18 współczesnych artystów abstrakcyjnych opowiada o swoim dziedzictwie

Uczenie sztuki jest niebezpieczne i niemożliwe. A jednak jest także niezbędne. Aby sztuka mogła istnieć, artyści muszą nauczyć się, jak stać się tym, kimkolwiek mają się stać, oraz jak tworzyć cokolwiek mają stworzyć. Niektórzy będą uczyć się w szkole, od innych niedoskonałych ludzi takich jak oni sami, którzy z jakiegoś powodu podjęli się niebezpiecznego, niemożliwego i niezbędnego zadania dzielenia się z innymi tym, czego się nauczyli. Inni artyści znajdą nauczycieli poza salą lekcyjną. Mogą dowiedzieć się, co to znaczy być artystą, spędzając czas z innymi artystami na wernisażach lub w barach. Mogą nauczyć się, co to znaczy tworzyć sztukę, oglądając filmy w internecie albo rozkładając na części dzieła, które widzą w muzeach lub książkach. Niektórzy artyści mogą samodzielnie odkrywać, kim są, podążając za inspiracją płynącą z architektury i wzornictwa, po prostu reagując na myśli i uczucia, których doświadczają podczas kontaktu z codziennym środowiskiem zbudowanym przez człowieka oraz jego niezliczonymi produktami i przestrzeniami. Jeszcze inni mogą nauczyć się, jak być artystami, po prostu przyjmując - a następnie pielęgnując - wewnętrzny przymus tworzenia. Proces tworzenia może nauczyć nas, jak tworzyć. Proces bycia może nauczyć nas, kim chcemy być. Ostatecznie każdy, kto przejdzie przez proces nauki aż do chwili, w której może powiedzieć: „Jestem artystą”, nie czując, że to kłamstwo, będzie miał historię do opowiedzenia o swoich nauczycielach. Dziś przedstawiamy wam zbiór takich historii artystów na tyle odważnych, by podzielić się swoimi artystycznymi rodowodami. Są odważni, ponieważ ujawnienie swojego dziedzictwa estetycznego lub konceptualnego naraża ich na straszliwe zagrożenie. Ty, czytelniku, możesz uświadomić sobie, że jeden artysta był uczniem innego artysty albo że zainspirowała go ta czy inna rzecz, i pomylić to ze skrótem. Możesz powiedzieć: „Aha! Teraz widzę, kogo naśladują” albo „Teraz rozumiem ich sztukę!”. Zamiast tego, czytając te anegdoty o tym, jak tych 18 artystów stało się tym, kim są, pozwól, by te informacje poszerzyły twoje postrzeganie. Podążaj za każdą nicią i drąż głębiej. Być może dostrzeżesz niebezpieczne, niemożliwe i niezbędne piękno tego, co naprawdę znaczy uczyć się i nauczać sztuki.

Anya Spielman

Spielman była uczennicą Wayne’a Thiebauda podczas studiów na Uniwersytecie Kalifornijskim w Davis. O swoich pozostałych nauczycielach mówi:

„Duży wpływ wywarło na mnie obejrzenie tryptyku Hieronima Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” w Prado, gdy byłam nastolatką. Zachwyciła mnie zarówno ikonografia, jak i zmysłowe kolory oraz misternie skomponowane obrazy. Natychmiast odpowiedziałam na dwoistość obecności w dziełach Boscha: jego surową i rozświetloną paletę - odcienie atramentowej czerni, umbry, bladego różu, kości słoniowej, cynobru i azurytu; krzywizny jego przejrzystych kapsuł rozkoszy w Edenie, zestawione z przeszywającym psychologicznym i fizycznym upadkiem w halucynacyjne piekło. Wizjonerski geniusz Boscha ukazał ludzką naturę we wszystkich jej formach, z bezpośrednią intymnością i siłą, które nawet dziś uważam za niezwykle rzadkie.”

Anya Spielman - Ultrafiolet, 2015. Olej na płycie. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studiowała u Louisa Finkelsteina jako doktorantka w Queens College, City University of New York. W tej samej uczelni studiowała u Benny’ego Andrewsa, który kształcił się jako ekspresjonista abstrakcyjny w School of the Art Institute of Chicago w latach 50.; Clintona Hilla, który był asystentem pracownianym Marka Rothki; krytyka sztuki i zastępcy redaktora naczelnego Artforum, Roberta Pincusa-Wittena, o którym mówi, że „pomógł wykształcić moje krytyczne oko”; oraz Charlesa Cajoriego, który był uczniem Hansa Hofmanna. Sirlin mówi:

„[Lineage] to rzeczywiście skomplikowana kwestia. Powiązania z artystami również bywają zawiłe. Anne Truitt była dla mnie ważna, gdy jako młoda artystka przebywałam w Yaddo. Melissa Meyer również była tamtego lata [1983]. Erin Lawlor była moją współlokatorką pracownianą w The Rothko Centre na Łotwie. Jose Heerkens przebywał w tym samym czasie co my w Rothko Centre [2016]. Kara Walker była studentką, gdy wykładałam w The Atlanta College of Art, a Kara i ja wystawiałyśmy na tym samym Biennale w Atlancie w 1992 roku. Są też inni artyści - pisarze i dramaturdzy. Hayden Herrera [biografka Fridy Kahlo i Arshile’a Gorky’ego] była moją mentorką w dziedzinie pisania o sztuce. Chris Kraus [I Love Dick] i ja przebywałyśmy razem w Yaddo... Byłam bliską przyjaciółką dramaturga Ronalda Tavela [Theatre of the Ridiculous]. Pisał scenariusze dla Warhola... Mam nadzieję, że tą dodatkową odpowiedzią nie wprowadziłam cię w błąd.”

Deanna Sirlin - Zachwyt, 2015. Technika mieszana na płótnie. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

„Kiedy po raz pierwszy zaczęłam malować, największy wpływ wywarł na mnie Picasso. Przyciągało mnie jego wykorzystanie koloru i sposób stawiania znaków, szczególnie w obrazie „Dziewczyna przed lustrem” (1932). Później, gdy zaczęłam malować bardziej w duchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, bardziej zainteresowali mnie Joan Mitchell i Willem De Kooning. Jednak naprawdę zaczęłam przyglądać się ich twórczości dopiero po tym, jak zaczęłam malować w ten sposób, a nie wcześniej.”

Brenda Zappitell - W tej chwili, 2017. Farba Flashe i akryl z woskiem na zimno na panelu. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

W wywiadzie z 2006 roku dla Minus Space NY malarz Chris Ashley zapytał Göttin, od czego zaczyna jako artysta. Göttin odpowiedział:

Historia sztuki czasami udaje, że określony ruch artystyczny jest kompletną całością. Użycie terminu „konkretne” niekoniecznie pokrywa się z ideologicznym zapleczem Konkrete Kunst, które opierało się również na ideach dotyczących społeczeństwa i polityki. Interesuje mnie całość, która może obejmować także sprzeczności - zarówno „tak”, jak i „nie”, a nawet „może”. Punktem wyjścia jest dla mnie jednoczesna synteza różnych poglądów lub stanowisk, co postrzegam jako spojrzenie przestrzenne. Może być oczywista lub subtelna, symetryczna albo asymetryczna, lub też łączyć oba te aspekty, ze sprzecznością lub bez niej. Może łączyć regułę i odstępstwo. Niektóre z wcześniejszych prac, które stworzyłem, były kolażami nawiązującymi do twórczości Kurta Schwittersa (Merz) - dowolne znalezione materiały z grubsza przyklejone do kawałka tektury - fizyczne, bezpośrednie, improwizowane, przypadkowe, kolorowe, wręcz dadaistyczne. Później zainteresowała mnie sztuka minimalna, w której dzieło jest często precyzyjnie zaplanowane oraz doskonale i jasno skonstruowane, z określonym zastosowaniem materiałów i dbałością o szczegóły. Oba ruchy są dla mnie ważne i czasami widzę w swojej twórczości elementy obu, sytuujące ją pomiędzy tymi dwoma stanowiskami w historii sztuki.

Daniel Göttin - Bez tytułu 2 (różowy), 1992. Akryl na płycie Pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Dość trudno jest zrozumieć własne wpływy, przynajmniej w moim przypadku, ponieważ pracuję głównie intuicyjnie, a nie tyle świadomie. Myślę, że moje lata kształtowania się jako studenta sztuki na UCLA (BA 74, MFA 77) w dużej mierze uformowały to, kim jestem. W tamtych czasach UCLA była szkołą w dużej mierze malarską, o europejskim/modernistycznym profilu. Na moje pierwsze zajęcia z malarstwa zapisano mnie na kurs wprowadzający prowadzony przez Richarda Diebenkorna (nie miałem pojęcia, kim był), ale między nim a władzami wydziału pojawiły się problemy i jego stanowisko zostało zlikwidowane, zanim zajęcia się rozpoczęły. Studiowałem więc u Richarda Josepha, realisty, który dał mi solidne podstawy. Dopiero sześć miesięcy później, pracując na bardziej zaawansowanych zajęciach z malarstwa u Charlesa Garabediana, zacząłem eksperymentować z abstrakcją. Z biegiem lat profesorem, który prawdopodobnie wywarł na mnie największy wpływ, był William Brice. Bill był bardzo elokwentnym, godnym, hojnym, refleksyjnym i zabawnym nauczycielem oraz przyjacielem. Jako ciężko pracujący, niezwykle płodny artysta często mówił o konieczności spędzania czasu w pracowni, by mozolnie dopracowywać dzieła, oraz o tym, że wszystko inne jest mniej ważne. Często o nim myślę i czuję się bardzo szczęśliwy, że znałem go przez tak długi czas. Potrzebowałem wielu lat, by uwolnić się od poczucia bycia studentem i od słyszenia w głowie głosów moich dawnych profesorów za każdym razem, gdy malowałem, ale z czasem osiągnąłem jasne poczucie tego, kim jestem, oraz odpowiedzialności za tworzenie dzieł, które urzeczywistniają moją wizję. Często dostrzegam w swojej twórczości aspekty prac innych artystów; czasem mam wrażenie, że rzeczywiście łączy nas ta sama idea, a innym razem podobieństwo wydaje się jedynie powierzchowne. Ostatecznie pozwólmy krytykom sztuki mówić o wpływach."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tusz na papierze. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) był moim nauczycielem grafiki warsztatowej 25 lat temu. Poznaliśmy się po raz pierwszy, gdy przebywałam w Fine Arts Work Center w Provincetown, gdzie Michael prowadził tygodniowe warsztaty grafiki warsztatowej. Wiele rzeczy wyróżnia się w naszym początkowym kontakcie: Michael był niezwykle empatyczną i świadomą społecznie osobą, nie tylko w wybranej przez siebie tematyce (rysunkach i grafikach przedstawiających cierpiących pacjentów szpitala psychiatrycznego oraz zwierzęta za kratami w zoo), lecz także w naszych rozmowach sam na sam o życiu. Swoim przykładem nauczył mnie hojności jako sposobu równoważenia skupienia na sobie w pracowni. Michael nie miał nic przeciwko dzieleniu się swoją techniką ani doświadczeniami związanymi z karierą artystyczną. Michael spędził czas w Chinach pod koniec lat 80. i to dzięki jego miłości do azjatyckiego krajobrazu nauczyłam się upraszczać gesty, malować oszczędnymi środkami wyrazu - jest to coś, co jest mi bardzo bliskie. Nigdy nie zapomnę jego poczucia humoru, gdy mówił do mnie: „Tracey, to jest ungepatchke!” - jidyszowe słowo oznaczające coś zbyt przeładowanego i ozdobnego."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gwasz, grafit i tusz na papierze rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee jako pierwszą inspirację wskazuje akwarelę Paula Cézanne’a, którą zobaczyła w wieku 11 lat i która wywarła na niej „niezapomniane wrażenie”. Następnie mówi:

"Mój profesor, Klaus Stümpel, był tak blisko natury, że niemal nazywano go „rolnikiem”. Polecił mi studiować twórczość Františka Kupki. Badałam jego proces dochodzenia do abstrakcji oraz kosmiczną i mistyczną perspektywę. Przede wszystkim nauczyłam się od niego więcej niż czegokolwiek innego o jego miłości do życia i woli zachowywania własnych przemyśleń. Kiedy wróciłam do Korei, ponownie zaczęłam myśleć o Kandinskim. Uważam, że jego pragnienie odnalezienia obiektywnej, uniwersalnej prawdy w sztuce jest niemożliwym wyzwaniem. Myślę, że sztuka jest przede wszystkim subiektywna i osobista. Kiedy sięgam do najgłębszego wnętrza siebie, mogę komunikować się z wnętrzem innych. Uważam, że sztuka może być medium łączącym mikrokosmos (człowieka) i makrokosmos (świat). Zwłaszcza kolor jest przedmiotem moich badań. Poszukuję koloru jako przymiotnika. Podoba mi się podejście Richtera do pracy, jego pasja do malarstwa i duch eksperymentowania. Może On Kawara? Podoba mi się jego twórczość, którą chciał udowodnić, że żyje, a ja chcę codzienną pracą udowadniać sobie, że wciąż żyję - emocjonalnie i zmysłowo. Moje przemyślenia na temat Wassilego Kandinskiego i wielu innych minimalistów bardzo różnią się od ogólnej perspektywy. Nie zgadzam się z ich poglądami artystycznymi."

Kyong Lee - Obraz z bielą, 2008. Akryl na płótnie, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman wymienia wśród swoich inspiracji artystów (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman i Andy Warhol), projektantów (Saul Bass i Roy Kuhlman) oraz architektów (Le Corbusier). Opowiada jednak również o osobistych sposobach, w jakie kultura wpłynęła na jej sztukę, jak w poniższej anegdocie:

"Mój ojciec prowadził firmę zajmującą się szyldami. Podobnie jak większość dzieci z amerykańskich miast dorastałam na tylnym siedzeniu samochodu, z wyjątkową świadomością billboardów i neonów. Przyciągające uwagę, bezpośrednie bodźce wizualne były częścią mojej psychiki. Niedawno odwiedziłam MoMA w Nowym Jorku i ponownie zachwycił mnie obraz Barnetta Newmana „Vir Heroicus Sublimis” (Człowiek, heroiczny i wzniosły) (1950-51). Moja instynktowna reakcja na jego siłę, bezpośredniość i prostotę była przytłaczająca, potwierdzając moje własne wizualne korzenie i tożsamość."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gwasz na ręcznie czerpanym papierze khadi. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Dla mnie był to Mondrian. Abstrakcyjni artyści tamtego okresu pracowali z abstrakcją bardziej konceptualnie, co oznacza, że podobała im się sama idea, podczas gdy Mondrian działał od tyłu, poprzez mechanikę, i wychodził na drugim końcu, na nowo wynajdując płaszczyznę obrazu. Od tamtej pory niewielu dokonało czegoś podobnego. Zacząłem się więc zastanawiać, czy istnieją inne sposoby wejścia w tę dziwną przestrzeń, którą Mondrian tak dobrze rozumiał. [Ellsworth] Kelly i [Robert] Mangold pokazali inne sposoby wyrażania tej „innej” przestrzeni. Twórczość tych artystów dała mi przestrzeń, by naprawdę docenić wysiłki moich rówieśników i dążyć do przekraczania kolejnych granic."

Brent Hallard - Chmury, 2013. Akryl na papierze. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Zawsze uwielbiałam twórczość Viji Celmins i często o niej myślałam. Jej wnikliwa obserwacja i spokojny sposób realizacji są dla mnie bardzo inspirujące. Louise Bourgeois zawsze inspirowała mnie swoją determinacją, by wyrażać siebie za pomocą najlepszego medium dla swoich idei. Bardziej oczywistą inspiracją byłaby Agnes Martin — uwielbiam jej pewną siebie powściągliwość — oraz Mark Rothko za emocjonalną siłę, jaką potrafią wywołać jego prace."

Audrey Stone - Nr 61, 2011. Nici, tusz i grafit na papierze. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville wspomina niemieckie bunkry z czasów II wojny światowej, ciągnące się wzdłuż francuskiego wybrzeża Atlantyku. Mówi: „Większość ludzi uważa je za brzydkie blizny. W moich oczach ich materialność była częścią krajobrazu, czas zespolił je z piaskiem, wydmami i morzem albo z malowidłami, które pokrywali je artyści uliczni”. Ponadto Auville’a wpłynęło to doświadczenie z młodości:

"W wieku sześciu lub siedmiu lat miałem przywilej odwiedzić jaskinię Lascaux w południowo-zachodniej Francji. To było dla mnie szokujące. Moi rodzice kupili kilka reprodukcji na pamiątkę, a ja spędzałem godziny, oglądając je w piwnicy naszego domu i zastanawiając się, co odróżnia obrazy od prawdziwego dzieła sztuki. Różnica była oczywista, ale z trudem próbowałem zrozumieć, na czym polegała. Zapalałem i gasiłem światło, przyklejałem piasek do obrazów, próbując odtworzyć ich materialność, ale nigdy nie udało mi się dotrzeć do tego, co uważałem za ich duszę."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Barwiony cement na panelach piankowych. Konstrukcja i rama do zawieszenia z tyłu. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan wspomina o inspiracjach sięgających od artystów (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), przez projektantów okładek albumów (Hipgnosis, Peter Saville), po muzyków (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Mówi:

"W latach poprzedzających moje dojrzewanie język wizualny Pieta Mondriaana cieszył się w Holandii dużym zainteresowaniem. Byłem zbyt młody, by myśleć w kategoriach sztuki, ale Mondriaan po prostu był obecny i fascynował. Nadal fascynuje! Nieco później poznałem suprematystów, którzy podobnie jak ja za punkt wyjścia przyjmowali formy geometryczne. Ponieważ moje siostry były ode mnie starsze o około pięć lat, już we wczesnych latach nastoletnich, za pośrednictwem ich chłopaków, odkryłem „progresywną” muzykę i towarzyszące jej projekty okładek. Nic dziwnego, że chciałem zostać projektantem okładek płyt. Gdybym miał wybrać jednego artystę wizualnego, który zmienił mój sposób patrzenia na rzeczy, byłby to Ellsworth Kelly. W połowie lat 80. Stedelijk Museum w Amsterdamie kupiło „Blue Curve VI” (1982). Regularnie chodziłem je oglądać i studiowałem jego język wizualny. Ale teraz, być może co ważniejsze, kieruje mną także własna reakcja na sztukę... Zacząłem myśleć o sztuce... o jej celu, znaczeniu, och, mój Boże."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Atrament Ultrachrome HD na papierze Hahnemühle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Nauki Josefa Albersa wpływają na moje myślenie o umieszczaniu kolorów w różnych kontekstach. Z kolei skyspaces Jamesa Turrella wpłynęły na moje myślenie o umieszczaniu barw atmosferycznych w różnych kontekstach. Ogólnie estetyka moich serii Paper Skies i Moving Pictures pozostaje pod silnym wpływem współczesnych malarzy amerykańskich, takich jak Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella itd."

Brenda Biondo - Paper Sky nr 21 (Large), 2015. Druk sublimacyjny na aluminium (wykończenie matowe/lustrzane). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Ponad 20 lat temu odkryłem kaplicę w Ronchamp, późne dzieło architekta Charles’a Edouarda Jeannereta, znanego jako Le Corbusier. Ani wcześniej, ani później nie doświadczyłem takiego odczucia trafności możliwości relacji między masywnością a wyniesieniem. Wtedy rozpoczęły się moje długie poszukiwania, które do dziś mnie zasilają, mające na celu zbliżenie się do najwłaściwszej relacji między pełnią a pustką."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborund i sucha igła na miedzi. Druk na papierze bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Chciałabym opowiedzieć o artyście, który inspirował mnie przez dziesięciolecia bardziej niż jakikolwiek inny artysta: o Matisse’ie, artyście, którego można studiować przez całe życie. Jego twórczość podążała wieloma drogami dzięki eksperymentom i poszukiwaniu nowych możliwości w malarstwie. Jego prace są piękne, podnoszące na duchu i złożone, czasami urocze i spokojne, a czasami trudne i wymagające - odzwierciedlają to, czym jest życie."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akwarela na papierze. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Zamiast wymieniać swoich inspiracji, Cantrick wskazuje artystów, których twórczość najbardziej ją interesuje, niezależnie od tego, czy istnieje bezpośredni związek z jej własną twórczością. Jej krótka lista artystów nowoczesnych i współczesnych:

„Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé i Per Kirkeby. To eklektyczna i niewyczerpująca lista, ale łączy ich klarowność, złożoność i żywotność — kwestie, które również mnie zajmują — wyrażane poprzez intensywny kolor i strukturę, wyraziste formy oraz płytką przestrzeń malarską. Jeśli chodzi o artystów przednowoczesnych, Vermeer, Degas i Manet zajmują czołowe miejsca na mojej liście — ponownie ze względu na tę triadę cech: klarowność, złożoność i żywotność. Ponadto: napięcie w pełnym wyrazu, materialnym malarstwie Vermeera przekazuje niezwykle namacalny bezruch — zawieszenie czasu. Szczególny sposób, w jaki Degas przerywa swoją przestrzeń „cichymi”, pozbawionymi animacji obszarami i/lub silnym elementem wertykalnym, sprzyja długotrwałemu, rytmicznemu oglądaniu. U Maneta natomiast obecne są bezpośredniość i świeżość, które — poza całym pozostałym mistrzostwem — w najlepszych momentach są urzekające.”

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl na płótnie lnianym. 100 x 100 cm

Anne Russinof

„W moim przypadku nie inspirował mnie konkretny artysta, lecz raczej środowisko artystyczne, w którym dorastałam w Chicago. W mojej okolicy, zwanej Lincoln Park lub Old Town, wszędzie byli artyści, a gdy jako nastolatka zainteresowałam się rysunkiem, zachęcono mnie, bym uczęszczała do szkoły związanej ze wspaniałym Art Institute of Chicago na zajęcia z rysunku figuralnego. Aby dotrzeć do szkoły, musiałam przechodzić bezpośrednio przez muzeum z jego słynną kolekcją impresjonistyczną. Myślę, że to zasadniczo ukształtowało moje zainteresowanie linią, gestem i kolorem.”

Anne Russinof - Spójrz, zobacz, 2014. Olej na płótnie. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

„Moja artystyczna spuścizna wywodzi się od artystów, którzy łączą „redukujące” podejście do tworzenia obrazów/obiektów z dbałością o powierzchnię i subtelne detale. Przychodzą mi na myśl Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros i Sol Lewitt. Ponadto rzeźbiarskie prace Richarda Serry, Carla Andre i Freda Sandbacka, z ich charakterystycznym wykorzystaniem trójwymiarowej przestrzeni, nadal inspirują moje podejście do malarstwa.”

Macyn Bolt- Bokser cieni (B.2), 2015. Akryl na płótnie. 122 x 96,9 cm

Źródła

• Tryptyk „Ogród rozkoszy ziemskich”, Museo Nacional del Prado: Stanowi wsparcie dla opisu paneli tryptyku przedstawiających raj, rozkosze ziemskie i piekło.