Uzyskiwanie najwięcej w najprostszej formie - Anne Truitt w Matthew Marks

Rzadka wystawa obrazów Anne Truitt jest obecnie prezentowana w Matthew Marks Gallery w Nowym Jorku. Truitt (1921 – 2004) jest głównie znana ze swoich rzeźb, lub struktur, jak często się je nazywa. To pierwsza duża amerykańska wystawa jej obrazów od lat 70. – tylko dwa z 11 prezentowanych dzieł były wcześniej pokazywane publicznie. To ogromna okazja dla współczesnych widzów, aby na nowo przyjrzeć się Truitt – jej strukturom, rysunkom i obrazom. Subtelne, ręcznie malowane linie w tych dwuwymiarowych dziełach wywołują kontrastowe uczucia zarówno samotności, jak i nadziei. Niedokładne, malarskie formy, lekko niezrównoważone, wydają się dziwnie ludzkie: wadliwe, a jednak pewne siebie, tak różne od tego, gdyby stworzyła je w czystych, twardych, geometrycznych kształtach. Relacje kolorystyczne w tych obrazach wydają się nabierać nowego znaczenia, skłaniając mnie do powrotu i ponownego przyjrzenia się relacjom kolorystycznym jej struktur. Tymczasem kształty powierzchni – niektóre wysokie i pionowe, inne poziome i długie, inne idealnie kwadratowe – nadają kompozycjom bogatą różnorodność charakteru. Pełne osobowości i emocji, te obrazy przypominają mi, że zbyt często Truitt i jej twórczość były źle rozumiane. W latach 60. została nazwana proto-minimalistką przez nowojorską męską grupę artystyczną, uosabianą przez Clementa Greenberga i Donalda Judda. Ale Truitt nie postrzegała swojej pracy w ten sposób. Postrzegała ją jako drogę do ekspresjonizmu. Powiedziała: „Całe życie walczyłam, aby uzyskać maksymalne znaczenie w najprostszej możliwej formie.” Po zobaczeniu prac Ad Reinhardta i Barnetta Newmana w Guggenheimie w 1961 roku, miała epifanię, że mogłaby włożyć wystarczająco dużo koloru i przestrzeni w dzieło sztuki, aby w końcu mogła wyrazić ogrom i głębię swoich najgłębszych uczuć. Po przetłumaczeniu tego objawienia na formę fizyczną, opisała „ostre zadowolenie z obserwowania, jak to, co było w najintymniejszym wnętrzu, materializuje się w widoczność.”

Historia Nieporozumienia

Historia tego, jak Truitt była źle rozumiana przez krytyków, sięga jej pierwszej wystawy solowej, która miała miejsce w lutym 1963 roku w André Emmerich Gallery w Nowym Jorku. Prezentowano na niej sześć ręcznie malowanych, prostokątnych struktur z topoli. Każda struktura została zaprojektowana przez Truitt, a następnie zbudowana z surowego drewna przez stolarza. Truitt nałożyła farbę, tworząc abstrakcyjne wzory na formach i dbając o to, aby pozostawić widoczne pociągnięcia pędzla. Dla Truitt relacje między formami, kolorami i właściwościami materiału miały na celu wywołanie emocji i zainicjowanie poszukiwania sensu. Jednak umiejscowienie prac na wystawie zakłóciło te intencje. Umiejscowienie było ewidentnie nie wykonane przez Truitt, lecz przez Kennetha Noland, który również był reprezentowany przez galerię, oraz Clementa Greenberga. Rzekomo nie zapytali Truitt o jej zdanie podczas planowania wystawy, a nawet zasugerowali, aby usunęła swoje imię z marketingu, aby ludzie nie wiedzieli o jej płci.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl na płótnie. 96 x 8 1/2 cala. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, Nowy Jork.

Na fotografiach struktury wyglądają na imponujące i zatłoczone, upakowane w pomieszczeniu z niskim sufitem, w niektórych przypadkach ustawione przy ścianie. Przypominają bardziej elementy labiryntu dla myszy niż unikalne dzieła sztuki. Zmniejszenie liczby prac lub rozłożenie ich w większej przestrzeni pozwoliłoby każdej strukturze w pełni wyrazić swoje zmartwienia. Zamiast tego, prace zostały zinterpretowane jako bezsensowne i anonimowe wybuchy minimalizmu. Dokładnie tak, jak chciał tego klub chłopców. Judd wystawił swoje pierwsze minimalne struktury zaledwie kilka miesięcy wcześniej na wystawie zbiorowej w tej samej galerii. I to w swoim eseju o wystawie Truitt, Clement Greenberg po raz pierwszy błędnie stwierdził, że jej prace "przewidywały minimalizm". Jak w przypadku prawie wszystkiego, co ci mężczyźni robili i mówili, nie chodziło o Truitt, ale o nich samych. Zmusili Truitt do fałszywej krytycznej klatki, aby mogli ustawić się jako kluczowi interpretatorzy liniowego rozwoju historii sztuki, zdominowanej przez białych mężczyzn. Od tego czasu widzowie są zdezorientowani co do Truitt i intencji jej pracy.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl na płótnie. 20 x 120 cali. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, Nowy Jork.

Odkryj Prawdziwego Truitta

Niestety, wielu krytyków sztuki nie jest dziś lepszych. Ta wystawa obrazów Truitta w Matthew Marks Gallery odbywa się tuż po innej dużej wystawie zatytułowanej In The Tower: Anne Truitt, która zakończyła się w kwietniu 2018 roku w National Gallery of Art w Waszyngtonie. Ta wystawa koncentrowała się na wyborze prac Truitta, które niedawno zostały nabyte przez muzeum. Wśród eksponowanych dzieł znajdowały się przejmująca żółto-biała pionowa struktura „Mary’s Light” (1962) oraz nieziemska, pozioma, dwutonowa niebieska „Parva XII” (1977). Te prace w szczególności pulsują niuansami i wizualną poezją. Farba naśladuje głosy form; relacje kolorów spiskują zarówno z, jak i przeciwko grawitacji. Uważny obserwator mógłby łatwo zostać doprowadzony do łez przez ich emocjonalną moc – zaczyna się w oku, ale szybko przemieszcza do umysłu i serca.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl na płótnie. 48 1/4 x 48 1/8 cala. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, Nowy Jork

Ale tak jak w czasach Greenberga i Judda, najbardziej wpływowy krytyk, który relacjonował to wydarzenie—Philip Kennicott z Washington Post, laureat Nagrody Pulitzera—zminimalizował Truitt, zamiast docenić jej pracę. Kennicott skupił się głównie na prywatnym życiu, które prowadziła Truitt. Wygłaszał drobne komentarze na temat kręgów towarzyskich, w których się obracała, oraz plotek, które je otaczały. Ledwie wspomniał o sztuce, a kiedy to zrobił, nie w sposób krytyczny: weźmy na przykład jego oburzającą i rażąco obraźliwą uwagę, że wybór rzeźb Truitt "stoją obok siebie z pewnym WASP-owskim rezerwatem." Co to w ogóle znaczy? Tak czy inaczej, mówi to więcej o autorze niż o sztuce. Anne Truitt: Paintings w Matthew Marks to szansa na nowy początek z ważnym dorobkiem tej niedocenianej artystki. Oferuje wgląd w niuanse i zawirowania, które informowały o całej jej twórczości. Jeśli masz okazję to zobaczyć, weź tylko tę radę: ignoruj krytyków i pozwól, aby praca mówiła sama za siebie. Anne Truitt Paintings jest wystawiana w Matthew Marks Gallery w Nowym Jorku do 27 października 2018.

Obraz wyróżniony: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl na płótnie. 19 x 92 cale. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, Nowy Jork.
Autor: Phillip Barcio