18 współczesnych artystów abstrakcyjnych opowiada o swoim dziedzictwie

Nauczanie sztuki jest niebezpieczne i niemożliwe. A jednak jest też konieczne. Aby sztuka mogła istnieć, artyści muszą nauczyć się, jak stać się tym, kim mają się stać, i jak tworzyć to, co mają stworzyć. Niektórzy nauczą się tego w szkole, od innych niedoskonałych ludzi takich jak oni sami, którzy z jakiegoś powodu podjęli się niebezpiecznego, niemożliwego, koniecznego zadania dzielenia się z innymi tym, czego się nauczyli. Inni artyści znajdą nauczycieli poza klasą. Mogą nauczyć się, co to znaczy być artystą, spędzając czas z innymi artystami na wernisażach lub w barach. Mogą nauczyć się, co to znaczy tworzyć sztukę, oglądając filmy online lub analizując sztukę, którą widzą w muzeach lub książkach. Niektórzy artyści mogą nauczyć się, kim są, podążając za inspiracją, którą czerpią z architektury i designu, po prostu reagując na myśli i uczucia, które doświadczają podczas kontaktu z codziennym środowiskiem zbudowanym i jego niezliczonymi produktami i przestrzeniami. Jeszcze inni mogą nauczyć się, jak być artystami, po prostu akceptując — a potem pielęgnując — wewnętrzną potrzebę tworzenia. Proces tworzenia może nauczyć nas, jak tworzyć. Proces bycia może nauczyć nas, kim chcemy być. W końcu każdy, kto przejdzie przez proces nauki do momentu, gdy będzie mógł powiedzieć frazę „Jestem artystą” bez poczucia, że to kłamstwo, będzie miał historię do opowiedzenia o swoich nauczycielach. Dziś przedstawiamy kolekcję takich historii od artystów na tyle odważnych, by podzielić się swoimi liniami nauki. Są odważni, ponieważ ogłoszenie swojego dziedzictwa estetycznego lub koncepcyjnego naraża ich na straszne zagrożenie. Ty, czytelniku, możesz zdać sobie sprawę, że jeden artysta był uczniem innego artysty lub był zainspirowany tym czy tamtym, i pomylić to z drogą na skróty. Możesz powiedzieć: „Aha! Teraz widzę, kogo kopiują” lub „Teraz rozumiem ich sztukę!” Zamiast tego, czytając te anegdoty o tym, jak tych 18 artystów stało się tym, czym są, pozwól, by te informacje poszerzyły twoją percepcję. Podążaj za każdym wątkiem i zagłębiaj się. Możesz dostrzec niebezpieczne, niemożliwe, konieczne piękno tego, co naprawdę oznacza nauczanie i uczenie się sztuki.

Anya Spielman

Spielman był uczniem Wayne Thiebauld podczas studiów na University of California at Davis. O swoich innych nauczycielach mówi:

"Wielkim wpływem dla mnie było zobaczenie tryptyku Hieronymusa Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” w Prado, gdy byłem nastolatkiem. Byłem zachwycony ikonografią, jak również soczystymi kolorami i misternymi kompozycjami jego dzieła. Natychmiast zareagowałem na dualizm w pracy Boscha: jego surową i rozświetloną paletę: odcienie czerni atramentowej, umbra, bladego różu, kości, czerwieni i azurytu; krzywizny jego przezroczystych kapsuł rozkoszy w Edenie zestawione z przeszywającym psychologicznym i fizycznym zejściem do halucynacyjnego piekła. Wizjonerski geniusz Boscha ukazał ludzką naturę we wszystkich jej formach, z bezpośrednią intymnością i siłą, którą uważam za niezwykle rzadką nawet dziś."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olej na panelu. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studiowała u Louisa Finkelsteina jako studentka studiów magisterskich na Queens College, City University of New York. W tej samej szkole uczyła się u Benny’ego Andrewsa, który szkolił się jako abstrakcyjny ekspresjonista w School of the Art Institute of Chicago w latach 50.; Clintona Hilla, który był asystentem w pracowni Marka Rothko; krytyka sztuki i zastępcy redaktora Artforum Roberta Pincus-Wittena, który, jak mówi, „pomógł mojemu krytycznemu oku”; oraz Charlesa Cajoriego, który był uczniem Hansa Hoffmana. Sirlin mówi:

"[Lineage] to rzeczywiście skomplikowane pytanie. Powiązania z artystami są również zawiłe. Anne Truitt była dla mnie ważna, gdy byłem młodym artystą w Yaddo. Melissa Meyer również tam była tego lata [1983]. Erin Lawlor była moją współlokatorką w pracowni w The Rothko Centre na Łotwie. Jose Heerkins był w Rothko Centre w tym samym czasie co my [2016]. Kara Walker była studentką, gdy uczyłem w The Atlanta College of Art, a Kara i ja występowaliśmy na tej samej Atlanta Biennial w 1992 roku. Potem są inni artyści — pisarze i dramaturdzy. Hayden Herrera [biograf Friedy Kahlo i Arshile Gorky] był moim mentorem jako pisarza sztuki. Chris Kraus [I Love Dick] i ja byliśmy razem w Yaddo... Byłem bliskim przyjacielem dramaturga Ronalda Tavela [Theatre of the Ridiculous]. Był scenarzystą dla Warhola... Mam nadzieję, że nie pomieszałem Ci spraw w tej dodatkowej odpowiedzi."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Technika mieszana na płótnie. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Kiedy zaczynałam malować, największy wpływ miał na mnie Picasso. Przyciągało mnie jego użycie koloru i znakowania, szczególnie w „Girl Before A Mirror” (1932). Później, gdy zaczęłam malować bardziej w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, bardziej przyciągały mnie Joan Mitchell i Willem De Kooning. Jednak naprawdę zaczęłam przyglądać się ich pracy dopiero po tym, jak zaczęłam malować w ten sposób, a nie wcześniej."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe i akryl z zimnym woskiem na panelu. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

W wywiadzie z 2006 roku dla Minus Space NY, malarz Chris Ashley zapytał Göttin, gdzie zaczyna jako artysta. Göttin odpowiedział:

"Historia sztuki czasami udaje, że dany ruch artystyczny jest kompletną całością. Używanie terminu „konkretny” niekoniecznie pokrywa się z ideologicznym tłem Konkrete Kunst, które również opierało się na ideach dotyczących społeczeństwa i polityki. Moim zainteresowaniem jest bycie bytem, który może również obejmować sprzeczności — tak i nie, a nawet może. Moim punktem wyjścia jest synteza różnych poglądów lub stanowisk jednocześnie, co dla mnie jest widokiem przestrzennym. Może być oczywisty lub subtelny, symetryczny lub asymetryczny albo oba razem, z lub bez sprzeczności. Może być regułą i odchyleniem razem. Niektóre z wcześniejszych prac, które wykonałem, to kolaże związane z pracą Kurta Schwittersa (Merz), dowolny znaleziony materiał mniej więcej przyklejony do kawałka tektury — fizyczny, bezpośredni, improwizowany, przypadkowy, kolorowy, nawet dadaistyczny. Później zainteresowałem się Minimal Art, gdzie dzieło sztuki jest często precyzyjnie zaplanowane i perfekcyjnie oraz jasno skonstruowane z określonym użyciem materiałów i dbałością o detale. Oba ruchy są dla mnie ważne i czasami widzę, że moja praca niesie części obu, odpowiadając pomiędzy tymi dwoma historycznymi stanowiskami sztuki."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl na pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Dość trudno jest zrozumieć własne wpływy, przynajmniej dla mnie, ponieważ pracuję głównie intuicyjnie, a nie świadomie. Uważam, że moje formacyjne lata jako student sztuki na UCLA (BA 74, MFA 77) ukształtowały dużą część tego, kim jestem. W tamtych czasach UCLA była szkołą malarstwa z europejskim/modernistycznym nastawieniem. Na pierwsze zajęcia z malarstwa zapisałem się na wprowadzający kurs prowadzony przez Richarda Diebenkorna (nie miałem pojęcia, kim on jest), ale on i kierownictwo wydziału mieli pewne problemy i jego stanowisko zostało zakończone przed rozpoczęciem zajęć. Więc uczyłem się u Richarda Josepha, nowego realizmu, który dał mi solidne podstawy. Dopiero sześć miesięcy później, pracując na bardziej zaawansowanych zajęciach z Charlesem Garabedianem, zacząłem eksperymentować z abstrakcją. Na przestrzeni lat profesor, który prawdopodobnie miał na mnie największy wpływ, to William Brice. Bill był bardzo elokwentnym, dostojnym, hojnym, przemyślanym, zabawnym nauczycielem i przyjacielem. Jako pracowity i płodny artysta często mówił o konieczności spędzania czasu w pracowni na rozwiązywaniu problemów, a wszystko inne jest mniej ważne. Często o nim myślę i czuję się szczęśliwy, że znałem go przez długi czas. Zajęło mi kilka lat, aby oddzielić się od idei bycia studentem i od słyszenia głosów moich starych profesorów w głowie za każdym razem, gdy malowałem, ale z czasem osiągnąłem jasne poczucie tego, kim jestem i odpowiedzialności za tworzenie dzieł, które realizują moją wizję. Często widzę w mojej pracy aspekty innych artystów, czasem czując, że istnieje prawdziwe połączenie poprzez te same idee, a innym razem wydaje się, że podobieństwo jest tylko powierzchowne. W końcu niech krytycy sztuki mówią o wpływach."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tusz na papierze. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) był moim nauczycielem grafiki 25 lat temu. Spotkaliśmy się po raz pierwszy, gdy przebywałam w Fine Arts Work Center w Provincetown, gdzie Michael prowadził tygodniowe warsztaty z grafiki. Wiele rzeczy wyróżniało nasze pierwsze spotkanie: Michael był niezwykle empatyczną i społecznie świadomą osobą, nie tylko w wybranej tematyce (rysunki i grafiki przedstawiające cierpiących pacjentów w szpitalu psychiatrycznym oraz zwierzęta za kratami w zoo), ale także w naszych indywidualnych rozmowach o życiu. Nauczył mnie hojności przez przykład jako sposób na zrównoważenie egocentryzmu w pracowni. Nie było niczego związanego z jego techniką czy dążeniem do kariery artystycznej, czego Michael by nie podzielił się. Michael spędził czas w Chinach pod koniec lat 80., i to dzięki jego miłości do azjatyckiego krajobrazu nauczyłam się upraszczać swoje gesty, malować z oszczędnością wyrazu, co jest mi bardzo bliskie. Nigdy nie zapomnę jego poczucia humoru, gdy mówił do mnie: „Tracey, to jest ungepatchke!”, jidyszowe słowo oznaczające zbyt zajęty i ozdobiony.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gwasz, grafit i tusz na papierze rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee wskazuje jako swoje pierwsze źródło inspiracji akwarelę Paula Cézanne’a, którą zobaczyła, gdy miała 11 lat, i która pozostawiła „niezapomniane wrażenie”. Dodaje:

"Mój profesor, Klaus Stümpel, był na tyle blisko natury, że prawie nazywano go „rolnikiem”. Polecił mi studiowanie Frantiseka Kupki. Studiowałem jego proces abstrakcji oraz jego kosmiczną i mistyczną perspektywę. Przede wszystkim nauczyłem się więcej niż cokolwiek o jego miłości do życia i woli zachowania swoich myśli. Kiedy wróciłem do Korei, znów pomyślałem o Kandinsky’m. Uważam, że jego pragnienie znalezienia obiektywnej, uniwersalnej prawdy w sztuce jest niemożliwym wyzwaniem. Uważam, że sztuka jest subiektywna i osobista, a nie czymkolwiek innym. Kiedy szukam mojego najgłębszego wnętrza, mogę komunikować się z wnętrzem innych. Uważam, że sztuka może być medium łączącym mikroświat (człowiek) i makroświat (świat). Szczególnie kolor jest przedmiotem moich badań. Szukam koloru jako przymiotnika. Lubię podejście Richtera do pracy, jego pasję do malarstwa i ducha eksperymentu. Może On Kawara? Lubię jego pracę, w której chciał udowodnić, że jest żywy, i chcę udowodnić sobie, pracując codziennie, że nadal żyję emocjonalnie i świadomie. Moje przemyślenia na temat Wassily’ego Kandinsky’ego i wielu innych minimalistów są bardzo różne od ogólnej perspektywy. Nie zgadzam się z ich artystycznym punktem widzenia."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Akryl na płótnie, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman wymienia wpływy, które obejmują artystów (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman i Andy Warhol), projektantów (Saul Bass i Roy Kuhlman) oraz architektów (Le Corbusier). Ale mówi też o osobistych sposobach, w jakie kultura wpłynęła na jej sztukę, jak w następującej anegdocie:

"Firma mojego taty zajmowała się szyldami. Jak większość miejskich dzieci w Ameryce, dorastałem na tylnym siedzeniu samochodu, bardzo świadomy billboardów i neonów. Przyciągające uwagę, bezpośrednie bodźce wizualne były częścią mojej psychiki. Niedawno odwiedzałem MoMA w Nowym Jorku i ponownie uderzyło mnie malarstwo Barnetta Newmana „Vir Heroicus Sublimis” (Człowiek, Bohaterski i Wzniosły) (1950-51). Moja żywiołowa reakcja na jego siłę, bezpośredniość i prostotę była przytłaczająca, potwierdzając moją własną wizualną przeszłość i tożsamość."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gwasz na ręcznie robionym papierze Khadi. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Dla mnie to był Mondrian. Abstrakcyjni artyści tamtego czasu pracowali bardziej koncepcyjnie z abstrakcją, co oznacza, że lubili jej ideę, podczas gdy Mondrian pracował wstecz przez mechanikę i wyszedł na drugą stronę, reinventując płaszczyznę obrazu. Niewielu to zrobiło od tamtej pory. Potem zacząłem myśleć, że musi być więcej sposobów, by wejść w tę dziwną przestrzeń, którą Mondrian miał tak dobrze opanowaną. [Ellsworth] Kelly i [Robert] Mangold pokazali inne sposoby wyrażenia tej „innej” przestrzeni. Doświadczenie tych artystów dało mi przestrzeń, by naprawdę docenić wysiłki moich rówieśników i dążyć do przekroczenia kolejnej granicy."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl na papierze. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Kocham i często myślę o pracy Viji Celmins. Jej intensywna obserwacja i spokojne wykonanie są dla mnie bardzo inspirujące. Louise Bourgeois zawsze inspirowała mnie swoją determinacją, by wyrazić się w najlepszym medium dla swoich pomysłów. Bardziej oczywistą inspiracją byłaby Agnes Martin, uwielbiam jej pewną rezerwę, oraz Mark Rothko za emocjonalny impakt, jaki jego prace potrafią wywołać."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Nić, tusz i grafit na papierze. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville wspomina niemieckie bunkry z czasów II wojny światowej, które ciągną się wzdłuż francuskiego wybrzeża Atlantyku. Mówi: „Większość ludzi uważa je za brzydkie blizny. W moich oczach ich substancja była częścią krajobrazu, czas zlał je z piaskiem, wydmami i morzem lub z malowidłami, które uliczni artyści na nich umieszczali.” Ponadto Auville był pod wpływem tego doświadczenia z młodości:

"W wieku sześciu lub siedmiu lat miałem zaszczyt odwiedzić Jaskinię Lascaux na południowym zachodzie Francji. Było to dla mnie szokiem. Moi rodzice kupili kilka facsimile jako pamiątki i spędzałem godziny, patrząc na nie w piwnicy naszego domu, zastanawiając się, co odróżnia obrazy od prawdziwego dzieła sztuki. Różnica była oczywista, ale miałem trudności, by zrozumieć jej istotę. Włączałem i wyłączałem światło, naklejałem piasek na obrazy, próbując odtworzyć substancję malowideł z Lascaux, ale nigdy nie osiągnąłem tego, co uważałem za ich duszę."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentowany cement na panelach z pianki. Konstrukcja i rama do zawieszenia z tyłu. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan wspomina o wpływach sięgających od artystów (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) po projektantów albumów (Hipgnosis, Peter Saville), aż po muzyków (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Mówi:

"W latach przed moją dojrzewaniem język wizualny Pieta Mondriaana cieszył się dużą popularnością w Holandii. Byłem za młody, by myśleć w kategoriach sztuki, ale Mondriaan był po prostu obecny i to było intrygujące. I nadal jest! Trochę później poznałem Suprematystów, którzy, podobnie jak ja, zaczynali od form geometrycznych. Ponieważ moje siostry są około pięć lat starsze ode mnie, odkryłem (przez ich chłopaków) wczesne lata nastoletnie „progresywną” muzykę i towarzyszący jej design okładek. Nic dziwnego, że chciałem zostać projektantem okładek. Gdybym miał wybrać jednego artystę wizualnego, który zmienił mój sposób patrzenia na rzeczy, byłby to Ellsworth Kelly. W połowie lat 80. Stedelijk Museum w Amsterdamie zakupiło „Blue Curve VI” (1982). Regularnie tam chodziłem, by ją oglądać i studiować język wizualny. Ale teraz, co może ważniejsze, kieruję się także własną reakcją na sztukę... Zacząłem myśleć o sztuce... o celu, znaczeniu, o rany."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tusz Ultrachrome HD na papierze Hannemuhle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Nauki Josefa Albersa wpływają na to, jak myślę o umieszczaniu kolorów w różnych kontekstach. A skyspaces Jamesa Turrella wpłynęły na to, jak myślę o umieszczaniu atmosferycznego koloru w różnych kontekstach. Ogólnie rzecz biorąc, ogólna estetyka moich serii Paper Skies i Moving Pictures jest silnie inspirowana przez współczesnych amerykańskich malarzy takich jak Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella itd."

Brenda Biondo - Paper Sky nr 21 (Duży), 2015. Druk sublimacyjny na aluminium (matowy/połysk). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Odkryłem, ponad 20 lat temu, kaplicę w Ronchamp, późne dzieło architekta Charles Edouard Jeanneret, znanego jako Le Corbusier. Nie czułem, ani przed, ani po tym, takiego postrzegania poprawności możliwości między masywnością a wzniesieniem. Wtedy rozpoczęło się dla mnie to długie poszukiwanie, które nadal mnie karmi, mające na celu zbliżenie się do najbardziej odpowiedniej relacji między pełnią a pustką."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborund i sucha igła na miedzi. Druk na papierze bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Chciałbym opowiedzieć o artyście, który inspirował mnie przez dziesięciolecia, bardziej niż jakikolwiek inny artysta: Matisse, artysta, którego można studiować przez całe życie. Jego prace podążały wieloma ścieżkami dzięki eksperymentom i poszukiwaniom nowych możliwości w malarstwie. Są piękne, podnoszące na duchu, złożone, czasem urocze i spokojne, czasem trudne i wymagające — odzwierciedlające to, jak wygląda życie."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akwarela na papierze. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Zamiast wymieniać swoje wpływy, Cantrick podaje artystów, których prace interesują ją najbardziej, niezależnie od tego, czy istnieje bezpośredni związek z jej własną twórczością. Jej krótka lista dla sztuki nowoczesnej i współczesnej:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé i Per Kirkeby. To eklektyczna i niepełna lista, ale to, co ich łączy, to klarowność, złożoność i żywotność — które są moimi własnymi troskami — wyrażone przez silny kolor i strukturę, wyraźne formy oraz płytką przestrzeń malarską. W przypadku sztuki przednowoczesnej na szczycie mojej listy są Vermeer, Degas i Manet, znowu ze względu na tę trójkę cech: klarowność, złożoność, żywotność. Dodatkowo: napięcie w solidnym odwzorowaniu Vermeera przekazuje niesamowicie wyczuwalną bezruch — zawieszenie czasu. Szczególny sposób Degasa na punktowanie swojej przestrzeni „cichymi”, nieożywionymi obszarami i/lub silnym pionowym elementem sprzyja długotrwałemu, rytmicznemu oglądaniu. A Manet ma bezpośredniość i świeżość, które, oprócz całej reszty mistrzostwa, są w najlepszym wydaniu fascynujące."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl na lnie. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"W moim przypadku nie byłam pod wpływem jednego artysty jako takiego, lecz raczej artystycznej społeczności, w której dorastałam w Chicago. W mojej okolicy, zwanej Lincoln Park lub Old Town, było wielu artystów, a gdy jako przednastolatka wykazałam zainteresowanie rysunkiem, zachęcono mnie do pójścia do szkoły powiązanej z wspaniałym Art Institute of Chicago na zajęcia z rysunku postaci. Tam mogłam przejść bezpośrednio przez Muzeum z jego słynną kolekcją impresjonistów, aby dostać się do szkoły. Myślę, że to zasadniczo ukształtowało moje zainteresowanie linią, gestem i kolorem."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olej na płótnie. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Moje artystyczne [Lineage] znajduje się w artystach, którzy łączą „redukcjonistyczne” podejście do tworzenia obrazu/obiektu z uwagą na powierzchnię i subtelne detale. Przychodzą mi na myśl Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros i Sol Lewitt. Dodatkowo, rzeźbiarska praca Richarda Serra, Carla Andre i Freda Sandbacka, z ich szczególnym wykorzystaniem przestrzeni trójwymiarowej, nadal inspiruje moje podejście do malarstwa."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl na płótnie. 122 x 96,9 cm