźbie.” Ale nawet w ten sposób, jeśli chcielibyśmy być wierni pełnym intencjom Fontany jako artysty, nie nazwalibyśmy go rzeźbiarzem. Po prostu nazwalibyśmy go artystą, a może odkrywcą przestrzeni.

Lucio Fontana - Figura w lustrze. Ceramika. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Biały Manifest

W 1946 roku Fontana podjął decyzję, że definicje rzeźby i malarstwa nie są już wystarczające, aby pomieścić teoretyczny charakter jego pracy. Poprowadził grupę artystów i studentów w stworzeniu tego, co nazwał Białym Manifestem, pierwszego z kilku dokumentów, które Fontana miał nadzieję napisać, aby zaspokoić potrzebę nowego podejścia do sztuki. Biały Manifest zwrócił uwagę na potrzebę, aby sztuka była zgodna z innymi intelektualnymi dążeniami tamtych czasów. Zauważył, że ostatnie osiągnięcia naukowe i filozoficzne koncentrowały się na idei syntezy, że różne pomysły powinny być łączone, aby stworzyć zjednoczony punkt widzenia.

Fontana opowiadał się za podobnym „syntetycznym” podejściem do tworzenia sztuki, które miałoby na celu syntezę tego, co nazywał „tradycyjnymi 'statycznymi' formami sztuki”, aby stworzyć kompletną metodę ekspresji estetycznej, która „uwzględniałaby dynamiczną zasadę ruchu w czasie i przestrzeni.” Z ideami wyrażonymi w Białym Manifeście, Fontana w zasadzie wynalazł sztukę multidyscyplinarną: perspektywę, że artysta powinien być w stanie pracować w dowolnych i wszystkich mediach, używając dowolnej metody, która najlepiej pasuje do konkretnego pomysłu.

Lucio Fontana - Środowisko przestrzenne, oświetlone. © Lucio Fontana

Przygody w kosmosie

Na początku swojej kariery Fontana był krytykowany za malowanie swoich abstrakcyjnych form rzeźbiarskich w głośnych, pozornie przypadkowych kolorach. Odpowiedział, że próbował użyć koloru, aby zaangażować dzieła w ich otoczenie, aby zbudować most między obiektem a widzem. Kontynuował poruszanie tej kwestii przez całą swoją karierę. Chciał, aby przestrzeń sama w sobie manifestowała się jako forma i stała się tematem jego sztuki. Ale nie mógł ustalić, jak to można osiągnąć. Jak napisał kiedyś w swoim dzienniku: "żadna forma nie jest przestrzenna."

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1949. © Lucio Fontana

Ale w 1949 roku Fontana doświadczył przełomów, które przybliżyły go do jego celu. Pierwszy z nich objawił się w dziele zatytułowanym Środowisko Przestrzenne. W ramach tego przełomowego przedsięwzięcia Fontana przyciemnił pokój, w którym ściany były pomalowane na czarno, a z sufitu zwisały abstrakcyjne formy z papier-mâché pomalowane w neonowych kolorach, które świeciły, gdy były oświetlane światłem ultrafioletowym. Przekształcił przestrzeń wystawienniczą w część dzieła sztuki, tworząc dzieło, które wyprzedzało sztukę instalacyjną i ruch Światła i Przestrzeni o ponad dekadę, a jednocześnie ucieleśniało wiele z ich koncepcji. Jednak tematem dzieła wciąż nie była przestrzeń, ponieważ skupienie na doświadczeniu widza koncentrowało się na świecących formach rzeźbiarskich.

Lucio Fontana - Koncept przestrzenny, 1950. Akryl na płótnie. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Koncepcje przestrzenne

Kolejny przełom Fontany skierował jego pracę w zupełnie przeciwnym kierunku. Zamiast przekształcać całe pomieszczenie w pustą przestrzeń, a następnie wypełniać je obiektem, postanowił wziąć obiekt i użyć go jako punktu wejścia do przestrzeni. Naciągnął płótno na ramy, jakby chciał stworzyć tradycyjne malarstwo, a następnie przebił płótno nożem, zanim nałożył monochromatyczną warstwę farby.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, z dodanymi szklanymi koralikami i kamieniami. © Lucio Fontana

Chociaż technicznie to obraz, otwory działały jako puste miejsca w formie, oferując dostęp do przestrzeni za płótnem. Ten prosty gest przekształcił obraz w rzeźbę. Ale chociaż samo w sobie było to rewolucyjne i demonstrowało jego pomysły na temat sztuki multidyscyplinarnej, wciąż czuł, że nie tworzy formy z przestrzeni. Dlatego Fontana eksperymentował z różnymi wyrazami ogólnej myśli. Wykonywał otwory w taki sposób, że tworzyły okręgi, trójkąty i inne formy na powierzchni. Dodał także kamienie, szkło i kryształy do niektórych płócien, rozszerzając powierzchnię na zewnątrz w przestrzeni, jednocześnie otwierając przestrzeń poza.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Pojedyncze cięcie

W latach 50. XX wieku Fontana miał objawienie. Zaczął przecinać swoje płótna, prace, które nazywał Tagli, czyli cięcia. Stopniowo rozwijał ten pomysł, aż w 1959 roku dotarł do tego, co uważał za ostateczną manifestację wyrazu: pojedynczego cięcia przez w przeciwnym razie monochromatyczne płótno. To właśnie tym gestem osiągnął swój cel stworzenia formy z przestrzeni, mówiąc w 1968 roku: “Moim odkryciem była dziura i to wszystko. Cieszę się, że mogę iść do grobu po takim odkryciu.”

Fontana nadał wszystkim swoim pociętym obiektom tę samą nazwę: Concetto Spaziale, czyli Koncept Przestrzeni. Kiedy w końcu odkrył prostotę i elegancję długich cięć, nadał tym obrazom dodatkowy podtytuł attesa. W języku włoskim attesa oznacza czekanie lub pełne nadziei oczekiwanie. Jak widać, Fontana interesował się nie tylko tym, jak ludzie postrzegają i pojmują przestrzeń. Interesował się tym, jak ludzie postrzegają i pojmują siebie. Dzięki użyciu pustki nie tylko manifestował formę z przestrzeni, ale także manifestował coś innego, coś zarówno abstrakcyjnego, jak i konkretnego: pełne nadziei oczekiwania na to, co leży poza dziełem sztuki.

Obraz wyróżniony: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Malowana ceramika. © Lucio Fontana
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio