18 współczesnych artystów abstrakcyjnych opowiada o swoim dziedzictwie

Nauczanie sztuki jest niebezpieczne i niemożliwe. A jednak jest to również niezbędne. Aby sztuka mogła istnieć, artyści muszą nauczyć się, jak stać się tym, kim mają się stać, oraz jak tworzyć to, co mają stworzyć. Niektórzy nauczą się w szkole, od innych niedoskonałych ludzi, takich jak oni sami, którzy z jakiegoś powodu podjęli się niebezpiecznego, niemożliwego, niezbędnego zadania dzielenia się z innymi tym, czego się nauczyli. Inni artyści znajdą nauczycieli poza klasą. Mogą nauczyć się, co to znaczy być artystą, spędzając czas z innymi artystami na wernisażach lub w barach. Mogą nauczyć się, co to znaczy tworzyć sztukę, oglądając filmy w Internecie lub dekonstruując sztukę, którą widzą w muzeach lub książkach. Niektórzy artyści mogą nauczyć się, kim są, podążając za inspiracją, którą czerpią z architektury i designu, po prostu reagując na myśli i uczucia, które doświadczają podczas interakcji z codziennym zbudowanym środowiskiem i jego niezliczonymi produktami i przestrzeniami. Jeszcze inni mogą nauczyć się, jak być artystami, po prostu przyjmując – a następnie pielęgnując – swoje wewnętrzne pragnienie tworzenia. Proces tworzenia może nauczyć nas, jak tworzyć. Proces bycia może nauczyć nas, kim chcemy być. W końcu każdy, kto przejdzie przez proces uczenia się do momentu, gdy będzie mógł powiedzieć zdanie: „Jestem artystą”, nie czując, że to kłamstwo, będzie miał historię do opowiedzenia o swoich nauczycielach. Dziś przedstawiamy zbiór takich historii od artystów, którzy mieli odwagę podzielić się swoimi liniami nauczania. Są odważni, ponieważ ogłoszenie swojego dziedzictwa estetycznego lub koncepcyjnego naraża ich na straszne zagrożenie. Ty, czytelniku, możesz zdać sobie sprawę, że jeden artysta był uczniem innego artysty lub był inspirowany tym czy tamtym, i pomylić to z skrótem. Możesz powiedzieć: „Aha! Teraz widzę, kogo naśladują”, lub: „Teraz rozumiem ich sztukę!” Zamiast tego, czytając te anegdoty o tym, jak ci 18 artyści stali się tym, kim są, pozwól, aby informacje poszerzyły twoje postrzeganie. Podążaj za każdym wątkiem i zagłębiaj się w nie. Możesz dostrzec niebezpieczne, niemożliwe, niezbędne piękno tego, co naprawdę oznacza uczyć i uczyć się sztuki.

Anya Spielman

Spielman była studentką Wayne'a Thiebaulda na Uniwersytecie Kalifornijskim w Davis. O swoich innych nauczycielach mówi:

"Wielkim wpływem na mnie było zobaczenie tryptyku Hieronima Boscha, "Ogród rozkoszy ziemskich" w Prado, gdy byłem nastolatkiem. Byłem zachwycony ikonografią, a także soczystymi kolorami i skomplikowanymi kompozycjami jego dzieł. Natychmiast zareagowałem na dualizm w twórczości Boscha: jego surową i oświetloną paletę: odcienie czerni atramentowej, umbra, blady róż, kość, wermelina i azuryt; krzywe jego przezroczystych kul przyjemności w Edenie zestawione z przeszywającym psychologicznym i fizycznym upadkiem w halucynogenny piekło. Wizjonerski geniusz Boscha ukazał ludzką naturę we wszystkich jej formach, z bezpośrednią intymnością i mocą, które uważam za niezwykle rzadkie nawet dzisiaj."

Anya Spielman - Ultrafiolet, 2015. Olej na panelu. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studiowała z Louisem Finkelsteinem, będąc studentką studiów magisterskich na Queens College, City University of New York. W tej samej szkole studiowała z Benny'm Andrewsem, który kształcił się jako abstrakcyjny ekspresjonista w School of the Art Institute of Chicago w latach 50.; Clintonem Hillem, który był asystentem studia Marka Rothko; krytykiem sztuki i redaktorem współpracującym z Artforum, Robertem Pincus-Wittenem, który, jak mówi, „pomógł mojemu krytycznemu oku;” oraz Charlesem Cajori, który był uczniem Hansa Hoffmana. Mówi Sirlin:

"[Lineage] to rzeczywiście skomplikowane pytanie. Powiązania z artystami są również złożone. Anne Truitt była dla mnie ważna, gdy byłem młodym artystą w Yaddo. Melissa Meyer również była tamtego lata [1983]. Erin Lawlor była moją współlokatorką w Centrum Rothko w Łotwie. Jose Heerkins był w Centrum Rothko w tym samym czasie co my [2016]. Kara Walker była studentką, gdy uczyłem w Atlanta College of Art, a Kara i ja wystawialiśmy na tej samej Biennale w Atlancie w 1992 roku. Potem są inni artyści—pisarze i dramaturdzy. Hayden Herrera [biograf Friedy Kahlo i Arshile Gorky] była moją mentorką jako pisarka sztuk. Chris Kraus [I Love Dick] i ja byliśmy razem w Yaddo... Byłem bliskim przyjacielem dramaturga Ronalda Tavela [Teatr Ridiculous]. Był scenarzystą dla Warhola... Mam nadzieję, że nie wprowadziłem cię w błąd w tej dodatkowej odpowiedzi."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mieszana technika na płótnie. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować, najbardziej wpływał na mnie Picasso. Przyciągało mnie jego użycie koloru i tworzenie śladów, szczególnie w "Dziewczynie przed lustrem" (1932). Później, gdy zacząłem malować bardziej w stylu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, bardziej przyciągała mnie Joan Mitchell i Willem De Kooning. Jednak naprawdę zacząłem przyglądać się ich pracom dopiero po tym, jak zacząłem malować w ten sposób, a nie wcześniej."

Brenda Zappitell - W tej chwili, 2017. Flashe i akryl z zimnym woskiem na panelu. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

W wywiadzie z 2006 roku dla Minus Space NY, malarz Chris Ashley zapytał Göttina, gdzie zaczyna jako artysta. Göttin odpowiedział:

"Historia sztuki czasami udaje, że dany ruch artystyczny jest kompletną całością. Użycie terminu „konkret” niekoniecznie pokrywa się z ideologicznym tłem Konkretnych Sztuk, które również opierały się na pomysłach dotyczących społeczeństwa i polityki. Moim zmartwieniem jest podmiot, który może również obejmować sprzeczności—tak, nie, a nawet może. Moim punktem wyjścia jest synteza różnych poglądów lub pozycji jednocześnie, co dla mnie jest spojrzeniem przestrzennym. Może być oczywiste lub subtelne, symetryczne lub asymetryczne, lub oba razem, z lub bez sprzeczności. Może być regułą i odchyleniem jednocześnie. Niektóre z wcześniejszych prac, które stworzyłem, były kolażami związanymi z pracą Kurta Schwittersa (Merz), wszelkie znalezione materiały w przybliżeniu przyklejone do kawałka tektury—fizyczne, bezpośrednie, improwizowane, przypadkowe, kolorowe, nawet dadaistyczne. Później zainteresowałem się Sztuką Minimalną, gdzie dzieło sztuki jest często precyzyjnie zaplanowane, perfekcyjnie i jasno skonstruowane z określonym użyciem materiałów i uwagą na szczegóły. Oba ruchy są dla mnie ważne i czasami widzę, że moja praca nosi elementy obu, odpowiadając pomiędzy tymi dwoma pozycjami w historii sztuki."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Różowy), 1992. Akryl na pavatexie. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Palety

"Zrozumienie swoich wpływów jest dość trudne, przynajmniej dla mnie, ponieważ w dużej mierze działam intuicyjnie, a niekoniecznie świadomie. Myślę, że moje lata formacyjne jako studenta sztuki na UCLA (BA 74, MFA 77) miały duży wpływ na to, kim jestem. W tamtych czasach UCLA było dość malarską szkołą z europejskim/modernistycznym zacięciem. Na moje pierwsze zajęcia z malarstwa zapisałem się na wstępny kurs malarstwa z Richardem Diebenkornem (nie miałem pojęcia, kim on jest), ale on i kierownictwo wydziału mieli pewne problemy, a jego stanowisko zostało rozwiązane przed rozpoczęciem zajęć. Więc uczyłem się u Richarda Josepha, nowego realistę, który dał mi solidne podstawy. Dopiero sześć miesięcy później, pracując w bardziej zaawansowanej klasie malarstwa z Charlesem Garabedianem, zacząłem eksperymentować z abstrakcją. Na przestrzeni lat, profesorem, który prawdopodobnie miał na mnie największy wpływ, był William Brice. Bill był bardzo elokwentnym, godnym, hojnym, refleksyjnym, zabawnym nauczycielem i przyjacielem. Jako pracowity, płodny artysta, często mówił o konieczności spędzania czasu w pracowni, aby wszystko przemyśleć, a wszystko inne jest mniej ważne. Często o nim myślę i czuję się bardzo szczęśliwy, że znałem go przez długi czas. Zajęło mi kilka lat, aby oddzielić się od idei bycia studentem i od słyszenia dźwięków moich starych profesorów w mojej głowie za każdym razem, gdy malowałem, ale z czasem osiągnąłem jasne poczucie tego, kim jestem i odpowiedzialności, jaką mam, aby tworzyć prace, które spełniają moją wizję. Często dostrzegam aspekty innych artystów w mojej pracy, czasami czując, że naprawdę istnieje połączenie poprzez te same idee, a innym razem wydaje się, że jakiekolwiek podobieństwo jest tylko powierzchowne. Na koniec, niech pisarze o sztuce mówią o wpływach."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tusz na papierze. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) był moim nauczycielem druku 25 lat temu. Po raz pierwszy spotkaliśmy się, gdy przebywałem w Fine Arts Work Center w Provincetown, gdzie Michael prowadził tygodniowe warsztaty na temat druku. Tak wiele rzeczy wyróżnia się w naszej początkowej więzi: Michael był niezwykle empatyczną i społecznie świadomą osobą, nie tylko w swoim wybranym temacie (rysunki i druki cierpiących pacjentów w szpitalu psychiatrycznym oraz zwierząt za kratami w zoo), ale także w naszych rozmowach jeden na jeden o życiu. Nauczył mnie, jak być hojnym przez przykład, jako sposób na zrównoważenie egocentryzmu w pracowni. Nie było niczego w jego technice ani w dążeniu do kariery artystycznej, czym Michael by się nie podzielił. Michael spędził czas w Chinach pod koniec lat 80-tych i to dzięki jego miłości do azjatyckiego krajobrazu nauczyłem się upraszczać moje gesty, malować z oszczędnością wyrazu, co jest mi bardzo bliskie. Nigdy nie zapomnę jego poczucia humoru, gdy mówił do mnie: "Tracey, to jest ungepatchke!", co oznacza z jidysz zbyt zajęty i ozdobny."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit i tusz na rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cytuje swoje pierwsze inspiracje jako akwarelę Paula Cézanne'a, którą zobaczyła, gdy miała 11 lat, co pozostawiło "niezatarte wrażenie". Kontynuuje:

"Mój profesor, Klaus Stümpel, był na tyle blisko natury, że niemal nadano mu przydomek 'rolnik'. Polecił mi studiować Františka Kupkę. Badałem jego proces abstrahowania oraz jego kosmiczną i mistyczną perspektywę. Przede wszystkim nauczyłem się więcej niż czegokolwiek innego o jego miłości do życia i jego woli, by zachować swoje myśli. Kiedy wróciłem do Korei, znów myślałem o Kandinsky'm. Uważam, że jego pragnienie znalezienia obiektywnej, uniwersalnej prawdy w sztuce to niemożliwe wyzwanie. Myślę, że sztuka jest subiektywna i osobista, a nie cokolwiek innego. Kiedy szukam swojego najgłębszego wnętrza, mogę komunikować się z wnętrzem innych. Uważam, że sztuka może być medium łączącym mikroświat (człowiek) i makroświat (świat). Szczególnie kolor jest tematem moich badań. Szukam koloru jako przymiotnika. Lubię postawę Richtera wobec pracy, jego pasję do malarstwa i ducha eksperymentowania. Może On Kawara? Lubię jego prace, które chciał udowodnić, że są żywe, a ja chcę udowodnić sobie, pracując każdego dnia, że wciąż żyję, emocjonalnie i zmysłowo. Moje myśli na temat Wassily'ego Kandinsky'ego i wielu innych minimalistów są bardzo różne od ogólnej perspektywy. Nie zgadzam się z ich punktem widzenia na sztukę."

Kyong Lee - Obraz z białym, 2008. Akryl na płótnie, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman wymienia wpływy, które obejmują artystów (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman i Andy Warhol), projektantów (Saul Bass i Roy Kuhlman) oraz architektów (Le Corbusier). Ale mówi także o osobistych sposobach, w jakie kultura wpłynęła na jej sztukę, jak w poniższej anegdocie:

"Biznes mojego taty zajmował się znakami. Jak większość miejskich dzieci w Ameryce, dorastałem na tylnym siedzeniu samochodu, niezwykle świadomy billboardów i neonów. Przyciągające uwagę bezpośrednie bodźce wizualne były częścią mojej psychiki. Niedawno odwiedzałem MoMA w Nowym Jorku i ponownie uderzyło mnie malowidło Barnetta Newmana „Vir Heroicus Sublimis” (Człowiek, Heroiczny i Sublimny) (1950-51). Moja visceralna reakcja na jego moc, bezpośredniość i prostotę była przytłaczająca, potwierdzając moją własną wizualną przeszłość i tożsamość."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gwasz na ręcznie robionym papierze Khadi. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Dla mnie to był Mondrian. Abstrakcyjni artyści tamtych czasów pracowali bardziej konceptualnie z abstrakcją, co oznacza, że podobali się im pomysły na nią, podczas gdy Mondrian pracował wstecz przez mechanikę i wyszedł na drugim końcu, reinventując płaszczyznę obrazu. Niewielu to zrobiło od tamtej pory. Potem zacząłem myśleć, że musi być więcej sposobów, aby wejść w tę dziwną przestrzeń, którą Mondrian miał tak wyraźnie pod kontrolą. [Ellsworth] Kelly i [Robert] Mangold pokazali inne sposoby wyrażania tej 'innej' przestrzeni. Doświadczenie tych artystów dało mi przestrzeń, aby naprawdę docenić wysiłki moich rówieśników i dążyć do przejścia przez następny envelope."

Brent Hallard - Chmury, 2013. Akryl na papierze. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Uwielbiałem i często myślałem o pracy Viji Celmins. Jej intensywna obserwacja i spokojna realizacja są dla mnie bardzo inspirujące. Louise Bourgeois zawsze inspirowała mnie swoją determinacją, aby wyrazić siebie w najlepszym medium dla swoich pomysłów. Bardziej oczywistą inspiracją byłaby Agnes Martin, uwielbiam jej pewną rezerwę, oraz Marka Rothko za emocjonalny ładunek, jaki jego prace mogą nieść."

Audrey Stone -Nr 61, 2011. Nić, tusz i grafit na papierze. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville wspomina o niemieckich bunkrach z czasów II wojny światowej, które wzdłuż francuskiego wybrzeża Atlantyku. Mówi: „Większość ludzi uważa je za brzydkie blizny. W moich oczach ich substancja była częścią krajobrazu, czas połączył je z piaskiem, wydmami i morzem lub z malowidłami, które na nich zostawiali artyści uliczni.” Ponadto, Auville był dotknięty tym doświadczeniem z młodości:

"W wieku sześciu lub siedmiu lat miałem przywilej odwiedzenia jaskini Lascaux w południowo-zachodniej Francji. To był dla mnie szok. Moi rodzice kupili kilka reprodukcji jako pamiątki, a ja spędzałem godziny, patrząc na nie w piwnicy naszego domu, zastanawiając się, co stanowi różnicę między obrazami a prawdziwymi dziełami sztuki. Różnica była oczywista, ale miałem trudności z odkryciem jej istoty. Włączałem i wyłączałem światło, przyklejałem piasek do obrazów w próbie odtworzenia substancji malowideł z Lascaux, ale nigdy nie osiągnąłem tego, co uważałem za ich duszę."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentowany cement na panelach piankowych. Strukturalna i wisząca rama z tyłu. 120 x 120 x 6 cm

Łukasz de Haan

De Haan wspomina o wpływach sięgających od artystów (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) po projektantów albumów (Hipgnosis, Peter Saville), do muzyków (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Mówi:

"W latach przed moją dojrzewaniem, język wizualny Pieta Mondriaana zyskał wiele uwagi w Holandii. Byłem za młody, aby myśleć w kategoriach sztuki, ale Mondriaan po prostu tam był i to było intrygujące. I wciąż jest! Nieco później poznałem Suprematystów, którzy, podobnie jak ja, brali formy geometryczne jako punkt wyjścia. Ponieważ moje siostry są około pięć lat starsze ode mnie, odkryłem (za pośrednictwem ich chłopaków) wcześnie w moim nastoletnim życiu muzykę 'progresywną' i towarzyszący jej design okładek. Nic dziwnego, że chciałem zostać projektantem okładek. Gdybym musiał wybrać jednego artystę wizualnego, który zmienił mój sposób patrzenia na rzeczy, byłby to Ellsworth Kelly. W połowie lat 80. Muzeum Stedelijk w Amsterdamie zakupiło "Blue Curve VI" (1982). Regularnie chodziłem, aby na to patrzeć i studiowałem język wizualny. Ale teraz, co może być ważniejsze, kieruję się także swoją własną reakcją na sztukę... Zacząłem myśleć o sztuce... o celu, o znaczeniu, o mój."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tusz Ultrachrome HD na papierze Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Blondynka

"Nauki Josefa Albersa wpływają na to, jak myślę o umieszczaniu kolorów w różnych kontekstach. A skyspace'y Jamesa Turrella wpłynęły na to, jak myślę o umieszczaniu kolorów atmosferycznych w różnych kontekstach. Ogólnie rzecz biorąc, ogólna estetyka mojej serii Paper Skies i Moving Pictures jest mocno inspirowana nowoczesnymi amerykańskimi malarzami, takimi jak Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella itd."

Brenda Biondo -Paper Sky nr 21 (Duży), 2015. Druk sublimacyjny na aluminium (matowe/lśniące wykończenie). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Odkryłem, ponad 20 lat temu, kaplicę w Ronchamp, późne dzieło architekta Charles'a Edouarda Jeanneret'a, znanego jako Le Corbusier. Nie czułem, ani przed, ani po, takiego poczucia poprawności możliwości między masywnością a wysokością. Wtedy zaczęła się dla mnie ta długa poszukiwania, które wciąż mnie karmi, mająca na celu zbliżenie się do najbardziej odpowiedniego związku między pełnią a pustką."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundum i suchodruk na miedzi. Druk na papierze bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Śnieg

"Chciałbym porozmawiać o artyście, który inspirował mnie przez dekady, bardziej niż jakikolwiek inny artysta: Matisse, artysta, którego można studiować przez całe życie. Jego prace przybrały tak wiele kierunków dzięki jego eksperymentom i poszukiwaniom nowych możliwości w malarstwie. Są piękne, podnoszące na duchu, złożone, czasami urocze i spokojne, a czasami trudne i wyzywające — odzwierciedlające to, jak wygląda życie."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akwarela na papierze. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Zamiast wymieniać swoje wpływy, Cantrick wskazuje artystów, których prace najbardziej ją interesują, niezależnie od tego, czy istnieje jakikolwiek bezpośredni związek z jej własną twórczością. Jej krótka lista artystów nowoczesnych i współczesnych:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé i Per Kirkeby. To eklektyczna i nie wyczerpująca lista, ale to, co je łączy, to klarowność, złożoność i witalność — które są moimi własnymi zmartwieniami — wyrażone przez mocny kolor i strukturę, wyraźne formy oraz płytką przestrzeń malarską. W przypadku sztuki przednowoczesnej, Vermeer, Degas i Manet są na szczycie mojej listy, znowu z tą triadą atrybutów: klarowność, złożoność, witalność. Dodatkowo: napięcie w solidnym przedstawieniu Vermeera przekazuje niesamowicie namacalną ciszę — zawieszenie czasu. Szczególny sposób, w jaki Degas akcentuje swoją przestrzeń „cichymi”, nieożywionymi obszarami i/lub silnym elementem pionowym, sprzyja przedłużonemu, rytmicznemu oglądaniu. A w Manecie jest bezpośredniość i świeżość, które, oprócz całej reszty mistrzostwa, są w najlepszym wydaniu, fascynujące."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl na lnie. 100 x 100 cm

Anna Russinof

"W moim przypadku nie byłem wpływany przez jednego artystę per se, ale raczej przez społeczność artystyczną, w której dorastałem w Chicago. W mojej okolicy, zwanej Lincoln Park lub Old Town, było wielu artystów, a kiedy jako nastolatek wykazałem zainteresowanie rysowaniem, zachęcano mnie do pójścia do szkoły związanej z wspaniałym Art Institute of Chicago na rysunek postaci. Tam mogłem przejść bezpośrednio przez Muzeum z jego słynną kolekcją impresjonistów, aby wejść do szkoły. Myślę, że to zasadniczo ukształtowało moje zainteresowanie linią, gestem i kolorem."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olej na płótnie. 76 x 76 cm

Śruba Macyna

"Moje artystyczne dziedzictwo znajduje się w artystach, którzy łączą "redukcjonistyczne" podejście do tworzenia obrazów/obiektów z uwagą na powierzchnię i subtelne detale. Na myśl przychodzą mi Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros i Sol Lewitt. Dodatkowo, rzeźbiarska praca Richarda Serrę, Carla Andre i Freda Sandbacka, z ich szczególnym podejściem do przestrzeni trójwymiarowej, nadal inspiruje moje podejście do malarstwa."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl na płótnie. 122 x 96,9 cm